Miles Davis - Standards Volume 2 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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作者:Not Available (NA)

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页数:80

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出版时间:2002-10

价格:$ 22.54

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isbn号码:9780634005572

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• 爵士乐
• Miles Davis
• 标准曲
• 器乐
• 小号
• 20世纪音乐
• 经典专辑
• 美国爵士
• 蓝调
• 音乐

蓝调的灵魂回响：探索爵士乐的黄金时代 一部深入剖析爵士乐发展脉络的权威著作，专注于从摇摆乐到比波普的时代变迁，及其对后世音乐的深远影响。 本书导言：时间的切片与风格的交织 爵士乐，这种诞生于二十世纪初的独特艺术形式，如同一个不断变幻的万花筒，记录着美国社会历史的每一次震颤与律动。它从新奥尔良的街头巷尾悄然兴起，在芝加哥和纽约的俱乐部中逐渐成熟，并最终蜕变为一种全球性的音乐语言。本书并非简单地罗列历史事件或人物事迹，而是致力于深入挖掘那些塑造了爵士乐核心精神的关键转折点，探究不同风格之间的内在联系与张力。我们将着重考察那些奠定现代爵士乐基石的音乐理念、技术革新以及文化背景。 第一章：根源的泥土——从拉格泰姆到早期新奥尔良爵士 爵士乐的生命力源于其丰富的土壤。本章将追溯其音乐基因的源头，详细解析拉格泰姆（Ragtime）那种严谨的、切分化的钢琴节奏如何为后来的即兴创作提供了框架。随后，我们将聚焦于新奥尔良，这个“爵士乐的摇篮”。重点分析布奇·珀蒂博恩（Jelly Roll Morton）等先驱者如何将欧洲的进行曲结构、非洲的节奏模式以及蓝调的和声色彩融合在一起，创造出最初的集体即兴演奏风格。 我们不仅会分析其音乐特征——如固定的和声进行、对位式的旋律线——还会探讨社会环境如何催生了这种音乐。禁酒令时期地下酒吧的兴盛，以及“大迁徙”带来的音乐家流动性，都是理解早期爵士乐扩散的关键因素。 第二章：北上与扩散——芝加哥学派的崛起 随着二十年代的到来，爵士乐开始向北方迁移，芝加哥成为新的中心。本章将探讨“芝加哥风格”如何对新奥尔良的传统进行了修正与发展。重点关注路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）早期在金·奥利弗乐队（King Oliver's Creole Jazz Band）中的角色演变。阿姆斯特朗不再满足于集体即兴的框架，他的个人独奏开始展现出前所未有的技术难度和情感深度，标志着“独奏家时代”的开端。 本章细致剖析了单簧管、小号和长号如何在新的编曲结构中找到更清晰的表达空间，以及早期的录音技术如何记录并固化了这些创新。我们将对比分析King Oliver、Bix Beiderbecke等人的风格差异，展示出风格多样性已初现端倪。 第三章：大乐团的辉煌——摇摆乐的黄金时代（The Swing Era） 三十年代，爵士乐迎来了商业上的巅峰——摇摆乐。本章将深入研究大乐团（Big Band）的结构和功能。我们将分析如何通过细致的编曲（Arrangement）来驾驭多达十几位乐手，实现宏大而富有律动感的音响效果。 重点分析本尼·古德曼（Benny Goodman）、公爵艾灵顿（Duke Ellington）和卡伯·凯洛威（Cab Calloway）的乐队是如何在保留即兴精髓的同时，满足观众对可跳舞节奏的需求。艾灵顿的作曲理念，特别是他对音色和室内乐式编排的探索，将被单独列出进行深入探讨。同时，我们也会讨论像莱斯特·扬（Lester Young）和科曼·霍金斯（Coleman Hawkins）这样的萨克斯风大师，如何在摇摆乐的背景下发展出截然不同的个人语汇。 第四章：革命的前夜——和声的探索与速度的提升 进入四十年代初期，一批年轻的音乐家开始对摇摆乐的既有结构感到不满。他们寻求更高的艺术自由度，更复杂的和声语言，以及更快的即兴速度。本章聚焦于比波普（Bebop）的诞生及其对爵士乐本质的颠覆。 我们将详细解构查理·帕克（Charlie Parker）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）如何利用扩展和弦、替代音和极其快速的音符串来重塑旋律线。这种音乐不再是为舞蹈而生，而是纯粹的、智力层面的艺术表达。我们分析了Minton's Playhouse等俱乐部在孵化这一革命中的关键作用，以及巴布·鲍威尔（Bud Powell）对钢琴伴奏模式的彻底改革。 第五章：从Bebop到酷派——风格的分化与哲学转向 比波普带来的激进变化不可避免地引发了反作用。本章探讨爵士乐如何开始向不同方向分化。一方面，一些音乐家试图回归更为内敛、抒情的表达方式，催生了“酷派爵士”（Cool Jazz）。我们将分析莱昂内尔·哈普顿（Lennie Tristano）及其追随者对和声的冷静处理，以及西海岸爵士乐（West Coast Jazz）中融合的古典音乐元素。 另一方面，以阿特·塔图姆（Art Tatum）和早期的塞隆尼斯·蒙克（Thelonious Monk）为代表的钢琴家，持续深化了对和声张力的探索，为后来的硬波普（Hard Bop）奠定了基础。这一时期的爵士乐，在艺术追求上达到了前所未有的高度，但也在主流商业市场中面临挑战。 第六章：硬波普的回归——情绪的复兴与蓝调的回归 四十年代末到五十年代中期，硬波普（Hard Bop）作为对酷派爵士的“纠正”而出现。本章强调了硬波普如何重新拥抱蓝调的原始力量、福音音乐的情感深度以及更强烈的节奏驱动力。重点研究阿特·布雷基与爵士信使（Art Blakey & The Jazz Messengers）作为风格孵化器的作用。 我们将分析小号手李·摩根（Lee Morgan）和中音萨克斯手索尼·斯蒂特（Sonny Stitt）的作品，展示他们在技术上继承了比波普的复杂性，但在情感表达上则更为直接、有力。硬波普标志着爵士乐在保持艺术复杂性的同时，成功地与根植于非裔美国人社区的音乐传统重新连接。 结论：不朽的对话 本书最后部分将总结这些关键时代对现代音乐的持续影响，并展望爵士乐在二十世纪后半叶的演变，为读者理解爵士乐的复杂谱系提供坚实的基础。它是一份对音乐家们不懈追求和创造力的致敬，描绘了爵士乐如何从地方性舞蹈音乐蜕变为全球性的严肃艺术形式。

