Alfred Schnittke - Concerto Grosso pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Sikorski

作者:Schnittke, Alfred

出品人:

页数:80

译者:

出版时间:1998-11-01

价格:USD 38.00

装帧:Paperback

isbn号码:9783702408442

丛书系列:

图书标签:

• 古典音乐
• 协奏曲
• Schnittke
• 现代音乐
• 20世纪音乐
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• 大协奏曲
• 音乐作品
• 古典

弦之交响：探索二十世纪中叶的音乐张力与革新 一本深入剖析二十世纪中叶至后半叶欧洲器乐创作，尤其是那些挑战传统、充满戏剧性与哲学思辨的音乐作品的权威性著作。 本书并非聚焦于某一位特定作曲家的作品集，而是对一个特定历史时期——二十世纪下半叶，音乐如何应对战争的创伤、意识形态的冲突，以及对传统美学观念的彻底颠覆——进行一次宏大而细致的考察。我们旨在描绘一张由技术革新、社会批判和个人精神追求交织而成的音乐地图。 第一部分：战后音乐的“新秩序”与“异端”声音 本部分将回顾第二次世界大战结束后，欧洲音乐界的急剧转向。在经历了两次世界大战的浩劫后，传统的调性语言和浪漫主义的抒情风格被视为“失效”的表达方式。我们首先深入分析了以达姆施塔特夏季课程为中心的序列主义（Serialism）的兴起与固化。探讨了魏本（Webern）的十二音体系如何被布列兹（Boulez）和施托克豪森（Stockhausen）推向极致，发展出对所有音乐要素——音高、时值、力度、音色——进行严格控制的“总体序列主义”。书中细致地解读了其理论基础，分析了这种试图建立“绝对理性”的音乐体系，如何在实践中与听众产生了巨大的隔阂。 然而，理性主义的盛宴并非没有反对者。我们随后将目光转向对纯粹结构控制的反叛。深入探讨了“偶然音乐”（Aleatoric Music）的哲学根基及其在欧洲的早期实践。探讨了约翰·凯奇（John Cage）的影响如何穿透大西洋，如何在欧洲作曲家手中被重新诠释——不再仅仅是禅宗式的接纳，而是成为对既定结构权威的有力挑战。书中将对比分析欧洲早期偶然音乐的几种模式：从固定框架内的选择，到完全依赖环境音响的开放式结构。 第二部分：多维度的声音景观：拼贴、戏剧性与复调的回归 进入二十世纪六十年代，音乐创作的边界进一步拓宽。本章致力于剖析那些拒绝归属于任何单一“主义”的杰出作品。 1. 音色与纹理的革命： 我们将详细研究光谱音乐（Spectral Music）的萌芽与发展。不同于序列主义对抽象音高的关注，光谱音乐家们——尤其是法国学派的先驱们——开始将注意力转向声音本身的物理属性：泛音列、频谱分析以及电子合成技术对传统乐器音色的拓展。书中将通过对特定声学实验的案例分析，揭示这些作曲家如何将声音的“色彩”提升到与旋律同等重要的地位，创造出静态而又内部活跃的声场。 2. 戏剧化的叙事与心理深度： 尽管抽象实验盛行，但对人类内心冲突和历史悲剧的表达从未停止。本部分专门开辟章节探讨了“新主观主义”的回归。讨论了那些继承了肖斯塔科维奇和巴托克精神，但使用着全新技术词汇的作曲家。他们的作品往往充满了尖锐的对立、突然的风格转换（或称“拼贴”），以及对“非同一性”的深刻探索。这些作品拒绝提供统一、和谐的听觉体验，而是通过强烈的对峙和内在的矛盾来反映现代生活的破碎感。特别关注那些在配器上极具想象力，擅长使用对比鲜明的乐器组合（如古典室内乐编制与电子音效的并置）来构建叙事张力的作品。 3. “新新古典主义”的幽灵： 随着对纯粹结构主义疲劳的出现，一股对传统形式的回归暗流涌动。本章分析了作曲家们如何审慎地挪用或戏仿巴洛克和古典时期的结构元素。这并非简单的复古，而是一种批判性的借用——旧的形式被注入了现代的和声语言和节奏的复杂性，形成一种既熟悉又疏远的听感。探讨了这种对“大传统”的回望，是如何成为一种对抗僵化现代主义的有效武器。 第三部分：跨界与融合：技术、文本与剧场的交汇 本书的最后一部分将聚焦于二十世纪后半叶音乐创作中日益明显的跨学科倾向，展示音乐不再是孤立的艺术形式。 1. 电子音乐的实践与理论： 详细梳理了电子音乐在欧洲的两个主要发展路径：基于磁带的具体音乐（Musique Concrète）和基于振荡器的电子音乐（Elektronische Musik）。书中不仅分析了工作室的技术操作，更重要的是探讨了这些新技术如何彻底改变了作曲家对“记谱法”和“可演奏性”的理解。我们研究了如何将预先录制和处理的音响与现场演奏融合，从而创造出超越传统乐器性能的“混合体”。 2. 文本、诗歌与音乐的张力： 考察了对“歌词性”的重新定义。本章分析了那些基于复杂文学文本（无论是歌剧、清唱剧还是纯粹的声乐作品）的创作。重点在于，音乐如何服务于（或反抗）语言的内在逻辑，如何通过特定的音高选择和节奏处理来强调文本的特定语义或哲学层面。探讨了在处理具有强烈政治或宗教色彩的文本时，作曲家所面临的伦理困境与表达策略。 3. 音乐剧场（Music Theatre）的兴起： 探讨了音乐如何突破音乐厅的限制，进入更广阔的戏剧空间。分析了那些模糊了音乐会、戏剧和行为艺术界限的作品。这些作品往往要求演奏者扮演多重角色，观众参与度增加，并且环境因素（灯光、空间布局）成为与音符同等重要的结构元素。这反映了作曲家们对“纯音乐”概念的怀疑，寻求一种更具沉浸感和体验性的艺术形式。 结语：未完成的探索 全书的基调是探索而非断言。我们承认，二十世纪中叶的音乐充满了矛盾、冲突和未被完全消化的能量。本书的目的是为读者提供一个清晰的框架，用以理解这些挑战传统、不断自我颠覆的音乐语言，并欣赏其在技术、美学和哲学层面上所蕴含的丰富层次与持久影响力。它是一份对一段充满创造性地震的音乐史的详细记录与冷静反思。

