Giacomo Meyerbeer And Music Drama In Nineteenth-century Paris pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Everist, Mark

出品人:

页数:350

译者:

出版时间:

价格:150

装帧:

isbn号码:9780860789154

丛书系列:

图书标签:

• Meyerbeer
• Paris
• Music Drama
• Nineteenth Century
• Opera
• French Music
• Cultural History
• Performance Studies
• Romanticism
• Biography

跨越时代的辉煌与变革：十九世纪欧洲音乐图景 一部深入剖析十九世纪欧洲音乐文化、社会背景及其艺术嬗变的宏大叙事 本书并非聚焦于某一位特定的作曲家或某一种固定的音乐体裁，而是以广阔的视角，审视了整个十九世纪欧洲大陆——特别是巴黎、维也纳、柏林等核心音乐城市——所经历的深刻的文化、技术和社会结构性变革，以及这些变革如何塑造了那个时代的音乐创作、消费与批评的格局。 第一部分：浪漫主义的余晖与巨人的背影 (1800-1840) 本部分首先回顾了十八世纪末启蒙运动与古典主义的遗产，为理解十九世纪初期的音乐转向奠定基础。我们将详细探讨贝多芬晚期作品对后世的深远影响，他如何将个人情感的表达推向极致，并为浪漫主义的兴起铺平了道路。 维也纳的中心地位： 重点分析了舒伯特的艺术歌曲（Lied）的革命性发展。不再仅仅是诗歌的附庸，歌曲成为了表现德意志民族精神和个人内心幽微情感的独立艺术形式。通过对舒伯特声乐套曲的结构和主题的细致剖析，揭示了音乐如何开始内化哲学与文学思潮。 意大利歌剧的鼎盛与危机： 考察了罗西尼的“辉煌”与贝尔蒂尼的“忧郁”。意大利歌剧在此时期仍占据市场主导地位，但其对“美声唱法”的过度依赖与新兴市民阶层对更深刻戏剧性的渴求之间产生了张力。我们审视了早期威尔第作品中对意大利统一（Risorgimento）主题的微妙触碰，以及这种“政治性音乐”的萌芽。 早期法国浪漫主义的探索： 聚焦于马尔热里特（Hérold）和奥柏（Auber）的“歌剧喜剧”（Opéra Comique），分析其在继承法国古典歌剧传统的同时，如何吸收了意大利的旋律天赋，并初步展现了对民间色彩的兴趣。 第二部分：中产阶级的崛起与音乐生活的重塑 (1840-1870) 随着工业革命的深入和中产阶级财富的积累，音乐的社会功能发生了根本性变化。音乐不再是贵族沙龙的专属，而是大众娱乐、家庭教育和民族认同的重要载体。 音乐会制度的标准化： 详细描述了交响乐团规模的扩大、指挥艺术的专业化（如门德尔松在莱比锡的贡献），以及“公共音乐会”如何取代私人赞助成为主流。这导致了作曲家在创作上需要考虑更大观众群体的接受度，推动了宏大叙事的普及。 钢琴的“霸权”时代： 钢琴作为家庭中心乐器和专业演奏媒介的双重角色，催生了大量炫技性的作品。肖邦的“诗性”与李斯特的“神性”并存，前者将民族精神与精致的室内乐技巧结合，后者则通过“交响诗”的概念拓展了器乐叙事的边界。我们将探讨李斯特晚年转向宗教音乐和结构创新的深层动因。 德奥“新德国乐派”的理念冲突： 详细分析了舒曼在《新音乐杂志》中提出的美学纲领，以及他对“学院派”的批判。这种思潮为瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）提供了思想基础。我们对比分析了勃拉姆斯对贝多芬传统的继承，以及他如何通过严谨的对位和结构处理，抵御了过度“标题化”的诱惑，从而确立了器乐“纯粹性”的另一条发展路径。 巴黎的音乐与沙龙文化： 探讨了法国音乐家（如古诺和圣-桑的早期作品）在继承古典传统与应对德国浪潮之间的挣扎。法国音乐在这一时期更侧重于对形式的精炼和优雅的表达，形成了区别于德意志激进主义的独特风格。 第三部分：民族主义的兴起与音乐的“地理扩张” (1870-1900) 十九世纪下半叶，欧洲的民族意识空前高涨。音乐成为各国重塑自身文化身份、表达历史记忆和民间精神的最有力工具之一。 俄罗斯五人组与“本土性”的探索： 深入剖析了巴拉基列夫、穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫等人如何系统地从东正教圣歌、民间叙事和民间音阶中汲取灵感，以构建区别于德奥传统的俄罗斯音乐语言。特别关注穆索尔斯基在歌剧《鲍里斯·戈杜诺夫》中对“人民合唱”的史诗性处理。 斯拉夫的呼吸： 考察了捷克的德沃夏克与斯美塔那，以及波兰的肖邦（在器乐作品中的体现）。他们的音乐在形式上可能遵循了德奥的范式，但在旋律材料和节奏处理上，鲜明地打上了本土印记。 北欧的田园牧歌： 分析了挪威的格里格和芬兰的西贝柳斯，如何在广阔的自然景观和古代神话的滋养下，发展出具有强烈地域色彩的音乐语言，预示着二十世纪现代主义的来临。 晚期浪漫主义的边界拓展： 考察了马勒的交响曲作为十九世纪交响乐传统的集大成者。他的作品结合了世俗的民间音乐元素与深刻的哲学沉思，将管弦乐队的音响潜力推向了新的极限，几乎触及了二十世纪初的现代性门槛。 结语：通往二十世纪的桥梁 本书最后总结了十九世纪音乐的遗产：它既是浪漫主义个性解放的巅峰，也是规范化、标准化（如乐谱出版业和音乐教育体系的完善）的产物。通过对歌剧、交响乐、室内乐及艺术歌曲的全面梳理，本书旨在描绘出那个充满矛盾、活力与创造力的音乐时代，理解它是如何为二十世纪音乐的剧变积蓄了所有的能量与张力。读者将通过本书，对欧洲音乐史的连续性与断裂性，建立起一个全面而细致的认知框架。

