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出版者:

作者:Duncan, Brett

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页数:0

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价格:154.00 元

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isbn号码:9781864692570

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• 吉他
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狂野之弦：摇滚吉他即兴演奏的奥秘与精进指南 一本深入剖析摇滚乐灵魂的演奏圣经，献给所有渴望突破自我、在舞台上尽情释放创造力的吉他手。 本书不是《Rock Guitar Solos》的替代品，而是一部聚焦于“如何构建、理解和执行”摇滚乐即兴演奏的底层逻辑和高级技巧的深度教程。我们不提供既定的独奏乐句库，而是赋予你创造属于自己声音的工具箱。 --- 第一部分：根基的铸造——理解摇滚乐的音乐结构与语汇 摇滚乐的即兴并非天马行空的乱弹，它建立在坚实的音乐理论基础之上。本章将带领你超越简单的音阶记忆，深入理解构成摇滚乐辉煌乐句的内在骨架。 1.1 调式与色彩：超越五声音阶的限制 摇滚的调式光谱： 深入解析最常用的自然大调（Ionian）、自然小调（Aeolian）和布鲁斯音阶（Blues Scale）在不同摇滚子流派中的应用。重点讲解如何通过引入变化音（如4、b9）来快速增加乐句的张力和现代感，告别平庸的“安全区”。 大调布鲁斯与调式色彩转换： 探讨如何在同一和弦进行中，在大小调之间进行流畅切换的技术，这是许多经典摇滚独奏（如Pink Floyd、David Gilmour风格）的关键所在。 和声背景的透视： 详细分析了摇滚乐中最常见的四小节与八小节和弦进行（如I-IV-V-I、i-VI-VII-i）是如何影响你的即兴选择的。学习如何“听见”和弦变化，并同步调整你的音阶或琶音选择。 1.2 节奏的驱动力：律动与切分的应用 摇滚吉他的独奏，其生命力往往在于律动而非音符的密度。 “摇摆”的感觉（The Swing Feel）： 探讨在直拍节奏中如何植入微妙的摇摆感，使你的乐句听起来更具“律动感”，而非机械的节拍。 切分音与休止符的艺术： 深度剖析休止符在摇滚乐即兴中的关键作用。学会利用空白空间让关键音符获得更强的冲击力。分析如何利用切分音来打破听众对常规节拍的预期，增加乐句的趣味性和紧张感。 子分割与复节奏（Polyrhythms）： 介绍如何巧妙地在快速的十六分音符中穿插三连音或五连音的片段，为你的独奏注入一丝前卫（Progressive）或融合（Fusion）的色彩。 --- 第二部分：技法的雕琢——创造独特音色的物理学 摇滚乐的“音色”（Tone）与“技巧”（Technique）是相辅相成的。本章专注于将你的物理动作转化为富有表现力的音乐语言。 2.1 颤音的进化：从情感的脉动到音高的控制 颤音（Vibrato）是区分专业乐手与业余爱好者的重要分水岭。 多种颤音类型解析： 详细对比手腕驱动型、手臂驱动型、指板揉弦型颤音的听感差异。分析不同摇滚大师（如Jeff Beck、B.B. King、Stevie Ray Vaughan）的标志性颤音特点，并指导读者找到最适合自己的“签名式颤音”。 幅度与速度的控制： 学习如何根据音高和情绪变化，动态调整颤音的宽度和频率，避免单一、僵硬的颤音模式。 