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这部作品的厚重感，光是掂在手里就能感受到，封面设计是那种极简却又暗藏玄机的风格，黑白为主调，透露出一种古典音乐家特有的沉静与内省。我不得不承认，最初接触它的时候，我的期望值是非常高的，毕竟“Alfred Schnittke”这个名字本身就代表着某种实验性与深邃的哲学思考。翻开扉页，那种纸张特有的微黄和油墨的清香扑面而来，让人仿佛置身于一个老旧的音乐厅后台，空气中弥漫着汗水、松香和时间沉淀下来的独特气息。这本书的排版布局非常考究，乐谱的清晰度和注释的详尽程度，都展现了编辑团队对原作的极大尊重。即便是对现代音乐不太熟悉的听众，也能从中感受到那种试图打破传统框架的决心。我特别留意了前言部分，作者（或编者）用了一种近乎学术论文的严谨笔触，阐述了这种“大协奏曲”形式在后现代语境下的复兴与重构，尤其是对巴赫和巴洛克时期对位法的引用，简直是一种近乎戏谑却又无比真诚的对话。那种将宏大叙事与碎片化个人情感交织在一起的手法，让我对即将阅读的内容充满了敬畏。它不仅仅是一本乐谱集，更像是一份关于音乐语言如何演变和挣扎的宣言书，那种压迫感和释放感在字里行间就已经开始酝酿。

