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出版者:

作者:Dizzy, Gillespie

出品人:

页数:68

译者:

出版时间:2005-7

价格:$ 19.20

装帧:

isbn号码:9780634048906

丛书系列:

图书标签:

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好的，这是一份专为不包含《Jazz Play Along》一书内容的图书简介，专注于展现其他音乐学习材料的深度和广度： --- 《和声思维与即兴的艺术：从基础到精通的进阶之路》 图书简介 主题聚焦： 本书旨在为严肃的音乐学习者、演奏家以及作曲家提供一套全面、深入且高度实用的音乐理论、和声分析与即兴创作指导体系。它并非专注于单一乐器或曲风的“演奏指南”，而是构建一个强大的底层音乐思维框架，帮助学习者理解音乐的“为何”及其“如何运作”，从而实现真正自由的音乐表达。 核心理念： 本书坚信，精湛的演奏技巧必须建立在扎实的理论基础之上。我们摒弃了机械式的指法记忆或孤立的和弦图表堆砌，转而强调对调式、和声进行、连接技巧以及动机发展的深刻洞察。本书将音乐视为一门结构严谨的语言，引导读者掌握其语法、词汇和修辞手法。 第一部分：基础重塑——现代和声的基石 本部分将对传统和声学概念进行一次彻底的梳理和现代化重构。我们不再仅仅满足于I-IV-V的和弦标记，而是深入探讨： 调式层级分析（Modal Hierarchy）： 详细解析七声音阶、五声音阶、全音阶、布鲁斯音阶等在不同音乐语境下的功能与音色特性。我们着重分析如何从传统大调/小调体系中抽离出来，构建基于特定调式的和声织体。 三和弦与七和弦的深化理解： 深入剖析和弦的内在线（Chord tones）、外在线（Tensions/Extensions）及其在功能和声中的实际作用。特别关注九和弦、十一和弦、十三和弦的清晰构建与色彩运用。 和声进行（Chord Progressions）的逻辑： 探讨功能和声的驱动力，包括次属和弦（Secondary Dominants）、导音和弦（Borrowed Chords）以及三全音替代（Tritone Substitution）背后的数学与听觉逻辑。本书将提供大量范例，展示如何系统性地构建具有张力和解决感的和声序列，而非仅仅罗列常见进行。 第二部分：高级和声与色彩拓展 这一部分是本书的精髓所在，它将读者的视野从基础功能和声拓展至二十世纪以来的复杂和声语言： 扩大和声（Extended Harmony）的应用： 重点讲解如何有效地使用增大的和弦结构（如11, b13），以及在即兴和编曲中如何将这些音符融入旋律线中而不产生混乱感。 非功能性和声（Non-Functional Harmony）： 探讨如序列和声（Sequential Harmony）、平行和声（Parallel Harmony）以及基于音集理论（Set Theory）的现代和声手法。这些理论将帮助读者分析和理解德彪西、拉威尔乃至当代电影配乐中那些令人着迷的色彩变化。 特定风格的和声分析（Style-Specific Harmonic Analysis）： 选取二十世纪中后期重要的音乐流派（如后浪漫主义、印象派、前卫爵士以及特定拉美的民间音乐和声色彩），进行深入的案例研究和和声解构，揭示其独特的和声语法。 第三部分：即兴思维的建构——从理论到听觉 本书的即兴部分强调“演奏思维”的训练，而非仅仅是“指法练习”。我们关注如何将理论知识转化为现场的、即时的音乐表达： 旋律构建与动机发展（Melodic Construction and Motivic Development）： 教授如何围绕既定和声或调式，构建具有连贯性、发展性和叙事性的旋律线。探讨如何通过节奏变化、音型重复与变形、模进等技巧，将一个简单的音乐想法发展成完整的即兴段落。 音阶与和弦的视觉化与听觉化： 介绍高效的指板/键盘图示方法，将音阶、和弦结构与五线谱、六线谱上的物理位置对应起来，并强调“内化”过程——如何闭上眼睛也能‘听’到和弦的精确结构。 即兴的结构与叙事： 教授即兴演奏的“章节划分”——如何建立引入、发展高潮、以及优雅收尾的结构。本书包含大量关于“空间感”和“留白”的讨论，强调沉默和张力的控制在即兴中的决定性作用。 面向读者： 本书适合已经掌握了基础演奏技能（如了解基本音阶、常见和弦）的音乐人。无论是古典、现代、布鲁斯还是其他领域的音乐家，只要渴望提升自己的音乐理解深度、希望摆脱“只能演奏别人写好的东西”的限制，这本书都将成为您通往自由音乐表达的必备工具书。 本书的独特价值： 本书内容高度理论化和系统化，专注于构建一个坚不可摧的“音乐底层代码”。它提供的不是一堆“速成秘籍”，而是一套严谨的、可迁移的学习方法论，旨在使读者在任何音乐情境下都能迅速做出既符合逻辑又富有创造性的音乐决策。通过对和声结构和旋律逻辑的透彻理解，您将发现音乐的可能性远超想象。 ---

