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出版者:Knopf

作者:Janet Steele

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1982-05

价格:USD 22.50

装帧:Textbook Binding

isbn号码:9780075561279

丛书系列:

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• 音乐理论
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音乐基础理论与实践：探索声音的结构与表达 本书旨在为初学者提供一个全面而深入的音乐基础知识体系，涵盖乐理的核心概念、听觉训练的技巧，以及音乐实践中的关键要素。我们相信，理解音乐的语言是提升音乐表现力的基石。 --- 第一部分：音乐的语言——乐理基石 本部分将带领读者逐步认识和掌握构成音乐的基本元素，为后续的深入学习打下坚实的基础。 第一章：音高与记谱法（Pitch and Notation） 1.1 音高、半音与全音： 详细阐述音高的物理学基础——频率，以及人耳对音高的感知。我们区分了相邻音之间的最小间隔——半音（semitone），以及由两个半音构成的全音（tone）。通过大量的实例，读者将掌握如何识别和运用这些基本间隔。 1.2 五线谱系统（The Staff System）： 深入介绍五线谱的结构，包括高音谱号（Treble Clef）、低音谱号（Bass Clef）和中音谱号（Alto Clef，在特定乐器如中提琴中至关重要）。讲解如何通过谱号定位中央C（Middle C）及其在不同谱系上的位置，以及如何使用加线（ledger lines）来扩展音域。 1.3 音符与休止符（Notes and Rests）： 系统讲解不同时值的音符（全音符、二分音符、四分音符等）及其对应的休止符。重点在于理解音符的相对时长，而非绝对时间，这为节奏的理解铺平了道路。同时，介绍附点（dots）和连音线（ties）如何修改音符的时值。 1.4 调性与升降记号（Key and Accidentals）： 详尽解析升号（♯）、降号（♭）和还原记号（♮）的作用。深入探讨等音现象（Enharmonic Equivalents），理解同一音高在不同记写方式下的功能差异。 第二章：节奏与节拍（Rhythm and Meter） 2.1 节奏的组织： 区别“节奏”（Rhythm，单个音符时值的组合）与“节拍”（Meter，有组织的律动）。解释节拍的结构——小节（Measure）的划分和拍号（Time Signature）的意义，如2/4、3/4、4/4及复合拍号如6/8、9/8的实际应用。 2.2 节拍的强弱模式： 剖析不同拍号下的重音规律，即强拍、次强拍和弱拍的交替模式。通过聆听和实践，培养对稳定节奏的内在感知。 2.3 复杂节奏技巧： 介绍三连音（Tuplets）及其他非二分或三分的细分模式，这些是增加音乐趣味性和复杂性的关键技术。 第三章：音程与和声（Intervals and Harmony） 3.1 音程的度数与性质： 讲解音程的度数（数名，如三度、五度）和性质（大小、增减、纯）。这是理解和声关系的基础。重点区分大三度与小三度，以及纯五度在调性系统中的稳定作用。 3.2 三和弦的构建与转位： 系统介绍最基础的和声结构——三和弦（Triads）。详解大三和弦（Major）、小三和弦（Minor）的构成，以及增三和弦（Augmented）和减三和弦（Diminished）的特性。深入探讨和弦的转位（Inversions）及其低音线的变化对听感的影响。 3.3 七和弦的引入： 初步接触更丰富和声色彩的七和弦，特别是属七和弦（Dominant Seventh）的功能及其解决倾向。 第四章：调性系统（Tonality） 4.1 大调与小调： 详尽对比大调音阶（Major Scale）与自然小调音阶（Natural Minor Scale）的结构（全/半音模式）。通过对比，读者能清晰把握两种调性带来的情绪差异。 4.2 调号的建立： 基于五度圈（Circle of Fifths）的原理，系统讲解如何推导出所有大调和小调的调号。掌握快速识别任何一个调的调号，以及如何根据调号确定音阶的七个音。 