The Painterly Approach

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出版者:
作者:Rohm, Bob
出品人:
页数:144
译者:
出版时间:2008-9
价格:$ 33.89
装帧:
isbn号码:9781581809985
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画技巧
  • 艺术指导
  • 色彩理论
  • 构图
  • 绘画风格
  • 油画
  • 丙烯画
  • 水彩画
  • 艺术教育
  • 绘画教程
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具体描述

The unique approach and subject will give artists everything they need to create stunning landscapes, spectacular still lifes or fabulous figures.Readers will learn to identify abstract patterns, the relationships between shapes and how to provoke and emotional response from their paintings. Readers will discover what the painterly approach is and how to define an object by planes of colour and value rather than by line.The focus is on abstract pattern rather than on actual objects, on relationships between shapes rather than on detail, and on provoking an emotional response rather than absolute realism. The reader will move beyond the fundamentals to more advanced theories of perspective, brushstroking, edges, form, and shadows.Finally, a step-by-step approach to painting using two demonstrations, one working alla prima, the other en plein air will show readers how to apply the painterly approach from start to finish.

《画意之道》:解锁艺术表现的新维度 《画意之道》并非一本传授具体绘画技巧的书籍,它更像是一次关于艺术创作本质的深度探索,一次对“如何观察”与“如何表达”的哲学审视。本书旨在引导读者超越对技法的机械模仿,进入一个更广阔、更具启发性的艺术思维领域。 在当今信息爆炸的时代,我们习惯于快速消费视觉内容,却常常忽略了隐藏在画面背后的情感、氛围与艺术家独特的观察视角。《画意之道》鼓励我们放慢脚步,重新学习如何“看见”。它不仅仅是关于如何握笔,更是关于如何用心去感受光影的流动、色彩的交织、形体的微妙变化,以及它们如何在我们的感知中激荡出生命力。本书将带领你重新审视那些你可能已经司空见惯的景象,发掘它们不为人知的诗意与深度。 本书的核心在于“画意”——这是一种超越具象描摹的精神性表达。它关乎艺术家如何将内心的感受、对世界的理解以及对美的追求,转化为具有独特生命力的视觉语言。这不仅仅是运用色彩和线条,更是通过这些元素传递一种情感的共鸣,一种思想的启迪。作者将引导读者去理解,为什么一幅画能够触动人心,为什么某些色彩的组合会唤起某种情绪,为什么某种笔触的运用能赋予对象生命。 《画意之道》将从多个角度探讨“画意”的生成过程。我们会深入分析大师作品,但重点并非技法细节,而是他们如何通过整体的构图、光影的处理、色彩的运用以及笔触的节奏,营造出独特的氛围和情感张力。本书不会告诉你“怎样画出逼真的苹果”,而是会探索“如何通过描绘一个苹果,来表达丰收的喜悦”或者“如何通过光影的变化,来暗示时间的流逝”。 本书的内容将涵盖以下几个主要层面: 观察力的重塑: 我们将学习如何摆脱惯性的视觉模式,以一种更为敏锐、更为敏感的方式去观察世界。这包括对自然界细微光影变化的捕捉,对人像表情和肢体语言中情感流露的洞察,以及对日常物品中潜在美感的发掘。本书会提供一些练习方法,帮助读者训练自己的观察力,让眼睛成为连接心灵与世界的桥梁。 情感与色彩的对话: 色彩不仅仅是颜料的混合,更是情感的载体。本书将深入探讨色彩的心理学效应,以及艺术家如何通过色彩的运用,来表达喜悦、忧伤、宁静、激昂等复杂的情感。我们会分析不同色彩搭配所能唤起的联想,以及艺术家如何有意识地运用色彩的冷暖、饱和度和明度来塑造画面的情绪基调。 光影的叙事力量: 光与影是塑造空间感、体积感和戏剧性的关键元素。本书将引导读者理解光影是如何影响物体的形态、质感和氛围的。我们将探讨硬光与软光、直射光与漫射光的区别,以及它们各自能为画面带来的独特效果。通过对光影的深入理解,读者将能更好地把握画面的明暗对比,赋予作品以深度和立体感。 笔触与肌理的触感: 笔触是艺术家在画布上留下的独特印记,它不仅影响着画面的质感,更承载着艺术家创作时的情感和能量。本书将介绍不同笔触(如粗犷的、细腻的、流畅的、顿挫的)所能带来的视觉和心理感受。我们将探讨如何通过笔触的变化来表现物体的质感,例如丝绸的光滑、岩石的粗糙,以及如何用笔触的节奏来引导观者的视线。 构图的内在逻辑: 构图并非简单的“排兵布阵”,而是组织画面元素,引导观者情绪和理解的内在逻辑。本书将分析经典的构图原则,但更重要的是,它会鼓励读者去探索构图如何服务于画面的情感表达和主题传递。我们会探讨黄金分割、对称与不对称、点线面在构图中的作用,以及如何通过构图来营造画面的平衡感、动感或神秘感。 从“像”到“意”的转变: 许多初学者往往纠结于作品的“形似”,而忽略了“神似”的重要性。《画意之道》将帮助读者理解,真正的艺术创作是超越简单的模仿,而是将个人的情感、思想和对世界的理解注入作品之中。我们会探讨如何通过对细节的取舍、对形式的提炼,以及对情感的强调,来赋予作品以独特的“意”。 《画意之道》并非面向某个特定绘画流派或媒介的指南。无论是油画、水彩、素描,还是更现代的数字绘画,其核心的“画意”是相通的。本书的目标是提升读者的艺术素养,培养他们独立思考和独特表达的能力。无论你是初学者,还是已有一定基础的艺术家,都能从中获得启发,重新审视自己的创作过程,找到属于自己的“画意之道”。 本书将以一种引人入胜、富有启发性的方式展开,通过大量的理论阐述、案例分析和引导性的思考,帮助读者深入理解艺术创作的精髓。它希望成为你艺术旅程中一位值得信赖的伙伴,陪伴你一同探索视觉表达的无限可能。

