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出版者:De Appel Foundation, Amsterdam

作者:Jorg Heiser

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-06-02

价格:USD 20.00

装帧:Paperback

isbn号码:9789073501522

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
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《时间的雕塑家：艺术、权力和感知》 内容简介 本书深入探讨了当代艺术领域中，关于时间性、权力结构与感知模式的复杂交织。我们不将艺术视为孤立的审美客体，而是将其置于社会、政治和历史的宏大叙事中进行审视。全书围绕三个核心议题展开：时间在艺术创作中的物质性与非物质性；艺术如何成为权力再生产与反抗的场域；以及观众的主观感知如何在观看行为中被重塑。 第一部分：时间的层叠与断裂 本部分着重分析艺术家如何处理和呈现“时间”这一抽象概念。我们考察了那些采用延迟、循环或瞬间凝固手法的作品，探讨它们如何挑战线性叙事的时间观。 慢动作的伦理学： 探讨某些影像艺术中对事件的极度拉伸，揭示了在被加速的现代生活中，我们对“等待”和“持续”的麻木。这种对时间的物理性拉伸，迫使观众直面过程本身，而非仅仅期待结果。我们分析了特定艺术家如何利用录像技术，将日常行为转化为近乎冥想的仪式，从而改变了观看者对持续性的感知阈值。 历史的碎片与重构： 艺术不再仅仅是对过去的回忆，更是对历史记录的积极干预。我们研究了那些收集、归档和重新编排历史文献的艺术实践。这些实践揭示了“官方历史”是如何通过选择性记忆建构起来的，而艺术家的工作便是挖掘那些被主流叙事所过滤或遗忘的“沉默的边缘”。时间在此被视为可塑的材料，可以被切割、重新焊接，从而创造出与既有历史相悖的平行时间线。 瞬间的永恒化： 关注那些专注于捕捉“决定性瞬间”的摄影和装置艺术。然而，与传统摄影的记录功能不同，这些作品的瞬间被赋予了极端的意义负载，使其超越了其发生的那个时间点，成为一种结构性的寓言。这种对瞬间的过度强调，实际上是对我们对“即时性”迷恋的反思。 第二部分：权力的视线与艺术的抵抗 艺术史长期以来被视为精英文化的载体，本书批判性地考察了艺术机构（如博物馆、画廊和赞助体系）如何成为资本和意识形态运作的工具。同时，我们也挖掘了那些试图从内部瓦解或外部侵蚀这些权力结构的艺术策略。 机构批判的深化： 在机构批判艺术运动的基础上，我们探讨了当代艺术家如何通过揭露艺术生态系统的运作机制来质疑其合法性。例如，那些公开展示创作过程中的商业谈判、赞助协议甚至作品销售的艺术项目。这些实践将艺术品从其神圣化的基座上拉下，暴露了其背后的经济驱动力。 公共空间的干预与异化： 考察了公共艺术项目在城市环境中的复杂角色。一些公共雕塑或装置看似美化了环境，实则是一种对异议的“视觉安抚”。然而，我们也分析了那些故意制造视觉冲突或功能错位的公共艺术，它们如何利用公共空间本身的既有规则，制造短暂的认知混乱，从而激发路人对环境、秩序和所有权的重新思考。 身份的编码与解码： 身份政治在当代艺术中的核心地位不容忽视。我们审视了艺术家如何通过解构和重组身体意象、符号系统和语言，来挑战既定的社会性别、种族和阶级标签。这不仅仅是关于“代表权”的问题，更是关于如何通过艺术媒介来构造一种“非预设的自我”。 第三部分：感知的褶皱与共情的回声 本部分转向观众体验，探讨艺术品如何进入并改变个体的感官和认知结构。我们认为，艺术的真正力量不在于作品本身，而在于它在特定条件下激活的观众的在场感和参与性。 在场感（Presence）的物理性： 探讨了那些要求观众进行身体运动、忍受不适或参与重复性劳动的沉浸式装置艺术。这些作品打破了“远观”的传统模式，将观众的生理反应直接纳入作品的完成度中。时间在这里不再是背景，而是身体的消耗和体验的密度。 噪音与信息超载的审美： 在信息爆炸的时代，某些艺术家选择拥抱“过载”——用密集的图像、声音和文本轰炸观众。这种策略挑战了我们对“清晰”和“可理解性”的期待。我们分析了这种审美如何映射了现代人面对海量信息的焦虑状态，以及如何在这种混乱中，反而可能产生新的意义连接点。 共情的陷阱与真实的回响： 艺术常常被要求引发共情，但本书对这种要求持保留态度。我们探讨了那些通过展示极端情境或道德困境的作品，如何迫使观众面对自身道德判断的局限性。关键不在于我们是否“感觉”到了他人的痛苦，而在于艺术提供了一个安全的空间，去检验我们自身的道德预设是否足够坚固。 结论：艺术作为一种持续的质疑 本书最终论证，当代艺术的价值不在于提供明确的答案或统一的美学标准，而在于其持续质疑的姿态。它是一个永不完成的对话过程，一个不断测试文化、时间和社会界限的实验室。通过对材料、空间、历史和身体的细致考察，我们得以更清晰地理解，艺术如何不仅反映我们的世界，更积极地参与了我们世界的构建。 本书适合对当代艺术理论、视觉文化研究、时间哲学以及批判性理论感兴趣的读者。它旨在提供一种深入且非教条的阅读体验，鼓励读者以更加审慎和主动的态度进入艺术现场。