2.2 推弦（Bending）：精确的音高控制与张力释放 推弦是摇滚乐中最具情感冲击力的技术之一。 精确校音训练： 强调推弦后音高的绝对准确性。提供一系列针对半音、全音、甚至更大幅度推弦的听觉训练方法，确保你的推弦既有力量感，又不至于“跑调”。 推弦中的揉弦与颤音叠加： 讲解如何在推弦到位后立即加入颤音（Pre-bend Vibrato），以及在推弦过程中加入微小的揉弦变化，以增强音符的生命力。 复合推弦（Compound Bends）： 探讨多指同时推弦、以及推弦后快速释放再推起（Release & Re-bend）等高级技巧，增加乐句的复杂性和戏剧性。 2.3 拨弦的动态：清晰度与速度的平衡 交替拨弦的优化： 深入分析如何在快速段落中实现更轻松、更精确的交替拨弦（Alternate Picking）。讨论拨片角度、接触琴弦的深度对声音清晰度的影响。 扫拨（Sweep Picking）的结构化学习： 不仅仅是速度的展示，更重要的是如何将其融入和声进行中。本节将教授如何“划分”扫拨的组别，使其听起来更具音乐性，而非单纯的音阶爬升。 击弦与勾弦（Hammer-on & Pull-off）： 强调这些技巧在增加流畅度（Legato）时的应用，并探讨如何调整击打的力度，使连奏的音量与正常拨弦保持一致。 --- 第三部分：结构与叙事——构建引人入胜的独奏蓝图 伟大的独奏如同一个微型故事，有开端、发展、高潮和结局。本书将重点指导你如何从零开始构建一个有逻辑、有情感起伏的即兴段落。 3.1 动机的提炼与发展（Motivic Development） 这是区分“练习片段堆砌”和“真正独奏”的核心。 核心动机的生成： 学习如何从和弦进行或歌曲的主旋律中提炼出一个简短、易记的“音乐种子”（Motive）。 动机的变形技术： 详细讲解如何对这个种子进行节奏变化（Rhythmic Variation）、音程变化（Interval Variation）、倒影（Inversion）和移位（Transposition），用最少的材料创造出丰富的乐句变化，确保独奏的连贯性。 3.2 独奏的动态弧线设计 一个好的独奏必须有起伏，否则听众会感到疲劳。 情绪映射法： 教授听众如何根据歌曲的A段（主歌）和B段（副歌）的情绪，预先设计独奏的能量等级。独奏的开头应如何铺垫，高潮部分应使用何种高难度技巧，以及如何平稳收尾。 空间与密度的平衡： 强调在独奏的不同阶段，应适度增减音符的密度。在表达内敛情感时使用稀疏的、长延音的乐句；在达到高潮时才运用密集的跑动。 3.3 跨越布鲁斯桎梏：融合现代元素 摇滚乐的即兴需要不断吸收新的养分。 融合放克（Funk）的切分与切入： 如何在快速的摇滚乐句中，穿插Funk式的“空间感”和“放克律动”，让独奏更具节奏趣味。 爵士语法的借用： 介绍如何将爵士乐中常用的和弦内音（Chord Tones）和替代音阶（Substitution Scales）有机地融入摇滚背景，提升独奏的和声深度和智力感，避免陷入单一音阶的窠臼。 --- 附录：演奏环境与舞台表现 技巧的展现需要合适的载体。本章关注演奏的实用层面。 即兴中的音箱调试： 如何在舞台上根据环境（音箱、混音台）快速微调你的音色，确保你的独奏在乐队整体混音中既能“凸显出来”，又不会“喧宾夺主”。 与鼓手的对话： 强调即兴演奏是与乐队的互动。学习如何聆听鼓手的Fill-in（过门），并以此为跳板，设计出回应性的乐句，创造出即兴的“问答”效果。 结论： 本书旨在提供一套完整的“思想框架”与“精修工具”，让你不再依赖模仿，而是真正理解摇滚吉他即兴的内在驱动力。掌握这些原理后，你的每一次即兴，都将是你个人音乐哲学的真实表达。