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目录信息

读后感

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用户评价

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如果用一个词来概括这部作品的阅读感受,那一定是“回响”。它并非一本安静的书,它在你合上书页之后,其内在的节奏和逻辑仍然在你脑海中持续发酵。作者对“时间性”在创作中的角色有着非常独特的见解,他认为瞬间的灵感固然重要,但更关键的是那些被时间打磨、被遗忘后又重新浮现的、潜意识中的图像记忆。书中对于“观看的疲劳”与“重获新鲜感”之间的辩证关系进行了深入的探讨,这让我想起了自己过去的许多创作瓶颈期,往往不是因为技法生疏,而是因为“看腻了”。这本书提供了一种方法论,教导我们如何有意识地“清除”眼睛的习惯性偏差,如何通过改变观看的距离和角度,来重新激活对世界的好奇心。它没有提供一针见血的快捷键,而是提供了一种更为宏大、更具可持续性的创作生态系统的构建指南。读完之后,我感觉自己的“视觉缓存”被清空了,对日常事物的感知变得异常敏锐,这种状态的提升,远比学会一项新技巧来得更为宝贵和持久。

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这本书的文字风格,用“跳跃”来形容可能还不够贴切,它更像是一系列精心编排的蒙太奇片段,每一段都带着强烈的个人印记和某种难以名状的疏离感。作者似乎并不关心读者的理解速度,他更热衷于构建一个只属于他自己的、由视觉碎片和非线性叙事构成的世界。起初,我感到有些困惑,仿佛在阅读一本没有目录的诗集,那些关于“界限的消融”或者“边缘的模糊性”的论述,总是带着一种近乎于戏谑的晦涩。然而,随着阅读的深入,我开始体会到这种刻意的“不直接”其实是一种高明的策略。它迫使读者从被动接受信息转变为主动构建意义,每一次试图去捕捉作者意图的努力,最终都导向了对自身既有认知框架的一次审视。书中穿插的那些对不同文化背景下视觉传统的观察,虽然零散,却极大地拓宽了我的视野,让我意识到“如何观看”远比“描绘什么”更为根本和持久。它不是一本让你“学会”某种技巧的书,而是一本让你“重新学会观看世界”的思维训练手册,其价值在于激发而非告知。

