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出版者:武汉大学

作者:范明华

出品人:

页数:223

译者:

出版时间:2009-10

价格:26.00元

装帧:

isbn号码:9787307073371

丛书系列:

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《历代名画记》是中国绘画史上的里程碑式著作，其作者张彦远以其深刻的洞察力和卓越的文笔，系统地梳理了自远古至唐代历代绘画的发展脉络，并对其背后的美学思想进行了精辟的阐述。本书不旨在简单复述《历代名画记》的内容，而是深入探究其中蕴含的、贯穿中国绘画史的美学精神，旨在为读者提供一个更广阔的视野，理解中国古典绘画为何能够历经千年而魅力不减，并对当代艺术创作与鉴赏提供启发。 本书的研究将聚焦于《历代名画记》中提出的几个核心美学范畴，并以此为线索，勾勒出中国绘画美学思想的演变轨迹。 首先，我们将深入剖析“六法”在中国绘画中的核心地位。张彦远在《历代名画记》中对“六法”（气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写）进行了详尽的阐释，这“六法”不仅是评判一幅画作优劣的标准，更是画家创作的指导原则。本书将追溯“六法”的起源，探究其在中国绘画理论体系中的 foundational 意义。我们将详细解析每一法所蕴含的深层含义： 气韵生动：这是“六法”之首，也是中国绘画美学最核心的追求。它不仅仅是对画面生命力的描绘，更是对画家内心精神世界的表达。本书将探讨“气韵”如何超越形似，直抵精神内核，以及如何通过笔墨的运用、意境的营造来实现“气韵生动”。我们将分析不同时期画家是如何理解和实践这一原则的，例如顾恺之的“以形写神”与吴道子的“笔才一二，如龙在手”之间的联系与区别，以及南朝宋谢赫提出“六法”时，其所处的时代背景和社会文化对“气韵生动”理解的影响。 骨法用笔：这强调了线条在中国绘画中的骨骼作用。它不仅仅是勾勒物体的轮廓，更是传达力量、质感和生命力的关键。本书将深入研究中国画独特的笔墨技法，从篆书、隶书等书法艺术中汲取养分，探讨笔墨的线条如何承载情感，如何通过枯湿浓淡、转折顿挫的变化，表现出对象的筋骨和生命力。我们将对比不同朝代、不同流派在用笔上的特色，例如唐代吴道子的“曹衣出 Jepang”（吴带当风）和宋代李公麟的“白描”，以及元代赵孟頫对线条的复兴与创新，解析“骨法用笔”如何塑造了中国画独特的艺术语言。 应物象形：这指的是对客观事物的逼真描绘。然而，中国绘画中的“象形”并非西方写实主义的照搬，而是一种高度提炼和概括的形似。本书将探讨中国画家如何在“象形”的同时，注入主观的情感和精神，达到“似与不似之间”的境界。我们将分析画家如何通过观察、提炼、写生，捕捉事物的本质特征，并将这些特征通过笔墨表现出来，如五代黄筌对花鸟的精微描绘，宋代崔白对自然景物的生动刻画，以及元代倪瓒对山水的孤寂清冷表现。 随类赋彩：这阐述了色彩在中国绘画中的运用原则。中国画的色彩讲究和谐、典雅，并常常与笔墨相辅相成，而非简单地填色。本书将研究中国画的设色传统，从淡雅的青绿山水到浓艳的工笔人物，解析色彩如何在烘托主题、营造氛围、传达情感方面发挥作用。我们将探讨不同的色彩运用技法，如没骨法、渲染法，以及设色如何与构图、笔墨相配合，共同完成画作的艺术表达，例如唐代阎立本的《步辇图》对人物色彩的运用，宋代全景山水的青绿或浅绛设色，以及明清时期文人画中对水墨本身的色彩理解。 经营位置：这指的是画面的构图与布局。中国绘画强调“虚实相生”、“计白当黑”，构图是画家表达思想情感、引导观者视线的重要手段。本书将分析中国画构图的独特性，例如留白的处理、画面的取舍、视角的转换等，探讨这些构图方式如何营造出意境深远、韵味无穷的艺术效果。我们将研究不同时期画家在构图上的创新，例如宋代山水的“全景”与“散点透视”，元代倪瓒的“疏朗”构图，以及明清时期山水画中对“折带皴”、“披麻皴”等皴法在构图中的运用，如何体现了中国画对空间和秩序的独特理解。 传移模写：这既是学习和传承绘画技艺的途径，也包含对经典作品的致敬与超越。本书将探讨中国绘画中“传移模写”的意义，以及它如何在保证艺术传统的同时，促进新的风格和流派的产生。我们将分析不同时期画家如何通过临摹前人作品，学习其精髓，并在此基础上融入自己的创新，形成独特的艺术面貌。从唐代画家对顾恺之、吴道子作品的继承，到宋代画家对五代名家的借鉴，再到元明清时期画家对历代大师的致敬与发扬，都体现了“传移模写”在中国绘画传承中的重要作用。 除了“六法”的细致剖析，本书还将探讨《历代名画记》所折射出的更广泛的美学思想。 文人画的兴起与精神追求：张彦远虽生活于唐代，但其著作已然为后世文人画的崛起奠定了理论基础。《历代名画记》中对画家品格、学识、精神境界的强调，与后来文人画“以诗文书画为一体”的追求不谋而合。本书将探讨《历代名画记》中对画家“人品”与“画品”关系的论述，以及这如何影响了宋元明清文人画对“逸格”的推崇，对“诗书画合一”的追求，以及绘画作为一种精神寄托和自我表达的载体。 意境的营造与中国式的情感表达：中国画不仅仅是对外在世界的描绘，更是对内在情感的抒发。本书将深入研究中国画如何通过山水、花鸟、人物等题材，以及笔墨、色彩、构图的运用，营造出深邃悠远的意境，并以此来传达含蓄、内敛的东方情感。我们将分析“意境”如何成为连接画家、作品与观者的桥梁，以及观者如何在欣赏画作的同时，完成一次精神的交流与共鸣。 哲学与宗教思想对绘画美学的影响：中国画的美学思想深受儒、释、道等哲学和宗教思想的影响。本书将探讨如“天人合一”、“道法自然”、“虚静”等哲学观念，如何在绘画中得到体现，以及佛教的因果报应、轮回转世等思想，如何在某些绘画题材和表现手法中有所体现。例如，对山水画中“空”的理解，对人物画中“神”的刻画，都与中国传统的哲学思考密不可分。 本书力求通过对《历代名画记》这一重要文本的深入挖掘，呈现中国绘画美学思想的丰富性、深刻性和历史延续性。我们希望通过这本书，让读者不仅认识到中国古典绘画的艺术成就，更能理解其背后所蕴含的、与中国文化精神紧密相连的美学追求，并从中获得对艺术、对生活、对生命本身的深刻启示。这本书将是一次穿越时空的艺术对话，一次对中国文化灵魂的深度探寻。

