Issey Miyake body works pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Shogakkan

作者:Marcus Leatherdale

出品人:

页数:147 pages

译者:

出版时间:1983

价格:0

装帧:

isbn号码:9784096801710

丛书系列:

图书标签:

• 设计
• Issey Miyake
• Body Works
• 时尚设计
• 服装
• 褶皱工艺
• 艺术
• 设计师
• 日本设计
• 实验性
• 身体与服装
• 创新

好的，这是一份关于“Issey Miyake Body Works”之外的其他书籍的详细简介，总字数约为1500字。 --- 《流光魅影：二十世纪女性时尚的视觉叙事》 内容提要： 本书深入剖析了二十世纪以来，女性时尚如何从单纯的服饰功能性演变为一种复杂的社会、文化和艺术表达载体。全书以时间为轴，结合视觉档案、社会学分析和艺术史视角，探讨了香奈儿（Chanel）解放女性身体的实用主义美学，迪奥（Dior）“新风貌”（New Look）对战后审美规范的重塑，以及六十年代青年文化对传统着装的颠覆。它不仅关注设计师的创新与灵感，更着重考察了时尚如何与女权运动、消费主义浪潮以及媒体传播紧密交织，共同构建了现代女性的自我认同与社会角色。 第一部分：从束缚到解放：二十世纪初期的结构革命 本章聚焦于一战前后，时尚界发生的根本性变革。保罗·波烈（Paul Poiret）对紧身胸衣的“解放”尝试，以及加布里埃尔·香奈儿如何将男装元素融入女性衣橱，是讨论的核心。我们详细分析了香奈儿如何通过斜纹软呢套装、小黑裙和珍珠项链，定义了一种简洁、实用而又充满自信的现代女性形象。通过对当时时尚插画和早期电影中造型的细致比对，揭示了这些设计如何迎合了女性走出家庭、进入职场的社会需求。本部分特别引入了社会性别研究的理论框架，探讨了这些“解放”在多大程度上是真正的自主选择，又在多大程度上是被新的社会规范所塑造。 第二部分：战后重塑与宏大叙事：五十年代的回归与张力 二战结束后，时尚界出现了一股强烈的回归传统和奢华的浪潮。克里斯汀·迪奥（Christian Dior）在1947年推出的“新风貌”系列，以其收紧的腰线、丰盈的裙摆和对高级定制工艺的极致推崇，重新确立了巴黎作为世界时尚之都的地位。本章将“新风貌”置于战后经济复苏和传统家庭价值观念复兴的背景下进行考察。我们分析了这种极度女性化轮廓背后的文化张力：一方面是对奢华和稳定的渴望，另一方面是对战时物资匮乏的反叛。此外，书中还对比了美国设计师如克莱因（Claire McCardell）所倡导的，更注重舒适与功能性的“美国精神”休闲装，展现了东西方在战后时尚哲学上的差异。 第三部分：反叛与解构：六十年代的青年浪潮与街头主导 六十年代是时尚史上最具颠覆性的十年之一。伦敦成为新的风向标，迷你裙的出现不仅是长度上的缩短，更是对既有权威和父权审美的全面挑战。