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我必须承认，在接触这本书之前，我对“如何为旋律配伴奏”这一环节总是感到心虚和混乱。这本书的主题明显倾向于“伴奏艺术”的精细化构建，可以说是填补了我知识体系中的一个巨大空白。作者从最基础的“和弦内音的筛选”讲起，逐步引导我们进入到更高阶的“织体设计”。书中对于“伴奏角色切换”的讲解尤为精妙，它详细阐述了在独奏者构建高潮时，伴奏者应该如何进行“减法”处理，何时该收紧节奏，何时该释放空间，以达到最佳的烘托效果。它不是教你弹奏一套固定的伴奏型，而是教你如何像一位优秀的服装设计师一样，根据独奏者的“体型”（即演奏风格和当前情绪）来量身定制伴奏的“服装”。书中对于不同乐器（如钢琴、吉他、贝斯）在伴奏中的功能差异分析得极为透彻，尤其对钢琴的“色彩填充”技巧有独到的见解。通过书中的大量“情景模拟”练习，我开始学会有意识地去“聆听”我的主旋律，并将我的伴奏视为对话的一部分，而不是简单的背景噪音。这本书极大地提升了我作为合作乐手的敏感度，让我明白，好的伴奏是让独奏者闪耀的幕后英雄。

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说实话，我原本对这种“教学类”的书籍抱持着一种怀疑态度，总觉得它们往往华而不实，徒增书架上的灰尘。然而，这本关于高级爵士乐和声解析的著作，彻底颠覆了我的看法。它的深度远远超出了我的预期，简直像一本微缩版的音乐学院教科书，但语气却亲切得像一位在咖啡馆里与你探讨音乐的教授。书中对“延伸和弦”和“和弦代换”的讲解逻辑性极强，作者没有仅仅停留在理论层面，而是通过对Miles Davis和John Coltrane等大师作品的实例剖析，展示了这些复杂和声是如何在实际演奏中实现色彩变化的。我特别喜欢它引入的“功能和声与色彩和声的平衡”这一概念，这为我理解为何某些看似不和谐的音符会突然产生美感提供了坚实的理论基础。阅读过程中，我不断地被要求“暂停，去弹奏一下这个转位”，作者非常鼓励实践与理论的同步进行。其中关于“小调爵士和声”的章节，简直是我的福音，它提供了一套系统的方法来处理那些听起来总是模棱两可的小调进行。虽然内容偏学术，但作者的写作风格非常注重可读性，他总能在最复杂的数学公式后，接上一句充满激情的音乐感悟，让你感觉自己不是在啃理论，而是在挖掘音乐的内在密码。这本书的价值在于，它不仅告诉你“是什么”，更解释了“为什么是这样”，为我的和声思维打开了一扇全新的窗户。