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与许多追求宏大叙事的作品不同，这本书的叙事策略显得异常克制和内敛，它专注于挖掘那些被日常磨损掉的微小瞬间，并给予它们超乎寻常的关注和重量。最让我印象深刻的是对“沉默”的描摹。很多关键的冲突和情感的转折，并非通过激烈的对话完成，而是通过人物之间刻意的、充满张力的空白来传达。作者仿佛是一位娴熟的音乐家，深知休止符在乐章中的重要性，那些没有被说出口的话语、那些在眼神交汇中瞬间凝固的情绪，其重量远超任何华丽的辞藻。这使得整本书的基调显得既压抑又充满了内在的张力，读者必须学会去“倾听”文字之间的空隙。这种对“不在场”的描绘技巧，高超地模拟了人类真实交流中的局限性与含糊性，它迫使我放慢阅读速度，去体会那种略带窒息感的亲密与疏离，而这恰恰是当代人际关系中最普遍又最难言喻的底色。

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这本书最让我感到震撼的，是其对“时间”这一概念的颠覆性处理。它没有采用简单的时间倒叙或插叙，而是让时间本身成为了一个可以被反复折叠、拉伸甚至局部停滞的角色。例如，作者可以在描述一个人物十五分钟的等待过程中，插入其祖辈三代人与等待相关的历史记忆，这种叙事密度和跨度，让人不禁思考，我们日常经验中的时间流逝，究竟是多么肤浅的表象。我注意到一个非常有趣的文学手法，作者似乎特别钟爱使用那些具有强烈地域色彩的专有名词和地方性的俚语，但这并非是为了炫耀学识，而是仿佛在暗示，某些深刻的体验和情感，必须通过其特定的“地理坐标”才能被完整地捕捉。每一次阅读，我都在试图描摹出这个故事所发生的那个“地方”，一个既存在于地图上，又全然存在于人物内心深处，由记忆、气味和未竟的承诺所构筑的幽灵般的空间。这种对环境与个体命运的深度耦合，使得故事不仅仅是关于人物的，更是关于那个特定地点的灵魂的编年史。

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抛开所有的文学技巧和结构分析不谈，这本书最终留给我的，是一种深沉的、近乎形而上学的忧郁感，但这种忧郁并非是颓废的，反而蕴含着一种坚韧的生命力。它探讨的议题——关于身份的流动性、记忆的不可靠性，以及个体在巨大历史洪流面前的无力感——虽然沉重，但作者处理得极其冷静和超脱。我感觉自己像是在经历一场漫长的、没有明显终点的精神漫步，沿途拾起了许多破碎的哲学碎片，这些碎片没有立刻拼凑成一个清晰的答案，而是散落在我的思绪中，久久萦绕。它没有提供任何廉价的慰藉或简单的解决方案，而是将那个最核心的困境——存在的荒谬性与追寻意义的徒劳——赤裸裸地呈现出来。因此，读完之后，我没有感到“满足”，而是感到了一种被“重新校准”的宁静，仿佛是进行了一次深度的精神排毒，它教会我如何在清醒地认识到世界的局限性之后，依然选择继续前行。

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这本书的封面设计着实让人眼前一亮，那种大胆的撞色和充满张力的构图，仿佛在用视觉语言向你宣告：这绝不是一本你可以轻易翻阅就束之高阁的平庸之作。内页的排版同样精致考究，字里行间流淌着一种沉稳而又不失活泼的节奏感，让人在阅读时仿佛能感受到作者对每一个细节的精心打磨。光是捧在手里，那种纸张的质感和油墨的气味，都构成了一种近乎仪式感的阅读体验。我花了很长时间只是反复摩挲着扉页，猜测着隐藏在这些精心构建的视觉符号背后，究竟蕴藏着怎样一种深刻而复杂的叙事结构。它不像某些当代作品那样追求哗众取宠的轻佻，反而散发出一种历经时间沉淀后的醇厚，让人忍不住想要深入探究其文字背后所构建的那个世界的肌理与脉络。这种对形式美学的执着追求，无疑为读者设定了一个很高的期待值，让人不由自主地屏息凝神，准备迎接一场感官与智识的双重洗礼。总而言之，从装帧设计到印刷质量，这本书在物理层面就已经实现了对读者的初步征服，成功地将“阅读”这件事从单纯的信息获取，提升为一种对美的欣赏和对艺术品的珍藏。

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我必须承认，初读这本书的开头部分，我经历了一段相当程度的“迷航”。作者的笔法极其跳跃，仿佛习惯于在不同的时空维度之间进行毫无预警的穿梭，句子结构常常是非线性的，充满了大量的插入语和看似无关的意象并置。这对我习惯于传统线性叙事的阅读习惯造成了不小的冲击，起初我不得不频繁地返回前文，试图重新定位“我”——那个叙事的主体——究竟身处何种境遇。然而，一旦我尝试放弃用“理解”来主导阅读，转而接受它所提供的感官碎片和情绪洪流时，一切开始变得豁然开朗。那些看似错乱的片段，如同被打碎的镜子，当它们被重新投射到读者的意识中时，反而组合出了一种更具棱角、更贴近真实体验的破碎美感。它要求读者放弃被动接受信息的姿态，转而成为一个积极的参与者和意义的构建者，这种挑战性极强的互动模式，是当代文学中少有的令人兴奋的尝试。读完一个章节，需要的不是“我明白了什么”，而是“我感受到了什么”，这种强调体验而非教条的叙述方式，极大地拓宽了我对小说文本边界的认知。

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