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作者:Yung, Bell

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isbn号码:9780521106887

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• 粤剧
• 戏曲
• 中国戏曲
• 传统文化
• 艺术
• 表演艺术
• 文化遗产
• 广东文化
• 岭南文化
• 戏曲艺术

粵劇的流變與傳承：一部跨越時空的藝術史詩 書名：《梨園薪火：清代中晚期至二十世紀初粵劇的社會文化考察》 內容簡介 本書旨在深入剖析清代中晚期至二十世紀初這一關鍵歷史時期，粵劇（廣府戲曲）在嶺南地區乃至南洋一帶的社會、文化與藝術層面的複雜演變與深層脈絡。這不僅是一部關於戲曲形式本身的梳理，更是一部鑲嵌於特定時代背景下的社會文化變遷史。 第一部：南音的餘暉與戲班的初興 本卷聚焦於粵劇的「前身」——南音的衰微及其對雛形戲班的影響。我們將細緻考察南音藝人（多為瞽師）在社會底層的生存狀態，以及他們如何將口傳敘事的傳統與地方民間音樂元素相融合，為日後戲曲的形成奠定基礎。 歷史背景的重構： 探討鴉片戰爭前後，廣東沿海地區的經濟結構變化對娛樂需求的催生作用。城市化進程加速，市民階層對通俗易懂、情感強烈的藝術形式產生了旺盛的需求。 舞台的雛形： 分析早期戲班的組織結構、資金來源以及演出場所的簡陋特點。此時的粵劇尚未完全定型，風格粗獷，多在街頭巷尾或鄉間廟會上演，與當時的民間信仰和節慶活動緊密結合。重點梳理了早期劇目對歷史故事和民間傳說的依賴性，以及唱腔上受閩南戲曲和地方小調的影響痕跡。 第二部：伶人的社會地位與行當的確立 隨著戲班規模的擴大和演出的專業化，伶人的社會地位成為本時期探討的核心問題之一。 社會光譜中的邊緣群體： 詳盡描繪清末民初，戲班成員（無論男女）在士紳階層眼中的「賤籍」形象，以及他們在社會規範與現實生存之間的掙扎。分析法律條文和地方風俗如何共同界定了伶人的邊緣性。 角色的性別與表演規範： 深入研究當時「男旦」的興盛及其表演技藝的精湛程度。考察在缺乏女性登台的環境下，男旦如何通過服飾、身段和發聲技巧來詮釋不同類型的女性角色，以及這種表演模式如何塑造了觀眾對「美」和「倫理」的傳統認知。同時，探討女子戲班在特定地域的出現與消亡，及其在性別角色解構上的微小嘗試。 行當的精細劃分： 梳理武生、正印、花旦、丑生等主要行當在藝術風格上的初步分化。分析這些行當的「板式」和「做功」如何開始標準化，以適應更大型劇院（如棚廠）的演出需求。 第三部：文人涉足與劇本的轉型 清末民初，隨著知識分子對傳統戲曲的重新審視，粵劇開始經歷一場「雅化」與「改良」的內部變革。 改良思潮的衝擊： 考察受康梁維新變法思想影響的部分知識分子，如何將「開民智」的訴求投射到戲曲改良運動上。重點分析劇目內容從純粹的倫理教化或神怪故事，向針砭時政、批判陋習的「時裝戲」或「改良戲」轉變的嘗試。儘管許多改良嘗試曇花一現，但它們標誌著戲曲主動與時代對話的開端。 劇本的書面化與流傳： 分析在這一時期，如何開始出現較為規範的「戲文」記錄，以取代以往高度依賴口傳的演出模式。研究在紙質出版物興起的大背景下，粵劇劇本（或節錄本）的印刷與發行，這極大地促進了特定唱腔和情節的規範化傳播。 音樂語言的融合與創新： 探討受昆曲、京劇（特別是徽班進京後的影響）以及西方新式音樂的間接影響，粵劇在音樂上如何吸收和消化新的元素，逐漸確立「二黃」、「板眼」等核心聲腔體系，並開始出現更複雜的伴奏編制。 第四部：南洋擴散與海外粵劇社群的建立 二十世紀初，隨著大量華工「下南洋」，粵劇作為重要的文化載體，被帶到了馬來亞、暹羅、新加坡等地，並在異域文化環境中發展出新的面貌。 文化錨點的重建： 分析在異地他鄉，粵劇如何成為維繫海外華僑身份認同和鄉土情感的強大紐帶。劇場成為重要的社交中心，戲班扮演了半個「社區組織」的角色。 本土化的嘗試與挑戰： 考察海外粵劇在選材、語言（如融入當地方言詞彙）和觀眾互動方式上出現的本土化傾向。同時，分析與當地殖民政府的審查制度以及當地其他族群文化的間接碰撞。 結論：邁向現代的關鍵節點 本書總結了粵劇在這一特殊歷史階段所積累的藝術養分、社會張力以及它在文化傳播中的不可替代性。這一時期的粵劇，既保留了深厚的民間傳統，又開始接觸現代文明的衝擊與改良思潮，為二十世紀中葉粵劇的黃金時代奠定了堅實而複雜的藝術與社會基礎。它是一部充滿張力與生命力的「過渡史」。

