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出版者:

作者:Morath, Peter

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:

价格:329.00 元

装帧:

isbn号码:9781854862518

丛书系列:

图书标签:

• 模型
• 摄影
• 艺术
• 技巧
• 场景
• 光线
• 构图
• 后期
• 教程
• 参考

Photo Art for Modellers 探索摄影的无限可能，为你的模型创作注入生命力。 《Photo Art for Modellers》并非一本关于模型制作技法的教程，也非介绍模型颜料、工具的详尽指南。这本书的宗旨在于，通过摄影的视角，揭示如何将你精心制作的模型提升到艺术品的境界。它深入探讨了摄影艺术如何与模型制作工艺巧妙融合，为模型爱好者提供一套全新的创作思路和实践方法。 在这本书中，你将不会找到关于如何粘贴零件、如何调制漆料的步骤拆解。取而代之的是，我们将带领你穿越视觉的藩篱，去理解光影如何雕刻模型的轮廓，色彩如何赋予模型情绪，构图如何讲述模型背后的故事。我们将探索那些能够瞬间抓住观众眼球的摄影语言，并教你如何将这些语言运用到你的模型作品上。 本书的核心在于“呈现”而非“制作”。它旨在帮助你解答这样的疑问：当你花费了无数时间和心血打造出一个模型时，如何才能通过一张照片，让观者如同亲临其境般感受到它的细节、它的质感、它的灵魂？我们相信，每一件模型都蕴含着创作者的热情与才华，而摄影，正是释放这份才华最强大的催化剂。 光影的魔术师： 我们将深入剖析不同类型光源（如自然光、LED灯、点光源、区域光源）对模型质感和氛围的影响。你会了解到如何通过调整光源的角度、强度和颜色，来突出模型表面的细节，营造出特定的场景感，例如，如何在模型上模拟出清晨的柔和晨曦，或者午后烈日的灼热感。书本会详细讲解阴影的运用，如何利用阴影塑造立体感，避免画面显得平板，以及如何通过高光点亮模型的关键部位，吸引观者的视线。我们将提供大量实际案例，展示同一模型在不同光照条件下的视觉差异，让你直观地学习光影的魔力。 构图的语言： 摄影构图是视觉叙事的骨架。本书将带你领略黄金分割、三分法、对角线构图、对称构图等经典构图法则在模型摄影中的应用。你将学习如何通过景别（特写、近景、中景、远景）的切换，来控制观者的观看焦点，例如，一个精美的战车履带特写，或是整个场景的宏大展现。我们还将探讨引导线、负空间等构图元素如何引导观者的视线，并有效地传达信息。本书会通过对比分析，让你理解为何某些构图能产生更强的冲击力，而另一些则显得平淡无奇。 色彩的叙事： 色彩是情感的载体，也是传递模型故事的重要媒介。我们将研究色彩的心理学效应，以及如何运用色彩搭配来烘托模型的主题和氛围。例如，暖色调如何营造出温暖、热情或危险的氛围，而冷色调又如何带来宁静、神秘或冰冷的感受。书本还会探讨色彩平衡、色彩对比以及如何在后期处理中调整色彩，使其更具视觉吸引力，同时不失真实感。我们相信，合适的色彩运用，能够让你的模型在照片中“活”起来。 景深与焦点的魅力： 景深控制是让模型在照片中脱颖而出的关键技术之一。我们将讲解大光圈和小光圈分别如何影响景深，以及如何利用浅景深突出模型的某个特定部分，模糊背景，从而营造出专业摄影的“空间感”和“立体感”。你将学会如何精确控制焦点，让最想展示的部分清晰锐利，而将不必要的干扰元素虚化。本书会通过大量实例，展示景深运用的精妙之处，让你掌握如何用焦点说话。 背景的选择与处理： 模型摄影的背景至关重要，它能够极大地影响模型的呈现效果。本书将指导你如何选择与模型主题相符的背景，无论是简洁的纯色背景，还是能够营造特定场景的道具背景。我们还将探讨如何利用景深和后期处理技术，使背景与模型和谐统一，既能提供支撑，又不喧宾夺主。书中会提供大量关于背景搭建和选择的建议，帮助你打造出专业的摄影环境。 后期处理的艺术： 后期处理是模型摄影的“画龙点睛”之笔。本书将为你介绍一些基础且有效的后期处理技巧，包括亮度、对比度、色彩饱和度、锐化等调整，以及如何巧妙运用图层和蒙版来修复瑕疵或增强细节。我们不会涉及复杂的数字绘画，而是聚焦于如何通过简洁高效的后期处理，最大程度地提升照片的视觉表现力，使其更符合你对模型艺术的想象。 风格的探索： 最终，我们鼓励你发展属于自己的摄影风格。通过对光影、构图、色彩和景深等元素的灵活运用，你可以创造出独具个性的模型照片。本书将通过展示不同风格的模型摄影作品，激发你的灵感，并提供一些拓展思路的方法。 《Photo Art for Modellers》是一本为所有热爱模型制作，并希望将自己的作品以最完美姿态呈现给世界的朋友们量身打造的指南。它将带领你进入一个全新的视角，让你看到模型不仅仅是静态的物件，更是可以被摄影艺术点燃的生命。准备好用镜头捕捉模型之美，让你的模型创作迈向新的高度吧！

