Jackson Pollock

Jackson Pollock pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:
作者:Lanchner, Carolyn
出品人:
页数:48
译者:
出版时间:2009-10
价格:$ 11.24
装帧:
isbn号码:9780870707698
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 绘画
  • 2011
  • 抽象表现主义
  • 波洛克
  • 美国艺术
  • 现代艺术
  • 绘画
  • 艺术史
  • 滴画
  • 行动绘画
  • 20世纪艺术
  • 艺术
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具体描述

Jackson Pollock made a tremendous impact on Modern art in the twentieth century. As a pioneer of Abstract Expressionism, he was a key figure in the postwar tradition that brought American art to the forefront of the international scene. This new volume in the "MoMA Artist Series," which explores important artists and favorite works in the collection of The Museum of Modern Art, guides readers through a dozen of the artist's most memorable achievements. A short and lively essay by Carolyn Lanchner, a former curator of painting and sculpture at the Museum, accompanies each work, illuminating its significance and placing it in its historical moment in the development of Modern art and the artist's own life. This volume provides a unique overview of someone who shaped the development of American art since mid-century and is an excellent resource for readers interested in the stories behind the masterpieces of the Modern canon.

书名: 《瞬间的永恒:抽象表现主义的光影与哲学》 作者: 艾莉森·里德 出版社: 维度艺术史学社 出版日期: 2024年秋 --- 图书简介: 《瞬间的永恒:抽象表现主义的光影与哲学》并非一本聚焦于单一艺术巨匠的传记或作品集,而是对20世纪中叶美国艺术界那场震撼人心的变革——抽象表现主义——进行一次宏大而深入的哲学、社会学及美学考察。本书旨在解构“行动绘画”与“色域绘画”这两大核心支流背后的精神驱动力,探讨它们如何从二战后的废墟中崛起,成为全球艺术权力转移的标志。 本书的叙事线索并非围绕某位特定艺术家的生平展开,而是以“空间、时间与主体性”这三大哲学支柱为框架,构建起对整个流派的立体理解。我们着重探讨的是环境与氛围如何催生艺术形态的诞生。 第一部分:废墟上的召唤——二战后欧洲精神流亡与美国艺术的觉醒 本部分将深入分析二战对欧洲现代主义的致命打击,以及随之而来的知识分子和艺术家群体向纽约的迁移。这不是简单的“艺术史地理转移”,而是一次精神资源的重新汇集。 核心议题: 1. “未完成的启蒙”: 探讨欧洲超现实主义、达达主义在纳粹高压下如何被肢解,其潜意识探索的火种如何被带到美国。 2. 形而上学的真空: 分析在原子弹阴影下,传统叙事和具象表达失效后,艺术家们寻求一种“纯粹表达”的内在需求。我们考察了存在主义哲学(特别是萨特的“自由与责任”)对早期纽约画派的影响,它促使艺术家将画布视为一个行动的场域,而非再现世界的窗口。 3. “美国性”的重塑: 探讨纽约艺术界如何拒绝欧洲既有的学院标准,转而拥抱一种更粗粝、更个人化的“原始能量”。这涉及对美国本土文化,例如原住民艺术、爵士乐即兴演奏的隐秘借鉴。 第二部分:行动的形而上学——画布即剧场 本书的中间部分,将焦点投向了艺术创作的过程本身,而非仅仅是最终成品。我们使用“剧场性”(Theatricality)和“过程本体论”(Process Ontology)的概念,来分析“行动绘画”群体如何将创作过程转化为一种仪式。 详细论述: 1. 线条的语境与节奏: 摒弃对线条的传统理解(轮廓、界限),我们将其视为时间流逝的记录。通过对不同艺术家的笔触力度、滴洒速度、材料混合方式的细致比对,分析其内在的心理节律。例如,探讨某些画家如何利用重力与惯性,使作品成为一个“事件的残余物”。 2. 无意识的建构: 深入剖析“自动书写”(Automatism)在美国语境下的变异。它不再是纯粹的弗洛伊德式释放,而是一种受控的偶然性。艺术家必须在极度专注的状态下,与材料进行一场高风险的博弈。我们引入了认知心理学的视角,探讨这种高度集中的创作状态如何模糊了主体与客体、内部与外部的界限。 3. 尺幅的政治学: 为什么是巨幅?本书将巨幅画布视为对传统欧洲画框的反抗宣言。巨大的尺度迫使观众不再是旁观者,而是进入作品所创造的环境。这种“包围感”如何改变了视觉体验的权力结构,迫使观众直面艺术家的“在场”? 第三部分:光与气的沉思——色域的内在空间 与行动绘画的动态性形成鲜明对比,本书的第三部分深入研究了“色域绘画”群体所追求的绝对沉静与无限延展。 概念解析: 1. 颜料的消融与界限的瓦解: 聚焦于如何通过稀释、浸染等技术,使颜料脱离其作为“物质”的属性,转而成为光的载体。探讨艺术家如何试图“消除”笔触痕迹,从而创造出一种仿佛从画布深处自然涌现的色彩场域。 2. 平面的深度幻觉: 分析“色域”如何利用边缘效应和色彩的对比,在二维平面上构建出一种非欧几里得的视觉空间。这不是透视法创造的深度,而是色彩振动所引发的深度错觉。我们审视了艺术家对“神圣的、崇高的”体验的追求,以及色彩如何被用作一种媒介,以沟通超越日常经验的领域。 3. 沉默的对话: 考察色域艺术对东方禅宗美学中“空”(Shunyata)概念的无意识呼应。其作品的极简性并非空无一物,而是充盈着未被言说的张力,要求观者以一种冥想性的姿态进入,完成意义的最后一步。 结语:遗产的重估与未来的回响 本书最后一部分将抽象表现主义置于更广阔的艺术史叙事中,探讨其对后世波普艺术、极简主义以及概念艺术的潜在线性影响。它不仅是美国艺术的里程碑,更是一次关于“艺术的本质是什么”的深刻追问。 《瞬间的永恒》致力于还原抽象表现主义作为一个复杂思想体系的本来面目:它是一场关于自由、焦虑、物质与精神边界的集体实验,其影响至今仍在回响。这不是一本提供简单答案的书,而是一把引导读者深入理解那个动荡时代艺术灵魂的钥匙。 --- 目标读者: 艺术史研究者、当代哲学爱好者、对20世纪中叶文化变革感兴趣的读者。 开本: 16开,精装,附有珍贵工作手稿细节图版。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本关于二十世纪现代艺术巨匠的传记,从翻开扉页的那一刻起,就彻底抓住了我的心神。作者没有采用那种平铺直叙的编年史写法,反而像是一位经验丰富的策展人,精心挑选了画家生命中那些至关重要的“瞬间”进行深度剖析。我尤其欣赏他对于波洛克早期在格林威治村的挣扎与探索的细腻描摹,那种在传统画布的束缚下,艺术家内心汹涌澎湃却无处宣泄的焦灼感,几乎能透过纸张传递出来。书中对早年影响波洛克艺术形成的墨西哥壁画运动、荣格心理学以及美国本土文化元素之间的复杂交织进行了深入探讨,展现了他并非凭空出现的天才,而是站在时代肩膀上与历史对话的产物。文字的张力十足,尤其在描述他如何从具象的影子中挣脱,转向那个标志性的“行动绘画”时,那种仿佛身临其境的紧张感令人屏息。它不仅仅是讲述一个人的生平,更像是一部关于“如何成为一个现代主义者”的隐秘教科书,充满了对艺术史进程的深刻洞察。

