DuMonts Künstlerlexikon. Von der Antike bis zur Gegenwart. pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:DUMONT Literatur und Kunst Verlag

作者:Nikos Stangos

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997-04-01

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9783770140152

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 艺术家辞典
• 艺术参考
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 艺术理论
• 西方艺术
• 艺术传记
• DuMont

《欧洲艺术史：从古典到现代的风格演变与大师群像》 导言：视觉艺术的宏伟叙事 本书旨在为读者呈现一部跨越数千年、贯穿整个欧洲大陆的视觉艺术发展史。我们拒绝将艺术史视为一系列孤立的风格更迭，而将其视为一个不断对话、相互继承和激烈反叛的宏大叙事。从古希腊城邦的理想化雕塑，到文艺复兴对人性的颂扬，再到印象派对光影瞬间的捕捉，艺术始终是时代精神、哲学思潮和社会变革最直观的镜子。本书将引导读者深入探究这些艺术运动背后的驱动力，解析每一位巨匠如何以其独特的语言塑造了我们的审美世界。 第一部分：根基的建立——古典时代的辉煌与中世纪的沉思 (约公元前 8 世纪 – 公元 14 世纪) 第一章：希腊的理性与罗马的实用 本章首先聚焦于古希腊艺术如何确立了西方美学的基本范式——对“黄金比例”的追求、对人体结构的科学理解以及对“理想美”的永恒探索。我们将详细分析波留克列特斯（Polykleitos）的《法则》（Canon）及其对雕塑中动态平衡（如“对立平衡”）的贡献。随后，视角转向罗马帝国，探讨其艺术如何从希腊的理想主义转向对现实的记录与歌颂。重点分析罗马建筑（如万神殿）中工程技术的壮举，以及凯旋门浮雕所体现的政治宣传力量。我们还将辨析东西方艺术的首次重大分野——拜占庭艺术的镶嵌画（Mosaics）如何以其扁平化、象征性的手法，预示了宗教对艺术主导地位的强化。 第二章：信仰的殿堂——罗马式与哥特式的精神向上 中世纪的艺术是完全服务于基督教神学的。本章将对比“罗马式”（Romanesque）艺术的厚重、内敛与防御性，以及“哥特式”（Gothic）艺术的向上延伸与光影哲学。罗马式修道院的壁画和雕塑，其叙事功能大于审美功能，旨在向文盲大众传达《圣经》故事。哥特式大教堂（如沙特尔、兰斯）则是人类工程学与神学思想的结晶。我们将深入剖析飞扶壁（Flying Buttresses）如何解放墙面，使空间得以被巨大的彩色玻璃窗所占据，从而创造出一种“天堂之光”的沉浸式体验。尖拱、肋拱和花窗格（Tracery）的结构美学，是中世纪工匠对超越性存在的物质表达。 第二部分：人性的觉醒与形式的革命 (约 14 世纪 – 17 世纪) 第三章：文艺复兴的曙光——透视法与人本主义的回归 文艺复兴不仅仅是一场艺术运动，更是一场知识的复兴。本章将探讨 14 世纪的佛罗伦萨如何成为这场变革的中心。重点分析布鲁内莱斯基（Brunelleschi）对线性透视法的科学发现及其对空间描绘的革命性意义。我们将细致解读马萨乔（Masaccio）的湿壁画如何首次在二维平面上创造出可测量的三维空间。接着，我们进入盛期文艺复兴（High Renaissance），剖析达·芬奇对科学观察与艺术融合的极致追求，拉斐尔对和谐构图的精妙掌握，以及米开朗基罗在西斯廷天顶画中对人类形体力量与精神困境的深刻描绘。文艺复兴艺术的“复兴”在于对古典的继承，但其核心在于将人置于宇宙的中心。 第四章：激情的爆发——巴洛克与光影的戏剧性 16 世纪末至 18 世纪初，艺术风格从文艺复兴的宁静转向巴洛克的动感、情感强度与戏剧性。本章将卡拉瓦乔（Caravaggio）的“明暗对比法”（Tenebrism）视为巴洛克视觉语言的开端，他利用极端的光影对比，将圣经场景拉入现实的、充满张力的瞬间。我们将详细分析贝尼尼（Bernini）的雕塑，如《圣特蕾莎的狂喜》，如何将雕塑、建筑和光线融合成一个整体舞台，以达到强烈的情感感染力。同时，巴洛克在不同地域展现出多样性：佛兰德斯的鲁本斯（Rubens）以其丰沛的色彩和运动感描绘神话和权力，而西班牙的委拉斯开兹（Velázquez）则以其对宫廷日常的冷静而深刻的洞察力，挑战着传统的肖像画定义。 第五章：优雅的终结——洛可可的精致与新古典主义的回归秩序 紧随巴洛克的宏大叙事之后，18 世纪的洛可可（Rococo）风格将艺术的焦点转向了宫廷的私人空间，强调轻盈、曲线、柔美和享乐主义。法国的华托（Watteau）和弗拉戈纳尔（Fragonard）的作品是这一阶段的代表，其色彩明亮、主题多为爱情游戏和田园牧歌。