Song shu hua fa (General survey of fine arts skill) (Mandarin Chinese Edition) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Xin hua shu dian jing xiao

作者:Feng Zhu

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1991

价格:14.80元

装帧:Unknown Binding

isbn号码:9787541005718

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 绘画技巧
• 中国艺术
• 艺术教育
• 书法
• 艺术理论
• 艺术欣赏
• 绘画
• 文化
• 艺术

中国古代艺术通论：一部跨越千年的审美之旅 本书旨在为读者提供一部全面、深入且富有洞察力的中国古代艺术发展历程的综合性论述。它并非专注于某一门类，而是以宏大的视野，系统梳理了自史前时期直至清代中叶，中国艺术思想、审美范式以及主要艺术门类（包括绘画、书法、雕塑、工艺美术及建筑）的演变脉络与内在关联。 本书的结构设计兼顾了历史的连续性与专题的深度剖析。开篇追溯了中国艺术的源头——新石器时代的彩陶、玉器所蕴含的原始信仰与早期图腾崇拜，为理解后续艺术符号的生成奠定了文化基石。随后，重点探讨了夏商周三代的礼器艺术，尤其是青铜器上纹饰所体现的“威仪”与“秩序”的观念，分析了“天命观”和宗法制度如何深刻地塑造了早期的艺术风格。 进入秦汉时期，本书深入阐述了帝国统一带来的艺术范式的转变。汉代的画像石、画像砖中，世俗生活叙事与神仙思想的交织，反映了社会对“功业”和“不朽”的追求。同时，对早期书法（隶书向楷书的过渡）的结构分析，也揭示了实用性向审美性转化的关键节点。 魏晋南北朝，是本书着墨甚多的一个关键转折期。佛教艺术的东传及其与本土玄学思潮的融合，催生了石窟造像的辉煌。本书详细分析了云冈、龙门石窟的造像风格演变，探讨了“褒衣博带”的审美趣味如何反映士人群体对个性解放的渴望。在绘画领域，对顾恺之“传神写照”理论的剖析，确立了中国文人画的初步精神内核。 隋唐五代，标志着中国古典艺术的成熟与鼎盛。本书将唐代艺术置于开放、多元的国际文化背景下考察。长安的繁荣催生了气象万千的盛唐气象，无论是敦煌壁画的雄浑饱满，还是唐三彩的绚烂多姿，都体现了一种自信、博大的气度。书法方面，颜真卿、柳公权所代表的法度森严、气势磅礴的书风，与盛世的政治理想紧密相连。此外，本书还特别开辟章节，探讨了唐代“器物之美”，如陶瓷（唐三彩、越窑青瓷）的技术飞跃及其对后世工艺的影响。 宋代艺术，则被解读为一种“内敛的精致”与“理性的回归”。本书认为，宋代理学的发展对审美趣味产生了决定性影响。绘画方面，院体画追求的极致写实与“格物致知”的求知精神相呼应；而以米芾、苏轼为代表的文人艺术，则强调“逸笔草草，不求形似”，将个人情感的抒发置于技法之上。对宋徽宗创新的瘦金体书法的分析，展示了帝王审美如何能成为一股强大的艺术潮流。陶瓷艺术，尤其是汝、官、哥、定诸窑的审美，被视为宋人对自然、对“天人合一”哲学思考的物质体现。 元代艺术，则集中于民族融合与文人精神的坚守。本书强调元代书法（“元四家”）和绘画（“元四家”）的崛起，是汉族士大夫在政治失意后，对精神家园的艺术性重建。他们以复古为旗帜，实则开创了更富个性化和抽象性的表达方式，为明清的艺术发展定下了基调。 明清两代艺术的论述，则着眼于风格的多元化与传统的再创造。明代中早期，程式化倾向与地方风格的兴起并存。晚明，市民阶层对版画、小说插图等新兴媒介的需求，极大地推动了世俗艺术的发展。清代，一方面是“四王”对董其昌以来文人画传统的集大成与某种程度上的僵化，另一方面，以扬州八怪为代表的个性化创作，又在传统框架内进行着大胆的突破。本书还探讨了清代宫廷艺术（如珐琅彩、官窑瓷器）的精细化工艺，以及中西文化在此时期（如郎世宁的画风）的早期碰撞与融合。 贯穿全书的另一重要线索，是对“笔墨论”和“意境”在中国艺术理论体系中的核心地位的深度挖掘。本书系统梳理了历代重要的艺术理论家（如谢赫、宗炳、沈约、郭若虚等）的论述，分析了“气韵生动”、“骨法用笔”、“可行于画，可以于书”等核心概念的流变与实践。 本书最终希望达到的目标是：让读者不仅了解不同时期艺术品的“是什么”，更能理解它们“为什么会这样”——即艺术形式如何作为特定历史时期社会结构、哲学思想、宗教信仰和生活方式的必然反映与审美总结。全书力求语言严谨，论证充分，以期为所有对中国艺术史抱有浓厚兴趣的探索者提供一个坚实可靠的学术参考和审美入口。