4.3 调式（Modes）： 超越大小调的限制，介绍教会调式（Church Modes），如多利亚（Dorian）、弗里吉亚（Phrygian）等。理解它们如何通过改变特定音级，为旋律和和声带来独特的色彩。 --- 第二部分：听觉训练与音乐感知（Aural Skills） 本部分侧重于将书面知识转化为实际的听觉识别能力，这是成为合格音乐家的必备技能。 第五章：听辨音程与和弦（Interval and Chord Recognition by Ear） 5.1 听辨音程（Interval Identification）： 提供了一套系统性的听觉训练方法，从简单的纯四度、纯五度开始，过渡到大小三度、以及需要精细辨别的增四度/减五度（三全音）。侧重于将抽象音程与已知的音乐实例联系起来（Melodic vs. Harmonic Intervals）。 5.2 听辨和弦性质： 训练听众准确分辨大三和弦、小三和弦、减三和弦和增三和弦的听感特征。理解大和弦的“稳定开放”感和小和弦的“内敛忧郁”感。 5.3 属七和弦的解决： 重点训练对属七和弦（V7）的识别，尤其关注其解决到主和弦（Tonic）时所产生的强烈趋向性和解决感。 第六章：旋律视唱（Melodic Sight-Singing） 6.1 固定唱名法与相对唱名法： 对比“Do”固定唱名法（Fixed Do）和“Do”相对唱名法（Movable Do）的优缺点及适用场景。着重于相对唱名法在处理转调和变音时的灵活性训练。 6.2 节奏的准确呈现： 结合视唱训练，要求学生不仅要唱对音高，更要严格按照五线谱上标记的拍号和节奏型进行准确演唱。 第七章：和声听辨与转录（Harmonic Dictation） 7.1 基础和弦功能： 理解主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V）和下属和弦（Subdominant, IV）在调性进行中的基本功能和听感区别。 7.2 简单旋律听写： 从单音旋律开始，逐步过渡到包含三和弦和基础节奏型（如二分音符、四分音符、八分音符）的短小乐句听写训练。强调记谱的准确性和完整性。 --- 第三部分：音乐实践与应用（Practical Applications） 本部分将理论与实践相结合，引导读者理解音乐的结构性组织，并初步接触更广阔的音乐世界。 第八章：曲式分析入门（Introduction to Form） 8.1 音乐的建筑结构： 介绍“曲式”作为音乐的骨架。分析音乐作品中是如何通过材料的重复（Repetition）、再现（Recurrence）、对比（Contrast）和变化（Variation）来构建整体结构的。 8.2 基础曲式单元： 深入剖析二部曲式（Binary Form）和三部曲式（Ternary Form, ABA）。通过分析巴赫的简单舞曲和古典时期的乐章片段，让读者能够识别出乐段的界限和功能。 8.3 主题与动机（Theme and Motif）： 讲解动机（Motif）作为最小的音乐思想单位，如何被发展、变形，并构成一个完整主题（Theme）。 第九章：演奏与表现力（Performance and Expression） 9.1 演奏记号的解读： 详细解释常用的力度记号（如p, mf, f及其渐强/渐弱）、速度标记（如Adagio, Allegro）以及表情术语（如legato, staccato）。 9.2 音乐中的“呼吸”： 讨论乐句（Phrase）的概念，以及在演奏或歌唱中如何通过恰当的停顿和呼吸来赋予音乐生命力，使其听起来更像有机的语言而非机械的音符堆砌。 第十章：风格与历史背景（Style and Context） 10.1 风格的演变： 简要概述西方音乐从巴洛克到古典主义时期的主要风格特征。例如，巴洛克时期对对位法（Counterpoint）的偏爱，与古典主义时期对清晰、平衡的奏鸣曲式的追求。 10.2 乐器与音色： 介绍常见乐器家族（弦乐、木管、铜管、打击乐）的基本音域和音色特点，理解作曲家如何利用不同的音色组合来描绘场景或表达情感。 --- 总结： 本书的结构设计，是从最微小的元素（音高、时值）出发，逐步构建复杂的系统（和声、调性），最终回归到实际的听觉感知与音乐实践中。通过系统的理论学习和严格的听觉训练，读者将能够自信地“阅读”音乐，并对所听到的音乐进行准确的分析和欣赏。本书不仅仅是一本乐理参考书，更是一本引导通往更深层次音乐理解的实践指南。

