ベスト・オブ・ジャズ・ピアノ―これだけは聴いておきたい50人 (平凡社新書) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:平凡社

作者:小川 隆夫

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005-01

价格:JPY 9.24

装帧:新書

isbn号码:9784582852578

丛书系列:平凡社新書

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爵士钢琴的黄金时代：从布鲁斯根源到现代实验的群星闪耀 一部深入探索爵士钢琴发展史、风格流变与关键人物的权威著作 本书旨在为所有热爱爵士乐，特别是对钢琴演奏艺术抱有浓厚兴趣的读者，构建一座通往爵士钢琴黄金时代的桥梁。我们并非仅仅罗列五十位标志性人物的名字，而是致力于梳理爵士钢琴这门艺术在近百年间的演进脉络，解析不同流派的核心技术与哲学思想，并着重剖析那些奠定其风格基石，或开创全新可能性的伟大先驱与革新者。 爵士乐的生命力，很大程度上源于其乐器间的对话与个人表达的极致张力。而在这种对话中，钢琴，凭借其和声的广度和节奏的复杂性，扮演了无可替代的中心角色。它既是伴奏的基石，提供和弦织体与律动支撑；又是独奏的舞台，展现即兴思维的飞速运转与情感的淋漓宣泄。 本书将爵士钢琴的演变划分为几个关键的历史阶段，并围绕这些阶段的核心人物展开深入论述： 第一部分：摇摆（Swing）的诞生与统治（1920s – 1940s） 爵士钢琴的早期发展，紧密依附于大乐队的崛起。这一时期，钢琴手不再满足于简单的和弦填充。他们需要创造出具有驱动力的节奏律动，并发展出复杂的和弦编排来支撑独奏乐器。 我们将重点探讨“行走贝斯线”（Stride Bass）风格的集大成者。这种风格要求左手模仿低音提琴的行走线条，同时右手进行复杂的对位旋律和和弦分解。詹姆斯·P·约翰逊 (James P. Johnson) 和菲茨·亨特·拉蒂默·“菲茨”·华盛顿 (Fats Waller) 是这一风格的奠基者。他们的演奏充满了拉格泰姆（Ragtime）的精确性与新兴布鲁斯的野性。 紧随其后的是将摇摆乐的流畅性推向极致的巨匠。例如，阿特·塔图姆 (Art Tatum)，他的演奏几乎达到了钢琴技巧的物理极限。塔图姆的音符密度、快速的琶音跑动、以及对和声的超前理解，使得他的独奏听起来像是数位钢琴家同时演奏的结果。他的出现，极大地提升了人们对钢琴“技术可行性”的认知。 第二部分：比波普（Bebop）的革命与钢琴的独立（1940s – 1950s） 二战后，爵士乐进入了对复杂性和速度的狂热追求。比波普要求乐手脱离大乐队的束缚，以小团体的形式进行更精妙、更具智力挑战的即兴创作。钢琴手的角色发生了根本性的转变：从节奏的稳定器转变为和声的导航员。 巴德·鲍威尔 (Bud Powell) 是这场革命的核心。他将比波普的复杂和弦进行和快速的旋律线条成功地移植到了钢琴上。他确立了现代爵士钢琴独奏的基本范式——右手演奏主题与快速的单音即兴，而左手则以简洁、有力的“击打式”和弦（comping）提供支持。他的演奏充满了紧张感和精确性，为后世所有现代爵士钢琴家树立了难以逾越的标杆。 这一时期，对传统和声进行解构与重建的工作也同步进行着。我们还将审视那些开始探索更广阔和声色彩的先驱，他们正为下一波浪潮——酷派爵士（Cool Jazz）和硬波普（Hard Bop）——的到来做着准备。 第三部分：调式爵士（Modal Jazz）与欧洲的影响（1950s 末 – 1960s） 随着对传统和弦导向即兴的审美疲劳，一些音乐家开始寻求基于音阶（Mode）而非复杂和弦变化的创作方式。这极大地解放了即兴的旋律自由度。 在这一转变中，比尔·埃文斯 (Bill Evans) 的贡献是革命性的。他带来了欧洲古典音乐的细腻感、对内声部运动的极致关注，以及开创性的“相互作用式伴奏”（Interplay Comping）。埃文斯的左手和弦不再是简单的背景，而是与右手旋律线进行复杂的对话，形成了一种三维的、室乐般的质感。他的作品是和声的诗篇，对爵士钢琴的抒情表达产生了深远影响。 同时，硬波普的代表人物，如霍雷斯·西尔弗 (Horace Silver)，则将布鲁斯和福音音乐的元素重新熔铸入现代结构中，他的演奏充满了强烈的节奏驱动力和清晰、易于记忆的旋律动机，使爵士乐保持了其根源的泥土气息。 第四部分：自由爵士（Free Jazz）与融合的探索（1960s 至今） 到了六十年代，爵士乐进入了激进的探索期。一些钢琴家开始质疑既有的结构、和声乃至乐器的物理局限性。 塞西尔·泰勒 (Cecil Taylor) 是这一领域最具争议和影响力的代表人物之一。他的演奏是纯粹的能量释放，结合了古典音乐的复调技巧与自由即兴的不可预测性。泰勒将钢琴视为一种打击乐器，其演奏风格极度密集、充满摩擦感，彻底打破了传统对“美感”的界定。 另一方面，随着融合爵士（Fusion）的兴起，电钢琴和合成器的出现为钢琴手提供了全新的音色武器。赫比·汉考克 (Herbie Hancock) 便是这一技术革新浪潮中的领军人物。他不仅在声学钢琴上保持着前沿的探索，更积极地将放克（Funk）、R&B 和电子音乐的元素融入爵士框架，证明了爵士钢琴可以与时代同步，不断吸收新的音乐语言。 结论：风格的传承与个体精神的永恒 本书的最终目的，并非提供一份简单的“必听歌单”，而是希望读者在了解了这些大师的技法背景、和声哲学和时代语境后，能够更好地去欣赏和理解：爵士钢琴的魅力，正在于它如何在严格的音乐结构（如和弦进行或调式）内，实现个体精神最自由的表达。从拉格泰姆的诙谐到比波普的尖锐，再到自由爵士的混沌与重构，每一位被提及的音乐家，都是在这个广阔领域中，留下了自己不可磨灭的印记的探险家。理解他们的贡献，即是理解爵士钢琴艺术的完整图景。

