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出版者:

作者:White Stripes (CRT)/ Hal Leonard Publishing Corporation (COR)

出品人:

页数:75

译者:

出版时间:

价格:154.00 元

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isbn号码:9781603780292

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• 摇滚
• 另类摇滚
• 白条纹乐队
• 音乐
• 美国摇滚
• 吉他摇滚
• 独立摇滚
• 蓝调摇滚
• 21世纪音乐
• 音乐专辑

《巨石滚滚：美国独立摇滚的黄金时代》 本书将带领读者深入探索21世纪初美国独立摇滚音乐爆炸式发展的独特景象。从地下车库的粗粝噪音到独立音乐节的万众瞩目，这是一段充满活力、创意迸发、颠覆传统的音乐旅程。 我们首先将目光投向底特律，这座曾经的汽车之城，在2000年代初却孕育出了一股强劲的音乐浪潮。本书将剖析这股浪潮的成因，分析经济衰退、城市复兴的背景如何影响了年轻人的精神面貌和艺术表达。在此基础上，我们将聚焦于那些在困境中寻求出口、用最原始的音符和最真挚的情感来表达自我的乐队和音乐人。 本书将特别关注独立唱片公司的崛起，以及它们在发掘、推广和支持那些不被主流市场看好的音乐方面的关键作用。从密西西木州的Fat Possum Records，到波特兰的Kill Rock Stars，这些唱片公司不仅仅是商业机构，更是独立音乐生态系统的基石。我们将探讨它们如何通过独特的营销策略、社群建设以及对音乐艺术性的坚持，为地下音乐注入生命力，并将其推向更广阔的舞台。 接着，本书将深入分析这一时期涌现出的众多标志性独立摇滚乐队。我们将逐一审视他们的音乐风格、创作理念以及在音乐发展史上的重要地位。例如，那些深受70年代朋克和80年代后朋克影响的乐队，他们如何在前人的基础上进行创新，融合了复古的吉他音色、迷幻的合成器效果和充满社会关怀的歌词；那些借鉴了布鲁斯、乡村甚至民谣元素的乐队，他们又如何将这些传统音乐形式注入现代的摇滚血液，创造出独一无二的音乐语言。 我们会详细解析那些具有代表性的专辑，分析它们的音乐结构、编曲方式、歌词主题以及封面设计。我们将深入探讨这些专辑如何捕捉了那个时代的精神风貌，反映了年轻一代的迷茫、愤怒、希望和反叛。从充满能量的现场录音到精心打磨的录音室作品，每一张专辑都承载着独特的音乐故事和文化印记。 本书还将关注音乐媒体在独立摇滚传播中的作用。我们将分析当时的音乐杂志、广播节目、网络博客以及早期音乐视频如何塑造了听众的品味，并为独立音乐提供了重要的曝光平台。音乐评论家、DJ和博客作者们如何发现新声音，如何解读音乐的意义，以及他们的评价如何影响了乐队的职业生涯，这些都将是本书探讨的重点。 此外，我们还将深入研究独立音乐节在推广和凝聚独立摇滚社群中的作用。从Lollapalooza到Pitchfork Music Festival，这些音乐节不仅是音乐表演的场所，更是文化交流、思想碰撞和社群认同的平台。我们将分析音乐节的策划理念、参演阵容以及它们如何成为连接音乐人、歌迷和行业人士的重要纽带。 本书还将探讨独立摇滚音乐对时尚、艺术、电影等其他文化领域的影响。在那个年代，独立摇滚的审美和精神渗透到方方面面，形成了独特的亚文化现象。我们会分析乐队的服装风格、舞台表演以及他们如何与视觉艺术家、电影制作人合作，共同构建了一个充满活力和创造力的文化景观。 最后，本书将总结21世纪初美国独立摇滚黄金时代的遗产及其对当下音乐格局的影响。尽管音乐潮流不断变化，但那个时代独立摇滚所展现出的原创性、反叛精神和对音乐艺术的纯粹追求，至今仍激励着无数音乐人和听众。本书旨在为读者提供一个全面、深入的视角，去理解这段美国音乐史上不可磨灭的篇章。

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我通常对音乐类书籍持保留态度，因为它们很容易沦为技术术语的堆砌或者无休止的赞美诗。然而，这本书的独特之处在于，它真正捕捉到了那种“为什么”的内核，而非仅仅是“发生了什么”。作者似乎拥有某种特殊的同理心，能够穿透皮相，触及到那种源自美国中西部工业衰退背景下的、混合着愤怒与敬畏的独特情绪。书中对特定地理环境和时代背景的描绘，达到了近乎文学小说的水准。他们如何将底特律的衰败感融入到吉他失真的音色里？作者用极其克制的笔触，将这种“地方性”的悲情，提炼成了具有普适性的艺术语言。尤其是在讨论他们早期巡演的艰辛时，那种在破旧货车里过夜、靠着陌生人接济的经历，读来让人心酸，却也无比振奋。这部分内容展现了，真正的创造力往往诞生于匮乏之中，而不是在资源过剩的温室里。这本书的价值，在于它超越了音乐本身，成为了一部关于在边缘生存的艺术家如何构建自我神话的社会观察报告。