然而，启蒙运动和对古典理性秩序的重新推崇，很快催生了新古典主义（Neoclassicism）。以雅克-路易·大卫（Jacques-Louis David）为代表，新古典主义艺术家力求通过清晰的线条、冷峻的色调和对古罗马美德的描绘（如《贺拉斯兄弟之誓》），来服务于新兴的公民道德和政治理想。 第三部分：现代性的挣扎与解放 (约 18 世纪末 – 20 世纪初) 第六章：情感的火山——浪漫主义对想象力的释放 浪漫主义（Romanticism）是对新古典主义理性和工业革命冰冷秩序的反动。本章考察了浪漫主义者如何将艺术的重心从“理性观察”转向“主观体验”。德国的弗里德里希（Caspar David Friedrich）的作品展现了“崇高”（The Sublime）的概念——自然界压倒性的力量与人类渺小之间的敬畏感。德拉克洛瓦（Delacroix）则通过狂野的色彩和运动的笔触，赞美革命、激情与异域风情。西班牙的戈雅（Goya）的作品，特别是其晚期的“黑色绘画”，预示了现代艺术对人类非理性、恐怖与黑暗面的探索。 第七章：目光的革命——现实、印象与后印象的结构重塑 19 世纪中叶，摄影技术的出现解放了绘画对“记录现实”的义务。现实主义（Realism）的库尔贝（Courbet）坚持描绘未经美化的劳动者和日常场景，挑战了学院派的主流价值。随后，法国的印象派（Impressionism）艺术家，如莫奈（Monet）和德加（Degas），将兴趣转向光线、色彩和特定瞬间的感觉捕捉。他们放弃了传统画室，走向户外，探索人眼在不同时间点对色彩的感知。紧随其后，后印象派（Post-Impressionism）的三位巨匠——塞尚（Cézanne）、梵高（Van Gogh）和高更（Gauguin）——则开始主动结构化画面。塞尚寻求对自然形态的几何简化，梵高通过主观色彩表达内在情感，高更则转向象征意义和原始的纯粹性，为 20 世纪的现代艺术铺平了道路。 第八章：色彩与形式的解放——现代艺术的开端 本章将以 20 世纪初的艺术爆炸为收束。野兽派（Fauvism）以马蒂斯（Matisse）为代表，将色彩从其描述性功能中解放出来，使其成为独立的结构和情感表达的工具。立体主义（Cubism）的毕加索（Picasso）和布拉克（Braque）通过同时在二维平面上呈现物体从多个视角观察到的形象，彻底颠覆了文艺复兴以来建立的单点透视体系。最后，我们将审视表现主义（Expressionism）如何通过扭曲的线条和强烈的色彩来传达焦虑和心理状态，标志着艺术正式进入对内在世界的深刻挖掘阶段。 结语：艺术史的开放性 本书的叙述在 20 世纪初现代主义的高潮处暂告一段落，但这并非终点。我们所探究的每一场运动，都是对前一场运动的回应、继承或激进否定。理解这些历史脉络，不仅能帮助我们欣赏艺术品本身的美学成就，更能使我们洞察人类文明在不同历史阶段如何通过视觉语言来定义自身的存在、信仰与梦想。艺术史是一门永不完结的学科，其价值在于它为我们提供了一面永恒审视“何以为人”的镜子。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这种“大而全”的艺术词典持保留态度的，总觉得它们难免流于表面、缺乏深度。但这部《艺术家词典》完全颠覆了我的看法，它展现出一种令人敬佩的学术态度和对细节的执着。我特别欣赏它在处理那些跨越多个世纪的艺术家族或学派时的叙事手法，那种将个体贡献融入整体历史脉络的笔触，非常高明。我尤其关注了其中关于某个特定时期室内设计和装饰艺术家的部分，以往的许多资料都将这些领域视为“小道”，但这本书给予了他们应有的尊重和详细的剖析，让我认识到艺术的边界远比我们想象的要宽广。它的文字风格是非常典雅和考究的，读起来既有学术的权威感，又不至于枯燥乏味，仿佛是在听一位资深教授娓娓道来陈年旧事。我尤其喜欢它在描述艺术家生平时，那种对材料、技巧以及创作动机的精准捕捉，这让那些沉睡在博物馆角落里的作品仿佛瞬间获得了生命力。对于那些希望超越基本艺术史知识，深入探究特定艺术领域细微差别的读者来说，这本书无疑是一座取之不尽的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我抱着“试试看”的心态拿起了这套书，因为它看起来太庞大了，让人有点望而生畏。但一旦翻开，那种扎实可靠的感觉便油然而生。我个人对那些在历史上处于“边缘地带”的艺术家的命运和成就特别感兴趣，比如那些在政治动荡中坚持创作的流亡艺术家。这部词典在这方面的叙述尤其令人动容，它没有回避艺术史中那些黑暗和复杂的层面，而是以一种冷静而富有同情心的笔触，记录了这些创作者的挣扎与坚持。我特别欣赏其中对不同流派之间相互影响和竞争关系的分析，那种对艺术界微妙权力动态的捕捉，使得整个阅读过程充满了戏剧张力。这不仅仅是一本工具书，它更像是一部浓缩了数千年人类创造力波澜壮阔史的史诗。它的语言节奏掌握得很好，不会让人因为信息密度过高而感到疲惫，总能在关键时刻提供一个精妙的总结，让人恍然大悟，豁然开朗。