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对于非专业人士而言,艺术家的生平常常被镀上一层不切实际的光芒,但这本书的笔触是如此的扎实和接地气,以至于波洛克仿佛从一个神坛上的形象,重新变回了一个在长岛乡村小屋里与自我搏斗的普通人。书中关于他与土地、与美国西部神话的隐秘联系的论述,构成了理解他作品中那股原始力量的另一条重要线索。它揭示了,那些看似随意的线条背后,其实蕴含着对根源的渴求,对某种“真实性”的执着追寻。我尤其欣赏作者对细节的掌控力,比如他如何处理艺术家晚年对于名声的厌倦和对回归简单生活的向往。这种对复杂人性的深刻洞察,使得整本书的叙事弧光非常完整和动人。它不仅记录了一个艺术家的生平轨迹,更像是一次对二十世纪美国精神面貌的深度扫描,读完后让人感到充实而又若有所思,意犹未尽。

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老实说,我原本担心这类艺术传记会陷入枯燥的学术讨论,但这本书完全颠覆了我的预期。它的行文风格极其流畅,充满了文学性,像极了一部高质量的侦探小说,只不过我们寻找的“真相”,隐藏在层层叠叠的油彩和被撕裂的画布后面。书中大量引用了当时的信件、评论家的尖锐言辞以及他妻子利奥诺拉的日记片段,这些一手资料的穿插使用,极大地增强了故事的可信度和现场感。我特别留意到,作者对战后美国艺术界的权力斗争,以及抽象表现主义如何从纽约边缘走向世界中心的叙述,描绘得淋漓尽致。它清晰地展示了,一个艺术家的成功,从来都不是孤立的艺术行为,而是与媒体、画廊老板、收藏家乃至政治气候相互作用的结果。这本书让我明白了,理解杰克逊·波洛克,必须同时理解他所处的那个躁动不安、充满信念和犬儒主义的年代。

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读完这本关于杰克逊的文字,我的脑海里立刻浮现出那种在画室里,颜料飞溅、空气中弥漫着松节油气味的混乱而又神圣的场景。这本书最吸引我的地方,在于它没有回避艺术家的阴暗面,反而将他的酗酒、婚姻中的挣扎以及精神上的巨大痛苦,毫不留情地呈现在读者面前。叙事视角是如此的贴近,以至于我感觉自己不是在阅读一个遥远的偶像,而是在与一个活生生、充满缺陷和矛盾的灵魂进行一次漫长而私密的交谈。作者似乎有一种魔力,能够将那些抽象的艺术理论,转化为极具画面感的描述。例如,书中对“滴洒”过程中,波洛克身体运动的物理学分析,简直就像一篇精准的运动学报告,但同时又充满了诗意的激情。这种将肉体、精神与画布三者融为一体的叙述手法,让我对“艺术创作即生活本身”有了全新的理解。这本书与其说是在回顾历史,不如说是在重现一场永不落幕的、关于自我毁灭与创造的戏剧。

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我最近对如何“观看”现代艺术一直感到困惑,这本书提供了一个绝佳的透视镜。它没有给我一个标准答案去评判波洛克的画是“好是坏”,而是引导我去体验他创作时的心境。书中对“眼前的行动”那一刻的描述,简直是神来之笔。作者似乎能穿越时空,捕捉到颜料滴落到画布上的那个决定性瞬间——那是他身体的延伸,是他无意识的投射。我发现,当我再次去看那些他后期的“drip paintings”时,我的视角彻底改变了。我不再试图在其中寻找具象的意义,而是专注于线条的节奏、颜料的密度和画布上留白的呼吸感。这种对观看体验的重塑,远超出了阅读一本普通传记的范畴。它像一把钥匙,打开了我通往非传统美学感知的大门,让人对“艺术的本质是什么”这个问题产生更深层次的哲学思考。

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主要是MoMA的7副作品的解读,很有意思,竟然还会扯到被Picasso影响。

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