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不得不提的是，这本书在排版和视觉呈现上所下的功夫，对于一本音乐普及读物来说，是相当出彩的。它避免了传统乐谱书的枯燥和过于学术化的设计。虽然核心内容是文字介绍，但偶尔穿插的、精心挑选的乐手肖像照或者特定专辑封面的复刻，都极大地增强了阅读的代入感和历史厚重感。而且，书中的信息组织方式非常利于快速检索和碎片化阅读。比如，如果你只想快速了解某个特定时期（比如冷爵士的兴起）有哪些关键人物在钢琴领域做出了贡献，你可以在几分钟内找到相关的脉络，而不需要翻阅大量不相干的内容。这体现了编辑团队对目标读者需求的深刻理解：现代人时间宝贵，他们需要的是高效且高质量的知识获取路径。对于我这种通勤路上阅读的人来说，这种清晰的分段和适中的篇幅控制，简直是福音。它让爵士钢琴史不再是沉重的“史书”，而更像是一本可以随时翻开的、充满启发性的“灵感手册”。

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我个人认为，这本书最成功的地方在于它对“即兴”这一爵士乐核心概念的阐释。它没有将即兴描绘成一种神秘的天赋，而是将其解构成了一套有迹可循的语言体系，当然，这个体系的最终目的是超越它本身。书中对于霍拉斯·席尔弗（Horace Silver）那种“福音唱诗班”式的节奏驱动力分析得尤为到位，指出他的音乐如何将布鲁斯根源与精妙的波普技巧完美地融合在一起，创造出一种既根植大地又向天空延伸的独特律动。这种深入骨髓的分析，让我明白，一个伟大的爵士钢琴家，首先是一个出色的“对话者”——他如何回应鼓手和贝斯手的铺垫，如何在一个瞬间决定用一个琶音还是一个强有力的和弦切入。读完之后，我不再只是欣赏演奏者的技巧，而是开始关注他们之间微妙的互动和音乐的“呼吸”。这本书真正拓宽了我对“演奏”的理解边界，它让你意识到，好的爵士钢琴，是思想的快速凝结，是情感的即时爆发，而这本书，就是解读这些爆发的密码本。