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拿到《历代名画记》绘画美学思想研究这本书，我怀揣着一份对中国传统绘画的憧憬与好奇。翻开书页，仿佛踏入了一条时间长河，从先秦的古朴到唐宋的繁盛，再到明清的意境，每一笔每一画都诉说着一个时代的审美追求。作者并未满足于简单罗列画作，而是深入挖掘其背后蕴含的美学理念，比如“气韵生动”的论述，是如何在不同朝代、不同画家的作品中得到体现与演变的？“应物象形”与“得意忘形”之间又存在怎样的张力与融合？我特别想了解，在作者笔下，古代画家是如何从自然万物中汲取灵感，又如何将主观的情感与哲思注入画卷，使得一幅幅静态的画面能够“活”起来，触动观者的心灵。书中对于不同画种，如山水、人物、花鸟的侧重点探讨，也会是我的关注点。山水画中对“骨法用笔”的理解，人物画中对“传神写照”的追求，花鸟画中“不似之似”的玄妙，这些耳熟能详的美学概念，在这本书里能否被赋予新的解读？我期待能在这本书中，找到一条理解中国绘画从技法到精神的脉络，真正领略到中国画“外师造化，中得心源”的独特魅力，让我在欣赏古代名画时，不仅仅是看热闹，更能看出门道，体味到其中深藏的文化底蕴与艺术智慧。