评分☆☆☆☆☆

这部厚重的百科全书简直是艺术史爱好者的圣经！我花了整整一个周末的时间沉浸其中，那种感觉就像是突然被施展了时间旅行的魔法，瞬间穿越到了古希腊的雕塑工坊，又或者身处文艺复兴时期佛罗伦萨的画室。我对书中对早期现代艺术家的论述印象尤为深刻，那些关于风格演变和地域性影响的分析，简直是教科书级别的严谨。它不仅仅是罗列名字和作品，而是深入挖掘了艺术家们所处的时代背景和社会思潮是如何形塑他们的创作理念的。例如，书中对某些在主流史学中常被忽略的次要画派的细致梳理，让我看到了艺术史的丰富性和多层次性。阅读过程中，我时不时地会停下来，拿起笔在旁边的笔记本上记录下那些启发性的观点，甚至忍不住去搜索那些被提及的、但我此前不甚了解的艺术作品的图像。这本书的编排逻辑清晰得令人赞叹，尽管内容庞杂，但索引和分类系统设计得极其人性化，极大地提高了检索效率。对于任何想要建立一个扎实、全面艺术知识体系的人来说，这套书绝对是不可或缺的基石，它提供的知识深度和广度，远超普通入门读物的范畴，更像是一份详尽的研究工具箱。

评分☆☆☆☆☆

我最近在准备一个关于特定地域艺术史的专题研究，急需一本能够提供跨学科视角的参考书，这本书的出现简直是雪中送炭。最让我感到惊喜的是，它不仅仅关注绘画和雕塑，对于摄影、版画乃至早期的媒体艺术形式也有相当详尽的介绍，这种包容性是现代学术出版物中相对少见的。阅读过程中，我发现它在对一些争议性艺术家的评价上处理得非常平衡，没有采取过于绝对化的立场，而是呈现了多方观点，这为我的研究提供了更广阔的思考空间。书中的许多条目都附带了非常专业的术语解释，这对于我这种非科班出身，但又想进行深入研究的“跨界”学习者来说，简直是太友好了。它就像是一位全天候待命的私人导师，随时准备为你扫清那些专业领域的知识盲区。我发现自己常常因为书中提及的一个小小的注解而跳转去查阅全新的资料，这本书的阅读体验是主动的、探索性的，而非被动的接受信息，这一点非常难得。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期关注当代艺术发展的人士，我一直好奇早期艺术如何为后来的激进变革奠定基础。这部词典在追溯艺术谱系时表现出了惊人的耐心和细致。我着重对比了它对巴洛克时期和新古典主义时期艺术家的描述，发现它对两者之间技术和理念的过渡阶段的处理极其精妙，丝毫没有含糊带过。我尤其赞赏它对那些不同国别艺术风格差异的区分，那种对地域文化如何内化为艺术语言的深刻洞察，让我对“欧洲艺术”这一宏大概念有了更具辨识度的理解。这本书的装帧和纸张质量也体现了其应有的价值，拿在手里沉甸甸的，有一种对待知识的庄重感。对我而言，它已经超越了单纯的参考工具的范畴，更像是一件值得珍藏的知识载体。它所提供的知识广度，为我理解当前艺术创作中的各种“引用”和“致敬”提供了坚实的背景支持，使得我对当代艺术的解读不再是空中楼阁，而是建立在坚实的历史基础之上的。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