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这本书简直是为所有热爱布鲁斯和爵士乐的灵魂量身定做的！我最近入手了一本关于即兴演奏技巧的书籍，内容详实得令人惊喜。它没有直接给我一堆枯燥的和弦图表，而是像一位经验丰富的老乐手，手把手地带你进入即兴的自由王国。开篇就深入浅出地讲解了“蓝调音阶”和“五声音阶”是如何在不同音乐背景下产生魔力的，这一点对我这种初学者来说简直是及时雨。作者用非常生动的语言描述了如何倾听和感知音乐的“呼吸”，而不是机械地背诵音符组合。更让我佩服的是，书中有一整章专门讨论了“乐句的构建与叙事性”，它强调了每一个音符都需要有意义，就像在讲一个完整的故事，而不是随机的词汇堆砌。书里提供了大量的音频示例，通过对比“糟糕的即兴”和“富有洞察力的即兴”，清晰地展示了理论知识如何转化为动人的音乐表达。我花了一周时间反复琢磨其中关于“节奏位移”的章节，它让我对Swing的感觉有了全新的认识。这本书的排版也非常友好，大量的空白和清晰的注释，让我在长时间的学习中也不会感到视觉疲劳。对于任何想要从“弹奏音符”跨越到“真正演奏音乐”的乐手来说，这本书绝对是不可或缺的指南针。它教会我的不仅仅是技巧，更是一种对待音乐的哲学。

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如果你像我一样，是一个在乐队排练时常常感到“词穷”的乐手，那么这本书简直就是你的“秘密武器库”。它主要聚焦于“动机发展”和“主题变奏”的方法论，这一点在国内的音乐书籍中相对少见。这本书的结构非常巧妙，它不是简单地罗列技巧，而是构建了一个从最小的音乐元素（如一个节奏型或一个三音组合）到完整独奏段落的层级系统。作者花了大量篇幅来探讨如何有效地使用“重复、展开、对比和解决”这几个核心戏剧性元素来构建一个引人入胜的独奏。我尤其欣赏它关于“空间感”的讨论，书中强调了“留白”的重要性，告诉我们何时该让音乐喘口气，如何利用停顿来增强后续乐句的冲击力。书中的练习题设计得极其富有创造性，它们通常要求你使用一个极其有限的音符集合，去模拟不同的情绪——比如从紧张到释然，或者从轻快到忧郁。这迫使我跳出固有的指型和习惯性的音符选择，真正去思考“如何用最少的资源表达最丰富的情感”。读完这个部分，我在和朋友一起Jam时，明显感觉到我的Solo不再是零散片段的堆砌，而是有了一个清晰的起承转合。这本书的精髓在于，它教你如何成为一个“有思想的演奏者”，而不是一个“熟练的复读机”。

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这本书对于想要深入理解特定音乐风格的乐迷来说，绝对是一次深度的考古之旅。它聚焦于“后波普时期”的节奏复杂性与即兴的互动关系，分析得极其细致入微。作者并非只是简单地介绍这些风格的特点，而是将它们置于历史和社会背景下进行考察，让你明白为什么音乐会在那个特定的时间点发生如此剧烈的变革。书中对“复节奏”和“多重节拍”的讲解，简直是教科书级别的梳理，尤其是在处理那些看似混乱的节奏交叉时，作者提供了一套非常清晰的视觉化图表和节奏分解练习，帮助我将那些在脑海中盘旋不清的律动“固定”下来。我记得有一章专门对比了Elvin Jones和Tony Williams在处理同一段和声进行时的节奏哲学差异，这种细致入微的对比分析，让我对“时间感”有了更深层次的敬畏。它不仅仅是一本关于演奏的书，更像是一部关于音乐演变史的专业论文，但语言却保持着一种迷人的学术魅力，既严谨又充满激情。对于那些对“打破常规”的爵士乐革命者充满好奇的读者，这本书提供了理解其内在逻辑的钥匙，让你能够真正听懂那些“为什么听起来这么怪，但又如此迷人”的音乐片段。

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