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说实话，我本来以为这会是一本晦涩难懂的理论分析著作，但实际体验却完全出乎意料。这本书的叙事逻辑非常独特，它没有按照时间顺序或者曲式结构来线性展开，而是仿佛以一种梦境的碎片化方式，引导读者进入施尼特凯的心灵迷宫。每一章的标题都取得极具象征意义，像是一些晦涩的哲学命题，但当你结合附带的音乐导览文本阅读时，那种不和谐音背后的逻辑链条便豁然开朗。特别是关于“多风格主义”的章节，作者巧妙地用一系列对比鲜明的文学段落，来类比音乐中突然出现的浪漫主义旋律如何被刺耳的噪音所打断，这种跨媒介的阐释方式，极大地降低了理解现代派音乐的门槛。我感受到了一种强烈的代入感，仿佛不是在“阅读”一部作品，而是在“经历”一次音乐的诞生与解构过程。它成功地将施尼特凯音乐中那种“鬼魅般的模仿”和“严肃的狂欢”这两种看似矛盾的特质，完美地统一在了文字的张力之中。

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这本书的装帧工艺，说实话，是近年来我见过的古典乐谱周边里最让人眼前一亮的。它没有采取那种廉价的胶装，而是采用了精装带书脊布艺的包裹，触摸起来有一种粗粝的质感，仿佛在抚摸着一架年代久远的斯坦威钢琴的琴身。内页的纸张选择也极具深意，它并非光亮的铜版纸，而是带有一点点哑光和吸墨性的道林纸，这使得演奏者在快速翻阅时，视觉疲劳度大大降低，专注于那些复杂的节奏切分和调性模糊地带。我花了不少时间研究其中关于演奏技巧的旁注，它们不是那种程式化的“快点”或“柔和点”，而是用极其富有画面感的语言描述了每一个段落的情绪转折点。例如，某处标记的“像一台失灵的钟表在午夜敲响”，这种文学性的描述，对于理解施尼特凯那种充满焦虑和疏离感的音乐世界观，起到了非凡的引导作用。整体来看，这本实体书的制作水准，已经超越了纯粹的工具书范畴，它更像是一件值得收藏的艺术品，是对作曲家精神世界的一次立体呈现。

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这本书的体量相当惊人，拿在手上沉甸甸的，但它的内容密度却高得吓人，仿佛每一页都经过了千锤百炼。我尤其欣赏它在文献引用上的严谨性，每一个关于演奏家早期访谈的片段，都标注了清晰的出处和日期，这对于任何想要深入研究这位作曲家生平与创作轨迹的人来说，都是无价之宝。但更引人入胜的是，书中穿插的一些鲜为人知的历史背景资料，比如冷战时期东欧音乐界对“形式主义”的审查，以及施尼特采取的一些迂回的创作策略来绕过意识形态的束缚。这些背景信息，为我们理解他作品中那些突然出现的“戏仿”和“拼贴”手法提供了至关重要的钥匙。它揭示了音乐的创作，绝不仅仅是纸上的音符游戏，更是特定历史环境下知识分子精神困境的真实写照。读完这些章节后，再回头看那些复杂的和声进行，就仿佛看到了作曲家在重压之下，眼神中闪烁出的那种既反抗又妥协的复杂光芒。

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我必须赞扬这本书的字体选择和内页留白处理，这是典型的欧洲艺术书籍的设计美学，极度注重读者的阅读体验。它没有试图用花哨的图表或色彩来分散注意力，而是将所有的焦点都集中在了文本的纯粹性上。在讨论到作品中反复出现的对位主题时，作者采用了一种非常巧妙的排版技巧——将不同历史时期（例如巴洛克与二十世纪）的音乐思想的文本描述，用不同字号和字体风格呈现，使得两者之间形成一种视觉上的“对话”和“对抗”。这种处理方式，使得那些抽象的音乐概念变得触手可及。对于我这种偏爱通过文字构建听觉想象的听众来说，这简直是一场盛宴。它没有直接给出答案，而是提供了一套精密的工具，让你自己去构建起施尼特凯复杂音乐宇宙的地图。这本书的阅读过程，与其说是吸收知识，不如说是一次深度的精神漫游，一次对音乐本体论的耐心探索。

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