Wim Delvoye pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Luc Derycke

作者:Wim Delvoye

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-02

价格:USD 19.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9789069170015

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 雕塑
• 当代艺术
• 文化
• 比利时
• 宗教
• 哥特式
• 建筑
• 装饰艺术
• 社会评论

艺术的边界：当代雕塑的探索与张力 作者： [此处可填入一个虚构的艺术评论家或策展人的名字，例如：艾莉森·里德] 出版社： [此处可填入一个虚构的专业艺术出版社名称，例如：先锋艺术研究出版社] 出版日期： [此处可填入一个近期的年份，例如：2023年秋] 页数： 480页 装帧： 精装，附高清彩图及黑白文献照片 --- 内容简介： 本书深入剖析了二十世纪末至二十一世纪初当代雕塑领域所经历的深刻变革与复杂转向。它并非聚焦于某一位特定的艺术家，而是以一种宏观的、跨学科的视角，审视了雕塑媒介如何挣脱传统物质束缚，成为探讨社会结构、身份政治、技术异化以及后人类境况的关键载体。 本书的核心论点在于，当代雕塑已然超越了“造型艺术”的范畴，演变为一种关于“在场性”（Presence）与“缺席性”（Absence）的哲学对话。通过对一系列关键艺术运动和代表性作品的细致梳理，作者试图揭示艺术家们如何利用空间、时间、互动性以及新材料，挑战观众对“雕塑”一词的既有认知。 全书结构严谨，分为四个主要部分： 第一部：从纪念碑到非纪念碑：空间的重构（约120页） 本部分探讨了后现代主义对传统公共艺术和纪念碑文化的颠覆。重点分析了“基座”的消解以及作品如何从固定的展示空间解放出来，进入日常生活、社会事件或数字环境。 “物质的疲惫”： 考察了在极简主义之后，艺术家如何放弃传统的大理石或青铜，转而使用易逝品、工业废料、甚至纯粹的数据流作为创作基础。讨论了“反形式”（Anti-form）美学对雕塑物质性的质疑。 场域的转向： 深入研究了场地特定性艺术（Site-Specific Art）在九十年代的发展。作品不再是独立的对象，而是与特定地理、历史或社会语境发生强烈的、不可分离的关联。例如，分析了那些利用废弃工厂、城市边缘地带或自然景观作为“现成工作室”的创作实践。 临时性与干预： 探讨了装置艺术（Installation Art）对雕塑边界的冲击。关注那些具有强烈时间维度、需要观众移动和参与才能完成意义构建的作品。重点分析了艺术家如何通过短暂的、近乎表演性的介入，对既有空间秩序提出挑战。 第二部：身份的褶皱：身体、技术与拟像（约130页） 本部分聚焦于身份政治如何重塑了雕塑对“主体”的再现。随着全球化和生物技术的飞速发展，身体不再被视为一个统一的实体，而是被碎片化、复制和重新编码的对象。 身体的拓扑学： 剖析了人体模型、仿生学装置以及医疗影像技术在雕塑中的应用。讨论了艺术家如何通过扭曲、克隆或数字化的人形，来表达性别流动性、种族身份的复杂性以及医疗干预对自我认同的影响。 工业的幽灵与消费的残余： 详细考察了“现成品”（Readymade）理论在消费社会中的变异。分析了艺术家如何利用大众市场产品、废弃电子元件或工业模具，构建出反映资本主义循环和技术过剩的全新“拟像雕塑”。这些作品质疑了原创性与批量生产之间的界限。 触觉的回归与拒绝： 这一节讨论了在高度数字化的时代，雕塑如何试图重新唤起观众的触觉记忆。有些艺术家通过超写实的手法制造出令人不安的触感，而另一些则通过光滑、反光或完全不可触碰的表面，强调了主体与客体之间的永恒隔离。 第三部：动态的静止：时间性与动态雕塑的复兴（约110页） 本部分专门研究了机械、电子和软件技术如何被整合进雕塑的创作流程，使静态的雕塑获得了新的时间维度和内在生命力。 