Shape and Decoration in Japanese Export Ceramics pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Schiffer, Nancy

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2007-7

价格:$ 56.44

装帧:

isbn号码:9780764316494

丛书系列:

图书标签:

• Japanese ceramics
• Export ceramics
• Decoration
• Shape
• Art history
• Asian art
• Ceramics
• Design
• Imari ware
• Arita ware

瓷器之形与饰：一部跨越时代的工艺史诗 《瓷器之形与饰》 是一部深入探讨全球陶瓷艺术发展历程的综合性著作，它将目光投向了从古代文明的曙光到现代工业革命的漫长岁月中，不同文化背景下，制瓷技术、审美变迁以及贸易往来如何共同塑造了我们今天所见的丰富多样的陶瓷艺术。本书并非聚焦于某一特定地区的出口产品，而是以全球视野，追溯了陶土如何演变为承载文明印记的艺术载体。 本书的叙事结构围绕着“形”（Form）与“饰”（Decoration）这两大核心要素展开，力求揭示器物造型的演变与表面装饰手法的革新之间的内在联系。 第一部：形塑世界的基石——早期制陶与技术革命 本部分着重考察了陶瓷艺术的起源及其关键的技术飞跃。我们首先回顾了中国新石器时代的彩陶，及其后商周时期青铜时代背景下的原始青瓷的出现，探讨了这些早期器型如何受到生活实用性、宗教仪式需求以及当时冶金技术水平的制约与影响。 随后，焦点转向了魏晋南北朝至唐宋时期，中国制瓷业的重大转型。书中详尽分析了南越古国和后来的唐代对外交流中，陶瓷器型（如执壶、多角盘、莲花温碗）的地理传播路径，以及这些器型如何被不同地区的工匠吸收、本土化。我们详细考察了唐三彩的造型特征，它如何融合了中亚的造型元素，并以其独特的“软雕塑”般的气韵影响了东亚其他地区的陶塑艺术。 宋代是陶瓷形制的巅峰期，本书用大量篇幅分析了五大名窑——汝、官、哥、定、钧——在器型设计上的微妙差异。汝窑的“仿青铜器”造型，如三足炉、洗，体现了文人阶层对古雅沉静的追求；而定窑的“覆烧法”对盘、碗的口沿形制所带来的限制与创新，被视为技术与美学妥协的经典案例。钧窑的天蓝釉与窑变，则展示了对釉色“偶然之美”的极致探索，其厚重的造型往往暗示着北方宫廷的审美倾向。 本书的这一部分还跨越了欧亚大陆，探讨了伊斯兰世界（如萨马拉、拉卡）在金属器皿的造型模仿（如圈足、流口设计）对早期陶器形制的影响，以及中世纪欧洲对摩尔式陶器的模仿，如何为后来的欧洲本土制瓷业奠定了初步的造型基础。 第二部：装饰的语言——从釉色到纹饰的符号学 “饰”的部分是本书的重点，它探讨了装饰手法如何成为跨文化交流的非语言载体。我们不再仅仅罗列图案，而是深入剖析装饰元素背后的文化语境和象征意义。 釉彩的哲学： 书中对“青”色的执着进行了细致的考察。从越窑的“千峰翠色”到龙泉窑的梅子青、粉青，这些釉色的深浅浓淡，被视为中国士大夫阶层对自然、对“君子之德”的具象化表达。相对地，我们也分析了伊斯兰世界的钴蓝釉（Lapis Lazuli Blue）如何在13世纪通过贸易路线进入中国，并最终催生出元代青花的诞生，这是一个技术与审美互相激活的范例。 纹饰的叙事： 纹饰的演变被视为社会变迁的晴雨表。宋代定窑的划花、刻花，其线条的细腻与写实，反映了宋人对“格物致知”的推崇。元明清的青花纹饰，则展现了复杂的叙事结构：龙凤的政治象征、莲荷的佛教意涵、以及成熟的“开窗布局”对画面节奏感的营造。我们详细区分了不同时期海棠纹、缠枝莲、折枝牡丹在不同器型（如梅瓶、大盘、玉壶春瓶）上的布局差异，揭示了不同纹饰在不同功能器物上的“功能适配性”。 技法的跨界： 装饰不仅仅是绘画，更是雕塑与工艺的结合。书中细致区分了模印、贴塑、印花、划花、剔花（如元代卵白瓷的“象牙白”效果）等多种装饰技术，并追踪了这些技术如何从西亚传入中国，又如何被欧洲如德国迈森的“银胎镶嵌”工艺所借鉴。例如，对高温烧制下“堆塑”装饰（如瓶身上的螭龙、把手）的成型难度分析，展现了工匠们对材料特性的深刻理解。 第三部：流动的边界——器型在全球化中的适应与重塑 本书的最后一部分将视角转向全球市场，探讨了陶瓷艺术在贸易流动中如何“变形”以适应异域需求，以及这种适应如何反过来影响了原产地的制作。 我们分析了17世纪荷兰东印度公司（VOC）兴盛时期，中国景德镇为欧洲市场专门制作的“克拉克瓷”（Kraak Porcelain）的特点。这些瓷器在造型上，如其标志性的“开光扇形边”和在盘体上的分割布局，明显是为了迎合欧洲宴会餐桌陈设的视觉习惯。它们的造型，如高足杯、分酒器，往往是直接对欧洲金银器造型的“瓷器化”模仿。 书中详细考察了日本伊万里烧（Imari Ware）在17世纪末期如何通过欧洲市场的影响，在纹饰上发展出独特的“柿右卫门风格”与“金襕手风格”的结合，这些风格的色彩调性（如铁锈红、黄釉）与中国传统的青花、五彩形成了鲜明对比。 此外，本书还探讨了在18世纪欧洲“瓷荒”时期，如英格兰的早期陶器（如粘土烟斗、彩釉陶器）如何作为对昂贵进口瓷器的替代品而发展起来，它们的造型粗犷有力，装饰风格热烈奔放，反映了新的商业阶层的审美趣味。 总结而言，《瓷器之形与饰》 试图通过对器物造型演变规律的把握（形）和对装饰语言符号的解读（饰），描绘出一幅波澜壮阔的全球工艺交流史。它探讨了技术革新如何解放了造型的想象力，而市场需求又如何反过来规范和重塑了装饰的风格，展现了泥土与火焰所讲述的人类文明的共同故事。