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拿到这本书时，我立刻翻阅了目录，试图寻找一些能够激发我好奇心的章节标题。我注意到，如果这本书是关于“标准”的，那么它必须处理一个核心问题：艺术家的自由与传统责任之间的永恒张力。我希望看到作者如何平衡介绍这些歌曲的原始版本（或许是歌手版的）和迈尔斯的爵士演绎之间的关系。这不仅仅是比较，而是要探讨文化传承的路径。我尤其关注他如何处理那些来自格什温、罗杰斯和哈特等“老派”作曲家的作品，这些作品本身就带着浓厚的百老汇色彩，迈尔斯是如何“去光彩化”它们，将它们剥离掉多余的装饰，还原成最纯粹的音乐骨架，再用他标志性的冷峻感重新构建。我并不需要一份关于爵士乐历史的百科全书，我需要的是一个聚焦于迈尔斯这一个特定过滤器如何处理这些文化遗产的微观研究。如果这本书能清晰地勾勒出，从一首熟悉的旋律到一首“迈尔斯”的作品的转变过程中的每一个关键决策点，那么它就达到了我的阅读目的。

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我带着一种略微审视的目光来看待这本书，因为市面上关于迈尔斯·戴维斯的书籍已经汗牛充栋，要脱颖而出，必须提供独特的价值。对于“Standards Volume 2”来说，这个“2”字本身就要求它必须超越“1”的深度和广度。我最看重的是作者是否有能力超越单纯的赞美，进入到批判性的分析层面。例如，他是否有勇气指出迈尔斯在某些时期的标准曲目演绎中出现的疲态，或者他对某些已经被过度演奏而失去生命力的曲目所采取的敷衍态度？真正的深入研究不会回避艺术家身上的阴影和挣扎。我希望看到关于他录音选择背后的商业考量、制作人的影响，以及他个人在不同人生阶段对同一首曲子情感投射的变化。这种复杂性，这种对一位艺术巨匠多维度、非理想化的描绘，才是真正有价值的阅读体验。我期待的是一种能让我对这些经典曲目产生“重新发现”之感的叙述，而不是一次简单的、向偶像致敬的旅程。