机械的诗学： 追溯了动态雕塑（Kinetic Art）在当代语境下的演变。不再满足于简单的运动，现代动态雕塑常常嵌入复杂的算法或反馈回路，使其运动模式呈现出不可预测性或对环境数据的敏感响应。分析了这些机械系统如何隐喻现代社会的复杂运作和系统性故障。 声音作为物质： 探讨了声音景观（Soundscape）和振动如何被视为一种雕塑性的元素。作品不再仅限于视觉可见，它们通过低频的震动或特定的声波频率，在空间中“雕刻”出无形的压力场，要求观众用身体去感受而非仅仅观看。 软件与无形： 关注了基于编程和生成艺术（Generative Art）的虚拟雕塑实践。讨论了当作品的物理形态（如果存在）仅仅是代码运行的结果时，我们如何定义其“雕塑性”和“在场性”。 第四部：艺术的生态学：材料、责任与未来（约120页） 最后一部分将焦点投向了气候变化、可持续性以及艺术机构的伦理责任。当代雕塑家如何应对材料的来源、生命周期以及作品在博物馆之外的命运。 生物材料的伦理： 探讨了使用有机物、菌丝体、活体植物或可降解聚合物进行创作的趋势。这些作品的短暂性成为了对消费主义和永恒保存需求的直接批判。 去殖民化的物质观： 分析了艺术家如何重新审视那些来自历史敏感地带的材料，或使用象征着被压迫群体的传统工艺，将其转化为挑战西方艺术史叙事的雕塑语言。 观众的能动性与共创： 本章总结了当代雕塑对传统“作者中心”模式的解构。许多重要的当代雕塑作品只有在观众积极参与、互动甚至“破坏”之后才能实现其全部意义。这标志着雕塑从一个完成的客体，转变为一个持续发生的事件。 本书通过严谨的学术论证和丰富的图像资料，为读者提供了一幅关于当代雕塑领域前沿探索的全面地图。它旨在激发读者重新思考“雕塑”这一古老媒介在当今信息爆炸、物质过剩时代的全部潜能与内在矛盾。 --- 目标读者： 艺术史研究生、当代艺术策展人、雕塑专业学生，以及对后现代艺术哲学和物质文化感兴趣的广大艺术爱好者。 推荐理由： 本书以其跨越学科的广度，对当前雕塑领域中最具挑战性、最具争议性的议题进行了深入挖掘，是理解当前艺术图景不可或缺的理论工具。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，就像是跟着一位经验丰富的向导，穿梭在一个光怪陆离、充满陷阱和诱惑的迷宫之中。它没有按照时间顺序线性展开，而是选择了主题式的章节划分，这使得读者可以跳跃式地深入到德尔沃最令人咋舌的几个标志性项目——比如那头被纹身的猪，或者那辆被雕刻成巴洛克风格的挖掘机——的核心。语言风格极为口语化，充满了第一人称的观察和直接的感官描述，读起来节奏明快，丝毫没有枯燥感。仿佛作者就坐在你身边，在你看到那些极具争议性的图像时，他会压低声音，带着一丝神秘的笑意向你耳语其中的典故和背景，让你既感到震惊，又忍不住拍案叫绝。这种叙事策略极大地拉近了艺术与读者的距离，让人感受到创作者并非高高在上的神祇，而是一个同样在现实泥潭中挣扎、试图用最荒谬的方式去戳破泡沫的“同行者”。尽管风格松散，但关键的艺术史节点和理论支点却把握得异常精准，平衡得恰到好处，让人在享受阅读乐趣的同时，也能获得扎实的知识输入。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感受是，它像一剂强效的、带有麻醉作用的兴奋剂，将阅读者的感官全面唤醒。它没有试图去“解释”德尔沃的艺术，而是选择了一种更具沉浸感和体验性的方式来呈现他的世界观。书中对于德尔沃在不同文化背景下——从威尼斯双年展的辉煌到东欧市场的商业运作——所引发的反应，进行了多角度的交叉报道和评论摘录。这些碎片化的文本和图像如同无数个闪烁的霓虹灯招牌，共同构建出一个超现实的、令人眼花缭乱的当代景观。我特别喜欢其中收录的一组未发表的草图和笔记扫描件，那些潦草的线条和快速的构思，比最终定稿的作品更具生命力，它们揭示了艺术家在将一个看似荒谬的想法转化为一个耗资巨大的、可供展览的实体过程中所经历的思维跳跃。这本书的魅力就在于，它既让你沉醉于艺术家制造的华丽的表象，又不断地在你耳边低语：这背后隐藏着怎样深刻的、关于权力和资本运作的真相。读完它，你会觉得整个世界的色彩都变得更加鲜明，也更加令人不安。