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我必须承认，这本书成功地颠覆了我对“技法书”的传统认知。它将“画法”的概念推向了一个形而上的高度，讨论的与其说是“如何画”，不如说是“为何要以这种方式去观看和表达”。其中对不同时期审美取向变化的社会学解读，是全书最大的亮点。作者将笔触放在了知识分子的自我期许与艺术媒介的张力之上，分析得鞭辟入里。然而，作为一本带着“技术”字眼的书籍，它在提供具体技术指导方面的缺失是显而易见的。例如，在谈到某些经典画作的墨法时，它仅仅使用“淋漓酣畅”这样的形容词来概括，却未能尝试还原那种墨水在纸上洇开时的微妙物理过程。这让我感到，作者似乎对“手艺”本身持有一种审慎的疏离态度，仿佛认为深入探讨工具和流程会玷污了艺术的纯粹性。这种价值取向导致阅读过程中的体验非常两极化：一方面是思想上的极大启发，另一方面则是技术层面的极度饥渴。总体来说，它更像是一部精致的艺术哲学随笔，被冠以了更具操作性的书名。

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阅读这本《Song shu hua fa》的过程，简直像是在迷宫中穿行，每走一步都充满了意外的发现和偶尔的迷失。我本来是冲着书名中“hua fa”（画法）这两个字来的，希望能从中汲取一些具体的绘画技巧，比如用墨的浓淡变化，或者皴法的不同类型及其适用场景。然而，这本书的叙事脉络极其跳跃，它仿佛在不同的历史节点上设置了若干个信息点，然后用一种近乎诗意的散文笔法将它们串联起来。其中关于文人画兴起的社会动因分析，着实令人拍案叫绝，作者没有回避当时士大夫阶层对艺术表达的复杂需求与政治压力的相互作用。但话又说回来，当我翻到介绍具体绘画工具的部分时，那种期待感就彻底落空了。它只是泛泛地提了一句“笔墨纸砚的配合”，却没有深入剖析不同宣纸的吸墨性对最终效果的影响，更遑论对不同毫毛笔在处理不同线条时的细微差别进行对比描述。这种内容的取舍，使得这本书的实用价值大打折扣，更像是一本面向哲学系学生的艺术读物。阅读时我常常需要停下来，在脑海中构建一个清晰的图像，以对抗作者过于抽象的文字表述。它要求读者具备相当高的背景知识，否则很容易在那些华丽的辞藻中迷失方向。

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如果用一个词来形容这本书给我的感受，那就是“意料之外的广博”。我预期它会是一部聚焦于某个特定历史阶段或某种特定画科的细致研究，毕竟书名限定了范围，但它呈现给我的却是一幅近乎全景式的中国艺术发展图景，只是其中的“画法”被解释得极为宽泛。作者似乎认为，真正的“画法”不仅仅是手上的功夫，更是心智的修炼和对天地万物的体悟。书中花了大量的篇幅去探讨书法与绘画之间的相互渗透关系，如何从篆隶楷行草的结构中提炼出绘画的骨架和气势，这部分内容写得非常精彩，充满了洞察力。然而，当我试图寻找关于宋代院体画的严谨写实风格是如何形成、其设色系统有何独特之处时，却发现这些具体的技术细节被轻描淡写地带过了。例如，关于青绿山水的晕染技法，书中仅仅将其归因于“对自然色彩的精准捕捉”，缺乏对颜料配比和层层叠加过程的深入剖析。这使得这本书更像是一部关于“艺术精神”的论集，而不是一本技艺指南。我甚至觉得，作者对早期文献的引用过度依赖，导致部分论点的论证显得有些循环论证的意味。

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这本书的书名虽然叫《Song shu hua fa》，听起来像是关于宋代绘画技巧的权威指南，但当我翻开它的时候，我的期待立刻被一种完全不同的体验所取代。这本书的封面设计简洁，透露着一种沉稳的历史感，然而内容却像是一场跨越时空的对话。它没有直接深入到笔触的精微之处，反而像是从宏观的文化背景入手，缓缓铺陈开来。作者似乎更热衷于探讨艺术在社会结构中的位置，而非仅仅是技法本身的演变。我发现自己花了大量时间去理解那些关于“气韵生动”的哲学思辨，而非如何调和色彩。这种处理方式，对于那些期望立即上手学习如何描绘山水或花鸟的读者来说，或许会感到一丝疏离。它更像是一本艺术史的导论，只是将焦点微妙地调整到了技艺的“精神内核”上。我尤其欣赏其中关于不同流派之间相互影响和借鉴的论述，它打破了传统上将各个时期、各个画派孤立看待的倾向，展现了一种流动的历史观。书中的引文丰富，但有些地方的注释略显单薄，使得一些关键概念的溯源不够清晰，这让我在试图深入探究其理论基础时略感吃力。总而言之，它提供的是一种宏大的、偏向理论思辨的艺术理解框架，而非一本实操手册。

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这本书的阅读体验，好比是跟随一位博学多识但思维跳脱的向导进行一次知识的漫游。他的见闻极其丰富，能将一个宋代的绘画概念，瞬间拉扯到魏晋的风骨，再转接到唐代的盛世气象，这种跨越时空的联想能力令人赞叹。尤其是在讨论“境界”与“格调”的形成时，作者的语言富有节奏感和强烈的感染力，让人仿佛置身于那个艺术思潮涌动的时代背景之中。但这种叙述方式的代价是，对于具体的操作层面，几乎是避而不谈。我尝试去寻找一些关于“界画”中透视原理的探讨，或者宋代宫廷画师如何进行精准测量的技巧描述，但这些内容如同海市蜃楼一般，触之即逝。书中的插图，虽然数量可观，但多为名作的局部展示，且多以黑白为主，对于理解色彩和笔法而言帮助有限。如果这本书的定位是面向初学者建立对中国艺术的整体认识，那么这种宏大叙事或许是恰当的；但对于那些渴望深入了解特定时期绘画技术细节的专业人士来说，它提供的深度显然是不够的，更像是一场引人入胜的文学性铺陈。

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