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这本书的封面设计就带着一种粗粝的质感，仿佛能透过指尖触摸到旧唱片的纹理。我本来是抱着了解一个乐队兴衰史的普通心态翻开的，没想到它更像是一部关于极简主义美学和坚韧不拔的匠人精神的深度访谈录。作者并没有沉溺于那些好莱坞式的浮华叙事，反而将笔触聚焦在了那标志性的红白配色背后，隐藏的那些关于创作的执拗与妥协——或者说，是“不妥协”。读到他们如何从底特律的废墟中提炼出如此纯粹的、带有蓝调根源的声音，那种近乎偏执的自我设限，反而激发出了一种前所未有的创造力。书中详述了他们对技术设备的挑剔，对录音环境的苛求，以及对“二人乐队”这一形式的近乎宗教般的忠诚。这让我联想到许多当代音乐人，在信息爆炸的时代，他们如何被无尽的选择项所裹挟，而The White Stripes却像是在时间的洪流中，逆流而上，只保留了最核心的元素。这种对“做减法”的哲学探讨，远超出了音乐范畴，它关乎生活态度，关乎如何在喧嚣中保持自我辨识度。我尤其欣赏其中关于舞台表演的段落，那种原始的、近乎仪式的张力，文字本身似乎都在颤抖，让我在阅读时都能想象到现场鼓点砸下的震撼感。

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从阅读体验上来说，这本书给我带来了一种久违的“专注感”。现代的传记往往喜欢使用大量并列的、平铺直叙的句式来确保信息量的全面，但这本却不然。它的句式变化多端，时而使用长句进行深入的哲学思辨，时而骤然切换为简短有力的祈使句，仿佛是鼓手在即兴演奏时突然打出的重音。这种语法结构上的节奏感，使得阅读过程本身就模拟了他们的音乐结构——看似简单，实则蕴含着复杂的对位和张弛有度。我尤其欣赏作者在处理他们音乐理念转变时的那种谨慎态度。他们没有简单地给出一个“他们变了”的结论，而是通过对比不同时期的歌词和采样来源，展示了这种转变是如何在内部压力下自然生成的，而非外部商业需求的驱使。这对于那些试图模仿他们风格的新晋乐队来说，无疑是一堂关于“模仿的局限性”的深刻课程。阅读过程中，我多次暂停下来，并非为了查阅背景资料，而是为了回味某个段落中那种一语双关的精妙，那种只有深入理解了布鲁斯和民谣历史的作者才能写出的洞察。

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这本书的叙事节奏，说实话，有些令人捉摸不透，但恰恰是这种跳跃感，营造出一种非线性的、梦境般的体验。它不是一本按时间顺序梳理的流水账，更像是一系列碎片化的记忆闪回，有时突然沉浸在一段对早期孟菲斯蓝调乐手的细致分析中，下一秒又被拉回到录音室里一次争吵后的沉默。这种结构，非常考验读者的耐心，但一旦适应了作者的“心流”，你会发现这是最贴合他们音乐本身气质的表达方式——粗粝、直接，不拐弯抹角。书中关于“家庭”与“艺术”边界的模糊处理，是我感到最触动的部分。作者巧妙地避开了八卦的泥潭，而是通过大量的信件摘录和排练笔记，展现了两位成员在私人生活与舞台人格之间的微妙张力。它提出了一个深刻的问题：当你的艺术形式是如此紧密地与你的人际关系捆绑在一起时，如何定义“真实”？我感觉自己不是在读一本音乐传记，而是在解剖一个复杂的、自洽的微型宇宙。文字的密度极高，几乎没有冗余的形容词，每一句话似乎都经过了严格的筛选，充满了信息的颗粒感，非常适合反复品味。

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我不得不承认，这本书的装帧和排版设计，完美地呼应了其内容所传达的极简主义精神。内页的留白处理得极其考究，使得文字本身获得了呼吸的空间，不会让人感到压迫。然而，抛开这些设计层面的赞美，真正让我难以释怀的是作者对“声音的本质”的探索。他们如何将两个人的乐器配置，玩出了一个完整乐队的效果？书中详细分析了他们如何利用吉他的低音部分、人声的呼喊与鼓组的极简切分，来创造出一种“空间感”。这不是关于如何使用效果器，而是关于如何“欺骗”听众的大脑，让他们以为听到了比实际存在的更多的音轨。作者用非常形象的比喻来描述这种听觉上的错觉，比如将他们的双人合奏比作“一个被压缩到极致的原子核在爆炸前夕的能量积累”。对于音响发烧友而言，这本书提供了极佳的理论基础去理解为什么这种“少即是多”的理念在特定语境下能产生巨大的能量。它是一本关于限制如何催生无限的教科书，读完后，我感觉自己对周围世界的各种“过度设计”都有了一种更审慎的态度。

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