评分☆☆☆☆☆

这本关于Wim Delvoye的作品，从封面设计到装帧质感，都散发着一种精心雕琢的艺术气息，让人在尚未翻开内页之前，就已经感受到艺术家本人那种游走于精致与粗粝之间的独特美学倾向。我一直很关注当代艺术界那些能够持续引发争议和思考的名字，而德尔沃无疑是其中一个绕不开的标志性人物。我原本是抱着一种审视和探究的态度来阅读这本书的，想看看文字和图像是如何共同构建起他对资本主义符号、宗教图腾以及身份政治的解构与重塑。这本书的排版非常大胆，大量的留白与突然涌现的、极具冲击力的作品照片形成了强烈的对比，这种视觉语言的运用，与其说是在介绍作品，不如说是在模仿他作品本身所带来的那种抽离感和反讽性。尤其是那些关于他早期在比利时生活和学习经历的侧写部分，文字的笔触细腻而克制，却又精准地捕捉到了那种特定时代背景下，艺术家如何与既有的文化结构进行博弈和对话的过程。读完这部分，我仿佛能窥见他那张标志性的、带着一丝玩世不恭的笑容背后，深藏的对艺术权力结构毫不妥协的审视目光。这本书成功地将艺术家的个人叙事和其宏大的创作主题编织在一起，读起来毫不费力，却又充满了令人回味无穷的张力。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的装帧和纸张选择，完全颠覆了我对一本艺术画册的传统认知。它大量使用了未经漂白的原浆纸张，边缘粗糙，触感温润而带有年代感，这与书中呈现的那些光洁、甚至带有一种反乌托邦未来感的作品形成了强烈的物质性反差。内容上，它更倾向于从“技艺与工艺”的角度切入，细致地拆解了德尔沃如何将那些原本被视为“低端”或“手工艺”的技法——比如传统的珠宝镶嵌、复杂的木雕乃至屠宰场的内脏处理——应用到高雅艺术的创作中。书中对特定工匠团队的访谈片段尤其精彩，展现了艺术概念是如何通过非艺术体系内的精湛技艺得以实现的。这使得阅读过程从单纯的视觉欣赏，变成了一场关于“劳动价值”和“审美归属”的深刻思考。它引导我们去重新定义“手工”的价值链，质疑传统艺术生产体系中对“原创性”和“材质”的僵化标准，展现了一种对当代艺术流水线生产模式的强力反动。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，扑面而来的是一种近乎百科全书式的详实与严谨，那种欧洲艺术史研究特有的、对细节一丝不苟的态度贯穿始终。它没有过多地使用煽动性的语言去迎合大众对“坏小子”艺术家的想象，反而采用了一种近乎学术论文的冷静笔调，系统地梳理了德尔沃从九十年代初至今的创作脉络。特别让我印象深刻的是其中关于他如何将奢华品牌Logo与传统宗教圣像并置的系列作品的深度分析，作者并未停留在表面的“挪用”或“戏仿”上，而是深入挖掘了这种并置背后所反映的全球化语境下，消费主义如何成功地僭越了神圣性，成为新的精神支柱这一复杂议题。书籍对不同时期展览的文献资料收集得非常完整，从当时的评论摘录到空间环境的描述，都搭建起了一个非常立体的语境。这对于想要深入理解德尔沃创作意图的读者来说，无疑是一份珍贵的参考资料。与其说这是一本艺术家的传记，不如说是一部深入剖析当代西方社会文化矛盾的社会学报告，文字的密度很高，需要反复咀嚼，才能真正体会到其中蕴含的批判力量。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