本章深入探讨了玛丽·匡特（Mary Quant）如何将街头文化和青年消费力转化为时尚语言。我们详细考察了从摩登派（Mod）到迷幻摇滚（Psychedelic）风格的演变，以及太空时代（Space Age）对未来主义面料和几何剪裁的运用。太空竞赛、披头士乐队的崛起以及迷幻药文化对色彩和图案的冲击，共同塑造了一种前所未有的、强调个人自由和反主流态度的着装方式。书中配有大量当时的杂志广告和青年集会照片，用以佐证视觉冲击力在这一时期的重要性。 第四部分：身份的模糊与极简的回归：七十年代的多重面孔 七十年代的时尚呈现出前所未有的多元化和碎片化。本章分析了三大主要趋势：嬉皮士的自然、波西米亚风情对回归自然的追求；迪斯科文化的闪耀、合成纤维和紧身剪裁所体现的享乐主义；以及在职业女性群体中兴起的“权力套装”（Power Suit）的初步形态。特别值得一提的是，本部分对日本设计师如三宅一生（Issey Miyake）和川久保玲（Rei Kawakubo）在巴黎舞台的早期影响进行了初步探讨，尽管他们的设计哲学尚未完全成熟，但其对传统剪裁的质疑已经为后续的解构主义埋下了伏笔。我们探讨了裤装在七十年代如何彻底成为女性日常衣橱的主流，标志着对传统性别着装规范的最终瓦解。 第五部分：消费主义的巅峰与设计师品牌化：八十年代的张扬与泡沫 八十年代是品牌标志和财富展示的时代。本章剖析了“权力着装”如何通过宽肩垫、醒目的配饰和昂贵的面料，成为企业女性在男性主导的商业世界中争取地位的工具。范思哲（Versace）的性感魅力、拉夫·劳伦（Ralph Lauren）的贵族式浪漫，以及卡尔·拉格斐（Karl Lagerfeld）对香奈儿经典的重新诠释，共同构筑了一个高度商业化和符号化的时尚景观。书中详细分析了电视肥皂剧（如《豪门恩怨》）对“过度着装”（More is More）美学的推广作用，以及全球化对快时尚萌芽的影响。 第六部分：解构、极简与数字时代的序曲：九十年代的冷静 九十年代，时尚界对八十年代的浮华做出了强烈的反应，转向了极简主义（Minimalism）和解构主义（Deconstruction）。马丁·马吉拉（Martin Margiela）和安特卫普六君子（Antwerp Six）的作品成为焦点，他们挑战了服装的完整性和成品概念，将缝线、衬里等隐藏的结构暴露出来，迫使观众重新思考“什么是时装”。同时，凯特·莫斯（Kate Moss）引领的“病态美”（Grunge）风格，则标志着街头文化对高级时装的又一次胜利。本章最后探讨了互联网的兴起如何开始改变时尚信息的传播速度和深度，为二十一世纪的即时时尚奠定了基础。 结语：流动的镜像 本书最终总结道，二十世纪的女性时尚史，是一部关于身份、权力、商业与艺术之间持续拉锯的视觉编年史。它揭示了时尚不仅仅是布料和剪裁的组合，更是时代精神最直接、最绚烂的投射。 本书特色： 收录超过300幅高清历史图像，涵盖设计草图、T台照片及当代广告。 引入了对特定社会群体（如工人阶级女性、少数族裔女性）在主流时尚语境中的缺失分析。 详细的术语表，解释了“剪裁”、“廓形”、“面料”等核心时尚概念的演变。 ---