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哇，我刚刚翻阅了《数字影像处理大师》这本书，简直要被里面的内容迷住了！这本书的作者显然在图像编辑领域有着深厚的造诣，而且最让我惊喜的是，他们似乎对如何将复杂的后期技术以一种非常直观、易于理解的方式传授给读者有着独到的见解。书里没有那种晦涩难懂的专业术语堆砌，取而代之的是大量高清的、步骤清晰的案例展示。我特别欣赏作者在讲解光影处理和色彩校正部分时所展现出的耐心和细致。比如，书中用了整整一个章节来剖析如何使用曲线工具，但他们没有仅仅停留在“怎么拉动曲线”的层面，而是深入探讨了不同曲线形状对画面情绪和视觉冲击力的微妙影响。对于那些希望将自己的照片从“不错”提升到“惊艳”层次的爱好者来说，这本书简直就是一本操作手册外加一本艺术理论的结合体。我尝试了书中关于“环境光模拟”的一个技巧，效果立竿见影，让原本平淡的室内人像瞬间有了棚拍的质感。这本书的排版设计也非常人性化，关键步骤的图片都采用了超大图示，让人在实际操作中几乎不会感到迷茫。我已经迫不及待想把书里的所有高级合成技巧都实践一遍了。

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如果要用一个词来形容我阅读《数字图像的视觉叙事》的感受，那一定是“启发性”。这本书的重点似乎完全不在于教你如何使用某个特定工具，而是致力于提升你的“视觉语言表达能力”。作者采用了一种非常高级的叙事结构，通过分析大量大师级的作品——这些作品风格迥异，从超现实主义到极简主义不一而足——来反向推导出如何通过后期手段去强化故事的主题和人物的心理状态。例如，在分析一组关于“疏离感”的主题摄影时，书中详细拆解了如何通过轻微的色偏、微妙的边缘暗角和选择性的高光压制，来营造出那种难以言喻的孤独氛围。它教会我，后期不是锦上添花，而是故事叙述中不可或缺的“下一句话”。这本书更像是一本艺术评论和高级导演手册的混合体，它迫使你跳出操作软件的思维怪圈，去思考：我的图像到底想对观众说什么？对于那些渴望照片拥有深度和思想内涵的摄影人而言，这本著作的价值无可估量。

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我以一个长期与传统暗房打交道的老派爱好者的身份来评价这本《光影重塑者的终极指南》。起初，我对于大量依赖数码工具的后期处理心存芥蒂，总觉得少了点“匠气”。但是，这本书成功地架起了传统光学原理与现代数字技术之间的桥梁。作者在讲解数码锐化和降噪时，竟然巧妙地引用了晶体管的物理特性和胶片颗粒的形态学来做类比，这让习惯了传统成像原理的我，能够迅速建立起数码后期模型的心智地图。更令人称道的是，书中对“模拟胶片质感”的处理部分，深入细致地分析了不同类型胶卷的宽容度和色彩偏移特性，并将其完美地映射到LUTs和色彩查找表的设计上。读完后，我发现数字工具并非冰冷无情的算法堆砌，它们完全可以被用来精确模拟甚至超越过去那些迷人的光学效果。这本书为我们这些追求“复古美学”的创作者，提供了一套全新的、更可控的实现路径。

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这是一本极其重量级的参考书，我必须强调它的“深度”和“广度”。《后期工作流程的艺术与科学》这本书给人的感觉就像是作者将自己多年的项目经验和踩过的所有“坑”都毫无保留地倾囊相授了。它不像一些入门书籍那样只停留在基础的蒙版和图层混合模式，而是直接切入到了高难度的专业工作流管理。例如，书中详细对比了不同文件格式在色彩空间转换时的潜在损耗，以及如何构建一个既快速又具备完整可追溯性的文件命名和备份系统。对于我这种需要处理大量商业项目素材的人来说，这些内容简直是救命稻草。特别是关于“非破坏性工作流程”的探讨，作者提供了一种近乎完美的策略，确保即使在项目后期需要大幅度修改时，源文件也能保持绝对的完整性。这本书的阅读过程需要一定的专注力，因为它不提供廉价的捷径，但作为回报，它能让你彻底掌握控制图像的“底层逻辑”，从根本上提升你的专业水准。

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说实话，我刚拿到这本《摄影后期魔术师的秘密》的时候，内心是抱有一丝怀疑的，毕竟市面上讲后期处理的书籍多如牛毛，真正能让人眼前一亮的少之又少。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它的核心价值在于，它不仅仅关注“软件操作层面的技巧”，更深入地探讨了“艺术审美层面的决策”。作者似乎在用一种哲学家的口吻引导我们思考：我们为什么要这么调整色彩？这种对比度是服务于我们想要表达的主题吗？这种对“为什么”的深度挖掘，让这本书的阅读体验远超一般的技术手册。我尤其喜欢其中关于“情绪化调色板构建”的章节，它提供了一套严谨的流程来确定特定颜色组合如何引发观众的特定情感共鸣，而不是简单地提供一组预设参数。这对于那些渴望形成自己独特视觉语言的摄影师来说，无疑是醍醐灌顶。阅读过程中，我感觉自己不再是机械地套用步骤，而是在进行一场有目的、有思考的创作。它教你如何“看”照片，如何“感受”光线，这才是真正的后期艺术的精髓所在。

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