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我一直寻找一本能够真正触及“材料本身”的深度探讨,而这本书在这一点上,完全超出了我的预期。它没有沉溺于对传统媒介的颂扬,反而将大量的篇幅投入到了对媒介特性的哲学反思中。举个例子,书中对“颜料的颗粒感如何影响光线的反射”的描述,已经超越了单纯的化学或物理层面,上升到了一种关于存在论的探讨——即物质如何在被人类感知时获得意义。作者对“不确定性”的拥抱尤为迷人;他似乎坚信,创作中最动人的部分,恰恰是那些无法被完全控制的意外。这种对“失控”的赞美,在如今这个强调精确和可预测性的时代,显得尤为珍贵和反叛。整本书读下来,我感觉自己不再是高高在上的操控者,而是与画笔、画布,甚至与空气中的尘埃共同参与创作的一个环节。它不是教你如何掌控,而是教你如何与媒介共舞,接受它既有的局限,并从中挖掘出无限的可能性。这种对创作过程的敬畏感,是任何标准教程都无法给予的。

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这部作品,表面上似乎在探讨一个关于色彩与光影的哲学命题,但深入其中,我感受到的是作者对“技法”这一概念的颠覆性解读。它不是一本手把手的教程,也远非那种堆砌着生硬术语的学术专著。相反,它更像是一场与自我内心深处创作欲望的对话,充满了那种初创时期的兴奋与后来的自我怀疑的挣扎。我特别欣赏作者在描述那些看似偶然的笔触时所流露出的那种近乎于“顿悟”的瞬间,仿佛每一次落笔都不是计算的结果,而是一种必然的、无法抗拒的冲动。阅读过程中,我常常停下来,不是因为理解了什么高深的理论,而是被那种纯粹的创作激情所感染,促使我立即拿起手边的工具,哪怕只是在废纸上涂抹几下,去追寻那种稍纵即逝的“对味儿”。这本书的叙事节奏非常松弛,它不急于给你一个答案,而是引导你进入一种更为宽泛的、关于“观看”的全新维度。它教会我们,真正的艺术语言并非来自模仿前人,而是从对周遭世界的细微感知中自然生长出来的有机体。这种体验,对于那些在技术泥潭中挣扎,渴望突破瓶颈的创作者来说,无疑是一剂强心针,让人重新找回了创作最初的纯粹乐趣。

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这本书的结构安排极其大胆,它似乎故意避开了任何线性讲解的套路。与其说它是一本关于创作的书,不如说它是一份邀请函,邀请读者进入一场关于“感知阈值”的实验场。我特别留意了其中关于“负空间”的讨论,它不是简单地解释留白的作用,而是将其提升到了精神层面,探讨了“缺席”是如何比“存在”更有力量的。这种论述方式,非常具有启发性,因为它强迫你重新审视自己对“完整性”的定义。每次翻开这本书,我都能从不同的章节中提取出全新的领悟,这主要归功于作者的语言具有一种内在的张力,既有古典的严谨,又不乏现代的解构。它没有提供任何具体的“解决方案”,但却为读者提供了无穷无尽的“提问”工具。这种体验是高度私密的,读者的收获完全取决于他/她愿意投入多少自我反思的深度。它像一面镜子,映照出的成品,最终取决于你自身心灵的清晰度。

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谢谢你,勇猛的bottom up大哥

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