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这本书的阅读体验，更像是一场沉浸式的展览，只不过媒介是文字和高分辨率的图像。它在探讨人体与服装界限模糊化的问题时，展现出极高的哲学思辨水准。我发现自己频繁地停下来，不仅仅是为了欣赏那些令人惊叹的结构图，更是为了消化其中关于“可穿戴雕塑”的概念。作者似乎在挑战我们对于“衣服是什么”的传统定义，它不再仅仅是遮蔽或装饰，而成为了对身体意象的主动构建工具。书中对一系列经典廓形的剖析，其严谨程度堪比艺术史上的经典作品分析，每一个接缝、每一道褶皱都被赋予了明确的叙事功能。我特别欣赏它对“动态美学”的捕捉，静态的图片很难完全展现这些作品在运动中的生命力，但作者通过精妙的文字引导，成功地在读者的脑海中重构了T台上的瞬间以及日常穿着时身体的自然起伏。这本书的好处在于，它既能满足专业人士对技术细节的探究欲，又能让普通读者通过引人入胜的叙述，领略到设计背后的深层思考，是一种跨越专业壁垒的成功尝试。

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与其说这是一本关于服装的书，不如说它是一本关于人体感知和结构张力的实验报告。我被书中那种近乎于解剖学上的精确度所震撼，它对待身体的每一个部位、每一块肌肉的运动轨迹，都抱持着一种近乎严苛的尊重。作者似乎在追问，当服装脱离了对传统女性或男性形象的依附后，它还能为身体提供什么样的支撑和表达？这种对既有范式的颠覆，是通过极其详尽的案例分析来实现的，每一个案例都像是一个独立的微型研究项目，配以细致入微的图示和数据（当然，这里的“数据”更多是指对形体比例的量化描述）。这种严谨的写作风格，使得整本书散发出一种理性的光辉，让人联想到科学著作，而非通常意义上的时尚评论。在阅读过程中，我强烈感受到了一种“减法”的美学力量，即通过去除冗余，只留下最纯粹的结构关系，从而放大身体本身的存在感。对于任何试图理解设计如何作用于真实三维空间中的人的来说，这本书提供了无可替代的、极具启发性的框架。

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这本关于时尚巨匠的作品，着实让人眼前一亮。我通常对时尚类的书籍抱持着一种审慎的态度，毕竟市面上充斥着太多流于表面的华丽辞藻和空洞的口号。然而，翻开这本书，立刻能感受到一种深入骨髓的、对“身体”与“结构”之间微妙关系的探讨。作者显然不是在简单地罗列设计师的作品年表，而是试图挖掘出隐藏在那些标志性服装背后的哲学思辨。比如，书中对材质的描述，那种近乎于雕塑家对待泥土般的细致入微，让人不禁想象那些面料是如何在模特的活动中获得生命的。我特别欣赏其中关于“流动性”这一概念的阐述，它超越了简单的剪裁，触及到了人与空间、时间互动的本质。整本书的排版和摄影选择也极具匠心，黑白照片的运用恰到好处地突出了服装的几何美感，使得即便是对时尚不太敏感的读者，也能从中感受到一种建筑般的逻辑和艺术张力。它不仅仅是一本介绍作品的图册，更像是一本关于人体工程学与美学边界探索的论文集，引导读者重新审视我们穿在身上的“第二层皮肤”究竟能承载多少意义。那种探索的深度，让人读完后，会情不自禁地在日常生活中去观察人们走路的姿态、衣物随着动作产生的褶皱，是一种非常触动人心的阅读体验。

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这本书在处理“身体作为容器”这一主题时，展现了一种令人耳目一新的视角。它成功地避开了对设计师个人魅力的过度渲染，转而将焦点完全集中在作品本身如何与穿着者的生理限制和心理预期进行博弈。书中有一部分内容专门探讨了那些看似反常理的结构设计，如何通过精密的计算和材料的创新，最终反而能带给穿着者一种前所未有的舒适感或力量感。这种“不适感”与“解放感”之间的辩证关系，是全书贯穿的核心线索。我尤其欣赏作者在描述特定系列时所采用的拟人化手法，将面料和结构比作有生命的实体，它们在与身体接触时发生的“对话”。文字的节奏感把握得极好，时而如同急促的鼓点，描绘结构转换的瞬间；时而又变得舒缓悠长，探讨服装对个体身份认同的长期影响。读完后，你不会觉得只是了解了一个设计师的履历，而是仿佛完成了一次深入的、关于身体与物质边界的哲学漫步，留下的思考远比书本本身要厚重得多。

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读完这本关于人体与服装关系的著作，我最大的感受是其叙事语气的克制与精准。它没有使用那种过度煽情的笔调来赞美某个设计的天才之处，而是采取了一种近乎科学观察者的视角，冷静地解剖每一个设计决策背后的动机。这种冷静反而更有力量，它避免了陷入粉丝文化的那种盲目崇拜，使得评论显得更加客观和深刻。比如，书中对早期实验性面料的研究部分，作者没有停留在“哇，好特别”的感叹上，而是深入探讨了当时的科技背景和社会思潮是如何促使这些面料的诞生，以及它们在当时引起的争议和接受度。这种对历史语境的把握，让这本书的厚度远超一本单纯的设计画册。我尤其喜欢它对“空间感”的解析，许多设计师试图在二维平面上实现三维效果，而本书则出色地描绘了当服装真正穿在人身上时，身体的曲线如何与服装的结构线发生冲突、融合与对话的过程。那种仿佛能透过文字触摸到布料纹理的描述技巧，足见作者深厚的文字功底和对设计语言的敏锐洞察力。对于想了解设计过程而非仅仅是成品外观的读者来说，这本书提供了宝贵的内部视角。

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