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这本书的装帧设计实在让人眼前一亮，从拿到手的那一刻起，我就感觉这不仅仅是一本教材，更像是一件艺术品。封面采用了经典的哑光处理，触感温润，中央的简约线条设计透露出一种内敛而高级的美感，与书名“Elementary Musicianship”的严谨性形成了有趣的对比。内页的纸张选择也非常考究，米白色调有效减轻了长时间阅读带来的视觉疲劳，印刷字迹清晰锐利，即便是复杂的乐理符号也能一目了然。我特别欣赏它在版式布局上的用心，大量的留白使得页面呼吸感十足，避免了传统教材那种密密麻麻的压迫感。每当翻开它，总有一种仪式感油然而生，仿佛预示着即将开始一段精心准备的音乐探索之旅。从这个层面来说，作者和出版方在“用户体验”上做得非常到位，这对于初学者来说，是建立学习兴趣的无形加分项。这本书的实体质感，完全配得上它所承载的音乐知识的深度，让人愿意把它一直放在手边，随时翻阅，而不是束之高阁。

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我必须强调这本书在概念阐释的深度上远超同类初级读物。很多入门书籍往往止步于名词解释和基本规则的罗列，但《Elementary Musicianship》显然志不在此。它不仅仅告诉你“是什么”，更深入地探讨了“为什么会是这样”。例如，在讲解调性功能时，它没有简单地将主属和弦的运动视为既定事实，而是巧妙地引入了历史背景和听觉心理学的视角，解释了为什么人类的听觉系统会对这种特定的解决倾向产生满足感。这种追本溯源的讲解方式，使得学习不再是死记硬背，而是一种基于理解的内化过程。每次我以为自己已经掌握了一个概念时，下一页的内容总能提供一个更深、更广的视角来审视它，让我不禁感叹知识的关联性和音乐逻辑的精妙所在。对于那些渴望超越“会弹”而达到“能理解”境界的学习者来说，这种深度是极其宝贵的。

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从使用体验的角度来看，这本书的结构组织具有极强的实操性和灵活性。它没有将所有内容绑定在一个线性的叙事流程中，而是设计了多个可以独立深入研究的主题模块。这意味着，我可以根据自己的学习瓶颈或当前的演奏需求，随时跳转到特定的章节进行查漏补缺，而不会因为跳过某一部分而感到整个知识体系的断裂。比如，当我最近在练习某首巴赫的作品时，可以立刻翻到关于对位法（Counterpoint）的特定章节进行巩固，而不必重新翻阅前几章的调性基础。这种模块化的设计，极大地提升了这本书作为“工具书”的价值。它不像一本小说，必须从头读到尾；它更像是一套精密的工具箱，需要的工具随时可用，结构清晰，维护方便。对于繁忙的成年学习者而言，这种高效的知识检索和应用模式，无疑是最大的福音之一。

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这本书的配套资源，虽然不是实体内容，但其整合性令人印象深刻。我指的是它在引用和参考资料方面的严谨性。在讨论到某些特定乐派或作曲家的手法时，书中会清晰地标注出参考的原始文献或录音示例的出处，这为我的后续自主学习开辟了无数条路径。它不是一个知识的终点，而是一个极其可靠的起点导航图。更重要的是，它在提供练习材料时，展现出一种“循序渐进到挑战极限”的完美配速。开篇的练习可能简单到让人略感无聊，但到中段时，难度曲线就开始陡峭上升，迫使你必须应用之前学到的所有知识点来解决一个综合性的问题。这种设计，既保护了新手脆弱的自信心，又确保了他们在适当的时机被推向成长的边缘。这种对学习节奏的精准把控，体现了作者长期的教学经验和对学习者心理的深刻洞察。

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这本书的行文风格简直是教科书式的“冷峻与热情”的完美结合。它没有过多花哨的口号或过于煽情的引言，而是直截了当地切入核心概念，每一个章节的逻辑推进都像是精密计算过的数学公式，层层递进，不容置疑。然而，正是这种严谨的结构中，蕴含着对音乐本质的深刻洞察。作者似乎深谙初学者在面对抽象音乐概念时的困惑，总能在关键的转折点，用极其精确但又富有画面感的语言来解释那些看似难以捉摸的和声进行或节奏型。我特别喜欢它在处理“听觉训练”部分时采用的对比手法，通过并列两种截然不同的音乐语境来凸显核心要素的特性，这种“在比较中认识”的方法论，极大地加速了我对特定音响特征的识别能力。读完一个段落，你不会觉得轻松，但你会感到充实，仿佛大脑的某个区域被重新连接和激活了。

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