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说实话，在阅读《历代名画记》绘画美学思想研究之前，我对中国古代绘画的美学理念，更多停留在一些零散的知识点上，比如知道有“六法”，知道有“写意”，但总觉得不够系统。这本书的标题立刻吸引了我，我期待它能够像一个梳子，将那些散落在历史长河中的美学珍珠，一一串联起来，形成一条清晰的逻辑线。我特别想知道，在作者看来，中国绘画的美学思想是如何从最初的萌芽，逐步发展壮大，并最终形成一套独具东方特色的艺术体系的。书中对于“用笔”和“用墨”的深入剖析，我会非常关注。要知道，笔墨是中国画的灵魂，不同的笔触、不同的墨色变化，能够传达出怎样的情感和意境？这其中又蕴含着怎样的哲学思考？我希望作者能通过详实的考证和独到的见解，为我揭示其中的奥秘。同时，书中对不同朝代代表性画家作品的美学分析，我也会仔细研读，看看他们是如何在传承中创新，又是如何用自己的画笔，书写出各自时代的绘画美学宣言。

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对于《历代名画记》绘画美学思想研究这本书，我的兴趣点在于它是否能够将那些抽象而又深邃的中国绘画美学理论，以一种更加易于理解和吸收的方式呈现出来。很多时候，我们听到“笔墨”、“意境”、“神韵”这些词，总感觉它们高高在上，难以捉摸。我希望这本书能够像一位循循善诱的老师，通过具体的画作实例，将这些理论“落地”，让我明白“以形写神”究竟意味着什么，又如何在张僧繇的“画龙点睛”或顾恺之的“人物传神”中得以体现。同时，我对书中关于“天人合一”的论述尤为好奇，在中国绘画中，人与自然的关系是如何被理解和表达的？画家又是如何通过笔墨的挥洒，将个人的情感与宇宙的宏大融为一体，达到一种精神上的共鸣？此外，不同历史时期，审美趣味的差异是如何影响绘画风格的演变的？例如，魏晋时期的清谈之风是否体现在绘画的飘逸洒脱上？宋代理学的影响又如何让山水画更趋于理性与哲思？我希望这本书能够为我拨开这些迷雾，让我能够更加清晰地认识到中国绘画美学思想的丰富性与发展脉络。

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这本书的题目《历代名画记》绘画美学思想研究，立刻勾起了我深入探究中国绘画内在精神的兴趣。我一直对中国古代绘画所传达出的那种宁静致远、超然物外的意境十分着迷，但往往在欣赏一幅名画时，感觉只是“看个热闹”，而无法真正触及到其美学思想的核心。我期待这本书能够带领我走进画家的内心世界，去理解他们创作时的心境，以及他们是如何将哲学、文学、甚至是中国传统的宇宙观，融入到笔墨丹青之中的。书中对“气韵”的论述，会是我非常期待的重点。不同于西方绘画对形体的精确描摹，中国画更注重“神”的传达，而“气韵”正是这种“神”的生动表现。我希望能够通过这本书，理解“气韵生动”的衡量标准，以及它在中国绘画美学体系中的地位。同时，我也想知道，历代画家在追求“气韵”的过程中，是如何在“师造化”与“师古人”之间找到平衡的，以及不同时代的审美风尚如何影响了这种平衡的达成。

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《历代名画记》绘画美学思想研究这本书，在我看来，它最大的价值可能在于能够帮助我建立起一个更完整的中国绘画美学认知框架。我之前总觉得，中国画的美，有时难以言说，它不是西方绘画那样直观的视觉冲击，而是更偏向于一种意会和感受。这本书，我希望它能提供一把钥匙，让我能够“解构”这种难以言说的美，理解那些“言有尽而意无穷”的妙处。我期待书中能够探讨“写意”精神的内涵，不仅仅是“不像”，更是“形神兼备”的高级境界。这种“似与不似之间”的哲学，究竟是如何体现在水墨的晕染和线条的勾勒之中的？我很好奇。另外，对于“移情”和“寄托”在绘画中的运用，我也想深入了解。古人是如何将自己的情感、理想、甚至是对人生的感悟，巧妙地融入到山川草木、飞禽走兽的描绘之中，使得观画者能够产生共情，获得精神上的慰藉？这本书若能清晰地解答这些疑问，那我将受益匪浅。

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