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我是一名业余的歌剧爱好者，此前对十九世纪巴黎歌剧界的了解多半停留在罗西尼和威尔第这些“巨头”的层面。这本书彻底颠覆了我的认知。它用一种近乎考古挖掘的方式，将那些被历史洪流冲刷掉的次要作曲家和他们的作品重新带回了聚光灯下。我发现，原来当时的音乐生态远比我想象的要复杂得多，存在着多条并行的艺术路线，彼此竞争、互相影响。书中对那些被认为是“失败”的剧作的细致剖析，尤其发人深省——为什么有些作品在首演时轰动一时，却很快销声匿迹？作者给出的文化、经济、甚至剧场经理的个人喜好等多种因素的综合解释，非常令人信服。这种多维度的分析视角，极大地拓展了我对“成功”与“不朽”这些概念的思考。这本书要求读者投入时间和精力，但它给予的回报是丰厚的知识体系和对艺术生命力的深刻理解。

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老实说，我原本以为这会是一本晦涩难懂的学术专著，但阅读体验却远超我的预期。这本书的结构安排非常巧妙，它没有采用传统的编年史写法，而是围绕几个关键的“音乐事件”展开，像侦探小说一样层层剥开谜团。作者对音乐理论的阐述部分处理得极其到位，他没有用那些让人望而生畏的术语去堆砌篇幅，而是非常直观地解释了十九世纪歌剧的音乐“语法”是如何演变的，特别是对和声进行和管弦乐配器的创新如何服务于戏剧冲突的塑造，提供了许多耳目一新的见解。我特别喜欢其中关于“宏大歌剧”与“轻歌剧”之间张力的分析，这不仅是风格之争，更是社会阶层审美偏好的体现。这本书的文字风格带着一种沉稳的、近乎诗意的批判性，让你在学习知识的同时，也能感受到一种对艺术纯粹性的深深敬意。合上书页时，我脑海中浮现的不再是静止的乐谱，而是舞台上光影流动、人物情感爆发的立体剧场。

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这本书的装帧设计和引用的插图质量都非常精良，这无疑为阅读增添了极大的愉悦感。然而，真正让我爱不释手的是其叙事中蕴含的强烈“地方感”。作者似乎对巴黎这座城市本身怀有深厚的感情，他总能将音乐事件的发生与特定的街区、特定的沙龙、甚至是塞纳河畔的气候联系起来。例如，他对一个特定剧院火灾后，作曲家们如何迅速调整创作重心以适应新的演出场地限制的描述，就极其生动，充满了生活气息。这种将艺术融入日常的写法，使得阅读过程不再是单纯的学术考察，而更像是一次漫步在十九世纪巴黎的文化漫游。书中对服饰、礼仪以及当时观众对“惊艳效果”的集体追求的描写，也为我们理解歌剧的“奇观性”提供了极佳的视角。我从中看到的，是一个充满活力、躁动不安、渴望被艺术震撼的巴黎。

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翻开这本厚重的书，我立刻被十九世纪巴黎的音乐氛围深深吸引。作者的笔触细腻而富有洞察力，将那个时代歌剧的兴盛与衰落描绘得淋漓尽致。书中对于当时巴黎歌剧院的运作模式、观众的品味变迁，乃至剧场背后的政治角力，都有着非常深入的探讨。尤其让我印象深刻的是，作者如何通过分析那些失传或鲜为人知的剧作手稿，来重构当时音乐创作的真实面貌。那些关于作曲家如何与剧作家、舞美设计师之间紧张又充满创意的合作过程的描述，简直就像一幕幕生动的历史重现。我仿佛能闻到剧院里香槟和汗水的混合气味，听到幕布拉开时那令人窒息的期待声。这本书的价值在于，它不仅仅是一本关于音乐史的枯燥记录，更是一部关于艺术、权力和城市生活交织的社会文化史，让我对那个“浪漫主义”与“现实主义”并存的时代有了全新的理解。它成功地将宏大的历史叙事与个体艺术家的挣扎巧妙地融合在了一起，读来令人心潮澎湃，久久不能忘怀。

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坦白讲，阅读此书对我来说是一次智力上的挑战，但绝对是值得的。作者对文献资料的掌握程度令人叹为观止，他毫不吝啬地引用了大量的法文、德文一手档案，使得论证的根基无比扎实。这本书最让我感到震撼的地方，在于它揭示了“创新”的代价。在那个充满保守力量的艺术环境中，每一次音乐上的突破都需要付出巨大的社会成本和个人牺牲。作者并没有将这些十九世纪的音乐家塑造成不食人间烟火的天才，而是将他们置于一个充满商业压力和同行竞争的残酷现实中进行考察。这种去浪漫化的处理方式，反而让人物形象更加立体和真实。对于任何希望深入了解西方音乐史背后驱动力的读者而言，这本书都是一个无可替代的参照点，它不仅告诉你“发生了什么”，更重要的是解释了“为什么会以这种方式发生”。

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