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这本书的装帧设计简直是艺术品。厚实的封面，带着一种沉甸甸的质感，触感温润而古朴，仿佛能感受到那些穿越时空的匠人气息。内页的纸张选择也颇为考究，那种略带纹理的米白色，让印刷出来的图片色彩显得既饱和又不失柔和，尤其是那些描绘精美釉色的特写照片，简直能让人目不转睛地研究半天。更值得称赞的是版式布局，它并非那种枯燥的学术书籍排版，而是将文字与图案的留白处理得恰到好处，阅读起来一点也不觉得拥挤。书页的装订也很牢固，即便是经常翻阅，也不担心松散，这对于一本需要反复比对细节的图录来说至关重要。整体而言，这本书的设计哲学似乎在强调“物”的重量感和历史的厚度，拿在手里就有一种沉浸式的体验，让人对接下来的内容充满期待。光是翻阅它的封面和内页质感，就已经值回票价了。

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从一个纯粹的工艺爱好者角度来看，这本书提供的技术细节令人叹服。它不仅仅是展示“美”，更是剖析了“如何造就这种美”。书中对釉料配方、烧制温度对颜色影响的探讨，虽然没有提供精确的化学公式，但通过大量的实物对比分析，构建了一个非常清晰的工艺流程图景。例如，关于如何控制“蓝底白花”在烧制过程中避免晕染的描述，配上器物侧面的放大图，让非专业人士也能大致理解其中的技术难关。这本书的深度足以让专业的陶瓷修复师作为参考资料，同时又不至于让初学者望而却步，这种在专业性与可读性之间找到的平衡点，实属难得，体现了作者深厚的专业素养和对读者的尊重。

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我花了整整一个下午来沉浸于这些瓷器纹样的演变脉络中，收获颇丰，但也有一些小小的遗憾。作者在追溯某个特定时期（比如18世纪中后期）的图案风格时，似乎更侧重于描述其视觉特征和当时的审美倾向，而对于驱动这些风格转变背后的社会经济因素探讨得略显单薄。例如，当描述到日本出口瓷器如何开始大量模仿中国青花纹饰时，我更期待能看到关于贸易路线变化、欧洲市场偏好转移对日本本土作坊决策影响的深入分析，而不是仅仅停留在“他们模仿了”的层面。当然，书中对各种“异国情调”图案的细致分类和实例解析依然是教科书级别的，那些关于“欧式花卉”与“日式留白”冲突与融合的论述非常精辟。总体来说，它更偏向于艺术史和图案学的深度剖析，而非全面的贸易史梳理。

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阅读这本书的过程，就像是跟随一位见多识广的老行家在古董市场里穿梭，他总是能指出那些不为人注意的细节，并用精准的语言将其描述出来。作者的叙事节奏把握得非常好，从宏观的时代背景导入，到微观的单个器物上的笔触分析，过渡自然流畅，毫无跳跃感。这种行文风格，使得原本可能枯燥的学术梳理变得引人入胜，我几乎是抱着读小说的心态一口气读完了关于“色绘”瓷器发展的那几章。他对于不同地区（如伊万里和柿右卫门）的风格差异的界定非常犀利，观点鲜明，绝不含糊其辞，读起来让人茅塞顿开，对于辨别不同窑口的作品有了新的启发。这是一种非常有效的知识传递方式。

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这本书的图片质量绝对是顶级的，这对于研究这种精细的工艺品来说是毋庸置疑的。我尤其欣赏那些采用多角度拍摄的技术，它们清晰地展示了釉面在不同光线下折射出的微妙光泽，这在许多其他出版物中是难以见到的。例如，对于某些带有金彩装饰的盘子，书中的照片甚至捕捉到了金粉的颗粒感和厚度，这对于鉴定和工艺复原研究者来说是无价之宝。唯一的不足是，有些图片的注释信息略显不足，尤其是一些特别稀有、来源不明确的孤品，如果能附带更详细的考古发现背景或者收藏历史记录，那这本书的学术价值会再上一个台阶。不过，瑕不掩瑜，光是这些高清的细节图，就足以让任何爱好者感到满足。

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