The unique approach and subject will give artists everything they need to create stunning landscapes, spectacular still lifes or fabulous figures.Readers will learn to identify abstract patterns, the relationships between shapes and how to provoke and emotional response from their paintings. Readers will discover what the painterly approach is and how to define an object by planes of colour and value rather than by line.The focus is on abstract pattern rather than on actual objects, on relationships between shapes rather than on detail, and on provoking an emotional response rather than absolute realism. The reader will move beyond the fundamentals to more advanced theories of perspective, brushstroking, edges, form, and shadows.Finally, a step-by-step approach to painting using two demonstrations, one working alla prima, the other en plein air will show readers how to apply the painterly approach from start to finish.
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如果用一个词来概括这部作品的阅读感受,那一定是“回响”。它并非一本安静的书,它在你合上书页之后,其内在的节奏和逻辑仍然在你脑海中持续发酵。作者对“时间性”在创作中的角色有着非常独特的见解,他认为瞬间的灵感固然重要,但更关键的是那些被时间打磨、被遗忘后又重新浮现的、潜意识中的图像记忆。书中对于“观看的疲劳”与“重获新鲜感”之间的辩证关系进行了深入的探讨,这让我想起了自己过去的许多创作瓶颈期,往往不是因为技法生疏,而是因为“看腻了”。这本书提供了一种方法论,教导我们如何有意识地“清除”眼睛的习惯性偏差,如何通过改变观看的距离和角度,来重新激活对世界的好奇心。它没有提供一针见血的快捷键,而是提供了一种更为宏大、更具可持续性的创作生态系统的构建指南。读完之后,我感觉自己的“视觉缓存”被清空了,对日常事物的感知变得异常敏锐,这种状态的提升,远比学会一项新技巧来得更为宝贵和持久。
评分这本书的文字风格,用“跳跃”来形容可能还不够贴切,它更像是一系列精心编排的蒙太奇片段,每一段都带着强烈的个人印记和某种难以名状的疏离感。作者似乎并不关心读者的理解速度,他更热衷于构建一个只属于他自己的、由视觉碎片和非线性叙事构成的世界。起初,我感到有些困惑,仿佛在阅读一本没有目录的诗集,那些关于“界限的消融”或者“边缘的模糊性”的论述,总是带着一种近乎于戏谑的晦涩。然而,随着阅读的深入,我开始体会到这种刻意的“不直接”其实是一种高明的策略。它迫使读者从被动接受信息转变为主动构建意义,每一次试图去捕捉作者意图的努力,最终都导向了对自身既有认知框架的一次审视。书中穿插的那些对不同文化背景下视觉传统的观察,虽然零散,却极大地拓宽了我的视野,让我意识到“如何观看”远比“描绘什么”更为根本和持久。它不是一本让你“学会”某种技巧的书,而是一本让你“重新学会观看世界”的思维训练手册,其价值在于激发而非告知。
评分我一直寻找一本能够真正触及“材料本身”的深度探讨,而这本书在这一点上,完全超出了我的预期。它没有沉溺于对传统媒介的颂扬,反而将大量的篇幅投入到了对媒介特性的哲学反思中。举个例子,书中对“颜料的颗粒感如何影响光线的反射”的描述,已经超越了单纯的化学或物理层面,上升到了一种关于存在论的探讨——即物质如何在被人类感知时获得意义。作者对“不确定性”的拥抱尤为迷人;他似乎坚信,创作中最动人的部分,恰恰是那些无法被完全控制的意外。这种对“失控”的赞美,在如今这个强调精确和可预测性的时代,显得尤为珍贵和反叛。整本书读下来,我感觉自己不再是高高在上的操控者,而是与画笔、画布,甚至与空气中的尘埃共同参与创作的一个环节。它不是教你如何掌控,而是教你如何与媒介共舞,接受它既有的局限,并从中挖掘出无限的可能性。这种对创作过程的敬畏感,是任何标准教程都无法给予的。
评分这部作品,表面上似乎在探讨一个关于色彩与光影的哲学命题,但深入其中,我感受到的是作者对“技法”这一概念的颠覆性解读。它不是一本手把手的教程,也远非那种堆砌着生硬术语的学术专著。相反,它更像是一场与自我内心深处创作欲望的对话,充满了那种初创时期的兴奋与后来的自我怀疑的挣扎。我特别欣赏作者在描述那些看似偶然的笔触时所流露出的那种近乎于“顿悟”的瞬间,仿佛每一次落笔都不是计算的结果,而是一种必然的、无法抗拒的冲动。阅读过程中,我常常停下来,不是因为理解了什么高深的理论,而是被那种纯粹的创作激情所感染,促使我立即拿起手边的工具,哪怕只是在废纸上涂抹几下,去追寻那种稍纵即逝的“对味儿”。这本书的叙事节奏非常松弛,它不急于给你一个答案,而是引导你进入一种更为宽泛的、关于“观看”的全新维度。它教会我们,真正的艺术语言并非来自模仿前人,而是从对周遭世界的细微感知中自然生长出来的有机体。这种体验,对于那些在技术泥潭中挣扎,渴望突破瓶颈的创作者来说,无疑是一剂强心针,让人重新找回了创作最初的纯粹乐趣。
评分这本书的结构安排极其大胆,它似乎故意避开了任何线性讲解的套路。与其说它是一本关于创作的书,不如说它是一份邀请函,邀请读者进入一场关于“感知阈值”的实验场。我特别留意了其中关于“负空间”的讨论,它不是简单地解释留白的作用,而是将其提升到了精神层面,探讨了“缺席”是如何比“存在”更有力量的。这种论述方式,非常具有启发性,因为它强迫你重新审视自己对“完整性”的定义。每次翻开这本书,我都能从不同的章节中提取出全新的领悟,这主要归功于作者的语言具有一种内在的张力,既有古典的严谨,又不乏现代的解构。它没有提供任何具体的“解决方案”,但却为读者提供了无穷无尽的“提问”工具。这种体验是高度私密的,读者的收获完全取决于他/她愿意投入多少自我反思的深度。它像一面镜子,映照出的成品,最终取决于你自身心灵的清晰度。
评分谢谢你,勇猛的bottom up大哥
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