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这本书给我的最大冲击，在于它成功地将“听觉体验”转化为“可理解的文本信息”，并且在转换过程中保持了极高的美学完整性。我一直困惑于如何向我的古典乐背景的朋友介绍爵士乐的魅力，因为他们习惯于清晰的结构和预设的情感走向。这本书提供了一种绝佳的“翻译工具”。它会细致地描述，当巴德·鲍威尔（Bud Powell）将他的独奏速度推向极限时，那种紧张感是如何通过左手的伴奏模式和右手的跑动轨迹相互作用产生的。它用精确的词汇描绘了色彩——比如“午夜的蓝色”、“被月光浸透的银色”——这些描述并非空泛的形容，而是与特定的和声进行（如九音、十一音的使用）紧密关联的。这使得原本抽象的音乐语言变得具体可感。它教会了我“倾听的耳朵”，如何分辨出仅仅是“弹奏”和真正富有创造力的“演奏”之间的天壤之别。读完后，我发现自己对音乐的敏感度都提升了一个层次，不再只是被动地接受旋律，而是主动地参与到音乐的结构解构之中。

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这套书简直是为我这种“爵士乐入门小白”量身定做的！我一直想深入了解爵士钢琴的世界，但面对浩如烟海的演奏家和唱片，往往感到无从下手。这本书的编排逻辑非常清晰，它没有陷入过分学院派的冗长理论，而是直接将听众带入了一个个精彩的音乐瞬间。比如，它对早期新奥尔良爵士的介绍，那种原始的、充满生命力的律动感，通过文字描述得淋漓尽致，仿佛我能闻到路易斯安那湿热的空气。再比如，它如何梳理出比尔·埃文斯那种“印象派”的和声色彩，那种轻盈、内省的思绪流动，不是简单地罗列和弦，而是探讨了背后的哲学意味。我尤其欣赏它对不同流派过渡期的关注，比如从摇摆乐到波普的演变中，钢琴家们如何打破既有限制，拓宽了音乐的表现力。这本书的厉害之处在于，它搭建了一个极佳的“聆听地图”，让我知道该从哪里开始，沿着哪条脉络前进，避免了盲目试听带来的疲惫感，真正起到了“精选集”的作用，让人在有限的时间内，抓住爵士钢琴发展的核心精髓。它不是炫耀知识的工具书，而是陪伴你成长的聆听指南。

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作为一个资深的爵士乐迷，我对市面上充斥的那些“必备专辑50选”之类的浅尝辄止的书籍常常嗤之以鼻，它们要么流于表面，要么就是反复炒冷饭。然而，当我翻开这本册子时，才发现它真正做到了“精”而不在“多”。它对那些真正定义了爵士钢琴发展里程碑的人物，其洞察力是惊人的。比如，书中对塞隆尼斯·蒙克（Thelonious Monk）的分析，没有仅仅停留在那些古怪、不协和的音符上，而是深入挖掘了他如何通过节奏的错位和对空间的利用，彻底重构了旋律的叙事方式。那段文字，读起来就像是在听蒙克本人在演奏，充满了力量感和内在的幽默。此外，它对一些被主流低估的演奏家的收录也体现了编辑的用心，这绝不是简单地堆砌名录，而是带着强烈的个人审美和历史责任感去筛选的。阅读过程中，我不断地停下来，去重温那些被文字重新点燃的音乐片段，感受那些经典乐章在新的视角下焕发出的光彩。这本书的文字功底扎实，叙述流畅，绝非那种生硬的资料汇编，更像是一场与五位大师的深度对话。

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