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说实话，我有点担心这本书的深度，因为“Standards Volume 2”这个名字本身就暗示着这可能是对一个更大主题的后续补充，如果前面的“Volume 1”已经涵盖了大部分基础内容，那么这本书的压力就更大了——它必须提供更深入、更小众的视角。我希望这本书能聚焦于迈尔斯在特定时期对标准曲目的处理方式，比如他中期（比如《Kind of Blue》之后的时期）对硬波普标准的重构，那是一个充满张力和内省的阶段。我特别期待看到他对那些鲜为人知或被忽视的曲目的挖掘，那些可能只在某些稀有现场录音中出现过的片段。如果作者能提供一些关于他如何引导他的乐队成员（比如赫比·汉考克或韦恩·肖特）去理解并即兴演绎这些既定旋律的记述，那将是无价之宝。这种对乐队动态的洞察，远比单独分析迈尔斯自己的演奏来得重要，因为爵士乐的魔力就在于互动。我希望看到的是那种能让我感觉到，仿佛我正坐在录音室的控制室里，亲眼见证这些音乐巨匠们如何共同雕刻出永恒瞬间的体验。

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光是盯着这个标题，我的思绪就已经飘向了那个上世纪中叶的爵士乐黄金时代，那种空气中弥漫着烟草和威士忌味道的昏暗俱乐部场景。我手里捧着的这本书，名字叫《Miles Davis - Standards Volume 2》，它给我的第一印象是厚重、权威，带着一种不容置疑的历史感。我期待的自然是那些跨越了时间和潮流的经典旋律的深度解析，不是那种浮于表面的曲目列表，而是能深入骨髓的、关于他是如何重新定义了“标准”的讨论。我希望看到对《So What》或者《All Blues》这些作品在不同录音版本之间的微妙差异的剖析，是如何从他那标志性的、近乎呼吸般的铜管音色中，提炼出情感的精髓。这本书若真能达到我的预期，它不该只是简单地罗列曲目，而应该是一场对爵士乐“语法”的重新学习，一个关于留白、关于节奏切分、关于如何在既定框架内实现无限创新的大师课。我特别想知道，作者是如何处理迈尔斯在不同合作者——无论是与科尔曼·霍金斯还是与约翰·柯川——之间，对同一首标准曲目所产生的化学反应和最终呈现的巨大反差。如果这本书只是重复那些老掉牙的轶事，而未能挖掘出音乐结构层面的东西，那对一个资深乐迷来说，无疑是一种巨大的浪费。我需要的是那种能让我放下书后，立即想去重听唱片的冲动，一种被某种深刻洞察力击中的颤栗感。

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这本书的装帧设计，坦率地说，有点让人摸不着头脑。封面采用了一种非常朴素的深蓝色，字体是那种典型的衬线体，给人一种学术专著的感觉，而不是一本流行音乐传记。我的期望是，既然它聚焦于“标准曲目”，那么内容理应在音乐理论和历史背景之间找到一个完美的平衡点。我尤其在意作者对“标准”这个概念的界定。在爵士乐语境下，“标准”意味着不断地被重新诠释、不断地被颠覆。我渴望看到对那些被认为是“迈尔斯化”了的曲目进行详细的乐谱分析，比如他如何将原本布鲁斯结构的曲子，通过他的和声选择，转变成一种更具现代感的、更具实验性的探索空间。这本书如果只是泛泛地谈论他的“酷”或者他的“风格”，那就太肤浅了。我真正想知道的是，当他面对一首像《Autumn Leaves》这样人尽皆知的曲子时，他内在的动机是什么？他是试图去修正它，还是仅仅是想用他的声音去“签名”它？我希望作者能提供一些独家的、来自录音室棚内的见证，关于那些瞬间的灵光乍现，那些决定性的、将平庸之作提升为不朽经典的“那一小节”是如何诞生的。

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