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从曲目的选择上来看，这本书的品味非常高，它并没有完全沉溺于那些被翻唱了无数次的、耳熟能详的超级金曲，而是非常大胆地引入了一些被主流乐迷略微忽视的、但技术含量极高的“深水区”曲目。我尤其欣赏作者对八十年代后期“前卫金属”（Progressive Metal）部分的处理，那部分对于和声色彩的运用和指板的覆盖广度，简直是拓宽了我的视野。很多其他教材可能只关注于传统的布鲁斯音阶的运用，但这本书非常系统地讲解了如何将五声音阶与自然大调音阶进行无缝衔接，而且都是在高速行进中完成的。当我尝试模仿书中某个段落里，那种仿佛从音阶里“跳跃”出来的和弦推导时，我发现自己的即兴思维一下子变得开阔起来，不再局限于固定的音阶框框里。这本书的价值在于，它提供了一个从“模仿”到“理解”的桥梁，让你最终能够将这些技巧内化，形成属于自己的“摇滚语言”。它不仅仅是一堆乐谱的集合，更像是一份珍贵的“灵感地图”。

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说实话，我拿到手的时候，心情是有点复杂的。我期待的是那种能带我冲上云霄，直击灵魂深处的速度与激情，毕竟书名听起来就够燃。然而，这本书的开篇几章，并没有直接甩出什么炫技的Lick，而是花了大篇幅去探讨“空间感”和“情绪的铺陈”。这让我一开始有些失望，心想是不是买错了，难道是本慢板布鲁斯指南？但是，当我真正沉下心去跟着书中的节奏练习时，我开始理解作者的良苦用心了。它强迫你放慢速度，去感受每一个音符之间的“沉默”——那些不弹奏的瞬间，才是决定一个独奏是否动人的关键。书里有一个章节专门讲了如何运用休止符来制造紧张感，配上的例子竟然是某个上世纪七十年代的重金属吉他手的慢速布鲁斯片段，这跨度太大了，但效果出奇地好。它教会我，真正的“摇滚”不是一味地快，而是如何在有限的音符里，爆发出无限的张力。这本书的内涵远超出了我对“独奏”的传统认知，它更像是一部关于“音乐叙事”的教科书。

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我花了大概三个月的时间，系统地攻克了这本书中大约三分之二的内容。坦白说，有些段落对我目前的水平来说，依然是“望洋兴叹”的挑战。尤其是一些涉及到快速琶音扫拨和双颤音技巧的段落，即使放慢到原速的四分之一去练习，我的右手小臂肌肉反馈也跟不上那种精确度。但是，这本书的巧妙之处在于，它不像某些“速成”书籍那样，把所有难度都堆砌在一起，让你产生挫败感。它会穿插一些相对容易上手，但律动感极强的Funk-Rock Riffing 练习，用来“中和”高难度SOLO带来的压力。比如，书中有好几个SOLO，前半段是复杂的指板跑动，后半段却突然转为极简的、注重时值的单音点拨，这种节奏上的切换练习，对提升我的整体协调性帮助极大。这本书不是在教你“如何成为神速演奏家”，而是在教你“如何在任何速度和情绪下，确保每个音符的纯净度”。对于一个渴望全面提升而非局部炫技的乐手而言，这种平衡感的设计，简直是教科书级别的。

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这本书的封面设计简直是视觉盛宴，那种哑光黑的质感配上烫金的字体，一股复古而又充满力量感的摇滚气息扑面而来，一看就知道里面收录的绝对是干货。我原本是抱着试试看的心态买的，毕竟市面上关于吉他独奏的书籍汗牛充栋，很多都是华而不实，要么就是理论堆砌，要么就是示范曲目老掉牙。但这本书的排版和图例设计非常人性化，清晰的五线谱和六线谱并排展示，对于我这种理论基础还不错，但实战中总想偷懒看六线谱的乐手来说，简直是福音。而且，它不仅仅是简单地把SOLO“抄”下来，更重要的是，它在关键的技巧点上做了非常细致的图解，比如推弦的角度、揉弦的力度控制，甚至连拨片的触弦方式都有微小的标注。我光是研究第一个SOLO的Slide（滑音）部分，就花了整整一个下午，体会到了那种从A点到B点声音的“呼吸感”。这本书给我的第一印象是：这不是一本教材，更像是一份大师的“手术刀解剖报告”，让你能深入骨髓地理解这些传奇乐句是如何被打造出来的。那几个早期布鲁斯摇滚大师的Solo范例，那种粗粝感和即兴的火花，在书页上仿佛都能听到声音。

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这本书的装帧质量和纸张选择绝对是业界良心。我经常带着我的吉他包到处跑，很多乐谱书没用几次就开始散页、折角，甚至被汗水浸湿后字迹都模糊了。但这本《Rock Guitar Solos》的纸张采用了高克重的铜版纸，即使用力压在琴桥上做笔记，也不会轻易留下永久性的压痕。更值得称赞的是，在涉及大幅度推弦或者颤音的乐谱部分，印刷厂似乎特别注意了线条的粗细和清晰度，即便是非常精细的揉弦符号，在不同光线下都能一眼辨认。我特别喜欢它在每个SOLO开始前加入的“背景故事”小栏目，简单介绍了这个SOLO的创作年代、当时乐手的技术瓶颈以及这个片段对后世的影响。这些“幕后花絮”极大地提升了我的学习兴趣，让我不再是机械地模仿，而是带着对历史的敬意去演奏。这种对细节的极致追求，让我在翻阅时感到一种被尊重的体验，仿佛作者也在认真地对待每一个学习者。

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