"Parkett" 82 features sculptor, diarist and preeminent Feminist Louise Bourgeois; the theatrical, shamanistic Polish artist Pawel Althamer and New York sculptor Rachel Harrison. Essayists on Bourgeois include Robert Storr, whose text is aptly called "Mother of Them All/Sister of Some," Tracey Emin and Griselda Pollock, while Althamer's collaborators are Massimiliano Gioni, Catherine Wood and Adam Szymczyk. Harrison's work is discussed by Ina Blom, Richard Hawkins, George Baker and Alison Gingeras. Also in the issue are texts by Burkhard Meltzer on Susan Philipsz, Jan Verwoert on WACK, Jeremy Sigler on Brock Enright, Kenneth Goldsmith on UbuWeb and Suzanne Hudson on the 60s hippie retreat Esalen. The Cumulus texts are by Mark von Schlegell and Catherine Chevalier. There is an insert by Sadie Benning and the spine is by Paulina Olowska.
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坦率地说,我是在寻找一些真正能带来震撼的视觉体验时,发现了这本《Parkett, No. 82》。让我印象极其深刻的是其中对于“数字迷恋与物质回归”这一主题的讨论。在一个充斥着像素和虚拟现实的时代,有几位艺术家竟然开始重新拥抱那些最原始的、最粗粝的自然材料——泥土、石头、未经处理的木材。这本书没有将此简单地视为一种复古潮流,而是深入探讨了这种回归背后,是否隐藏着对信息过载的本能性反抗,以及对真实触感体验的深层渴望。图文的搭配达到了炉火纯青的地步,那些对材料纹理的微距摄影,仿佛能穿透纸面,让你感受到砂砾的粗糙和木头的年轮。更绝妙的是,书中穿插了对艺术赞助人的几段简短访谈,这些声音来自收藏界的一线人物,他们对未来艺术形态的预测充满了矛盾和不确定性,这使得整本书的语境更加立体和真实。它提供了一个多维度的视角,既有艺术家的创造热情,也有收藏家的审慎眼光,还有评论家的冷静分析,共同构成了一幅关于当下艺术生态的详尽而又迷人的全景图。
评分这期《Parkett, No. 82》给我最深刻的印象,是它在文化地理学上的视野拓展。它似乎刻意避开了那些已经被过度曝光的西方艺术中心,转而将焦点投向了那些新兴的、充满活力的非西方艺术生态系统。我读到一篇关于东南亚某个小岛上发生的临时性艺术节的报道,那种在传统与全球化冲击下,艺术如何作为一种生存策略被实践和使用的案例,极具启发性。作者的笔触充满了现场感,你几乎可以闻到海边的潮湿空气和颜料的味道。这种田野调查式的写作,比单纯的画廊展览回顾要扎实得多,它展现了艺术如何内嵌于社会肌理之中,而非悬浮于空中。另一个亮点在于其对“收藏”行为的批判性反思。书中探讨了私人和机构收藏权力如何塑造了艺术史的叙事走向,同时也展示了一些艺术家如何故意创作出难以被传统收藏体系吸收的作品,以此来挑战既有的权力结构。这种对艺术体制的清醒认知,使得这本书不仅仅是一本欣赏作品的画册,更是一本关于艺术权力运作的“使用说明书”。
评分每次翻开《Parkett》系列,都像是在进行一次精心策划的视觉与思想的探险,《Parkett, No. 82》这次更是将这种探险推向了新的高度。我尤其关注其中对几位新兴国际艺术家的专题报道,他们似乎并不急于在主流话语中确立自己的地位,而是默默耕耘着属于自己的一片精神疆域。其中一位专注于材料转换的雕塑家,他如何将工业废料转化为具有强烈生命力的有机形态,简直是令人拍案叫绝。文章不仅仅是罗列作品图片,而是深入到创作背后的哲学思辨:关于消耗、再生、以及时间如何在物质上留下痕迹。这种对“物质性”的深度挖掘,让人对当代艺术的物质基础有了更深刻的理解。此外,这本书在文风上有着令人惊喜的多样性,有些评论冷静克制,逻辑如同手术刀般精准;而另一些篇章则充满了炽热的情感和强烈的个人化表达,像是一封写给艺术的炽热情书。这种对比和张力,使得整本书的阅读体验跌宕起伏,绝不会让人感到枯燥。它更像是一本“活的”艺术档案,记录着此刻正在发生、正在发酵的文化事件,而不是对已成定论的艺术史进行回顾。
评分这本《Parkett, No. 82》实在让人眼前一亮,尤其是在当代艺术出版物的海洋中,它简直就是一股清流。首先,它的装帧设计就透露出一种对细节的极致追求,那种触感和视觉上的平衡感,让人忍不住想反复摩挲。内页的排版布局,不是那种填满空间的堆砌,而是留白得恰到好处,仿佛每篇文章、每件作品都有足够的呼吸空间,引导着读者的目光自然流动。我特别欣赏它在跨媒介艺术探索上的勇气。书中呈现的几位艺术家,他们的作品似乎都在挑战“媒介”本身的边界,不再拘泥于传统的绘画或雕塑,而是深入到装置、录像甚至行为艺术的边缘地带。其中一篇关于声音艺术的深度访谈,真是妙不可言,它没有用晦涩难懂的术语来故作高深,而是用一种近乎诗意的语言,描述了声音如何在空间中被感知、被重塑,以及它与观众之间建立的瞬间而又永恒的联系。读完之后,我立刻戴上耳机,重新审视了我常听的一些音乐作品,那种被唤醒的听觉敏感度,是其他很多纯粹的理论书籍无法给予的。这本书成功地将学术的严谨性与艺术的感性魅力融合得天衣无缝,读起来既有知识的充实感,又充满了探索的乐趣。
评分要用三言两语概括《Parkett, No. 82》的精髓实在困难,因为它本质上是一个多声部的交响乐团,每个部分都在贡献独特而又和谐的音色。如果非要我聚焦一个方面,那一定是它对“时间性”的处理。书中好几件作品都围绕着延展性、衰变和记忆的不可靠性展开。比如一位艺术家的摄影系列,他捕捉的不是事件的高潮,而是事件发生前漫长的、近乎静止的等待,或者事件发生后残留的、被时间模糊的痕迹。这种对“中间状态”的偏爱,与当下社会追求即时满足的文化形成了强烈的张力。编辑团队在呈现这些内容时,也巧妙地采用了非线性的叙事结构,让读者在不同的主题和艺术家之间自由穿梭,自己去构建连接点。这要求读者必须保持高度的专注和开放的心态,它不是一本可以用来消磨时间的休闲读物,更像是一场需要投入精力的智力对话。读完之后,我感觉自己对“慢艺术”的理解又向前推进了一大步,它教会我如何欣赏那些需要时间去“发酵”的深度思考。
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