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这本书给我带来的，是一种全新的视角。我一直以来对粤剧的印象，都停留在一些模糊的画面，比如那些鲜艳的戏服，夸张的妆容，以及一些听不太懂的唱词。但通过这本书，我开始意识到，粤剧远不止于此。它是一种承载着历史、文化、情感的综合艺术。书中对粤剧的起源和发展，以及其在不同历史时期的演变，都做了非常详尽的介绍。我了解到，粤剧并非一成不变，而是随着时代的发展，不断吸收和融合新的元素，才得以保持其生命力。我尤其对书中关于粤剧的社会功能和文化意义的探讨，留下了深刻的印象。它不仅仅是一种娱乐形式，更是一种社会文化现象，反映了岭南人民的生活方式、价值观念以及情感表达。这本书，让我对粤剧的认识，从一个表演艺术，上升到了一种文化符号，一种精神寄托。

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我一直觉得，阅读一本关于艺术的书，最重要的是能够感受到作者的热情和对主题的深入洞察。拿到这本《Cantonese Opera》，我并没有急于去深入研读，而是先随意翻看了几个章节。当我看到某个篇章中对于舞台布景的描述时，我的脑海中便立刻勾勒出一幅生动的画面：古朴的木质舞台，精致的手绘背景，以及那些象征着不同场景的道具。作者在文字的字里行间，仿佛将我带入了真实的剧场，让我亲身感受到了粤剧表演的独特魅力。我尤其关注书中对某个经典剧目的分析，那种对细节的关注，对表演技巧的剖析，都让我看到了作者深厚的功底。我相信，这不仅仅是对粤剧表面的介绍，更是对粤剧精髓的挖掘。我期待它能让我理解，为什么一出简单的戏码，能够在粤语地区流传至今，并且依然拥有如此庞大的观众群体。这本书，让我对这场艺术盛宴充满了好奇和期待，我想知道更多关于它的故事，关于它的传承，关于它如何在时代变迁中保持着自己的独特韵味。

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初次翻阅这本书，我脑海中立刻浮现出那个遥远而又充满魅力的时代。扉页上的“Cantonese Opera”字样，仿佛带着一股古老戏曲特有的韵味，一股难以言喻的文化气息扑面而来。我一直对中国传统艺术怀有浓厚的兴趣，而粤剧，作为其中一颗璀璨的明珠，总是在我心中占据着特殊的位置。它融合了戏曲的唱念做打，又带着岭南地区独特的风情，这种独特的美感，总让我着迷。这本书的装帧设计也相当考究，传递出一种沉静而又富有力量的感觉，让人忍不住想要一探究竟。我期待着它能带领我走进粤剧的世界，去了解它的发展脉络，去感受它在历史长河中的变迁，去认识那些为之奉献一生、塑造了无数经典角色的艺术家们。也许，这本书能让我对那些身着华丽戏服、唱着婉转曲调的人物形象有更深刻的理解，明白他们背后所承载的文化意义，以及这些表演艺术是如何在时光的打磨中，依然散发出勃勃生机。它不仅仅是一本书，更像是一扇窗，让我能够窥见那个属于粤剧的辉煌年代。

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这次阅读的体验，对我而言，更像是一次意外的发现之旅。我原本以为，一本关于“Cantonese Opera”的书，可能会充斥着枯燥的术语和历史考证，但我错了。这本书的语言风格非常平易近人，仿佛是和一个老朋友在闲聊，将那些原本可能晦涩难懂的知识，娓娓道来。我尤其欣赏书中对粤剧唱腔的解读，那些关于声调、韵律、情感的描述，让我仿佛能听到那些优美的唱段在耳边回响。我一直认为，音乐是理解一种文化最好的方式之一，而这本书，恰恰让我通过粤剧的音乐，去感受粤语地区独特的文化氛围。它让我明白了，为什么粤剧的唱腔能够如此深入人心，为什么它能够成为一种如此受欢迎的艺术形式。我相信，通过这本书，我将能够更深入地理解粤剧的魅力所在，不仅仅是视觉上的享受，更是听觉上的盛宴，以及文化上的共鸣。

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当我拿起这本书的时候，我其实是抱着一种放松的心态，希望能够找到一些轻松有趣的阅读内容。毕竟，对于我来说，粤剧并非我日常接触最多的艺术形式。然而，这本书的开篇就以一种意想不到的叙事方式吸引了我。它没有直接切入复杂的理论，而是通过几个生动的故事，将我带入了一个充满人情味的世界。我看到了那些在舞台上闪耀的明星，也看到了他们在幕后付出的辛勤努力。书中对于人物情感的刻画，以及他们与粤剧结下的不解之缘，让我深感共鸣。我发现，原来艺术的背后，隐藏着如此多动人的故事。我迫不及待地想继续阅读下去，想知道更多关于这些艺术家们的人生经历，想了解他们是如何将自己的生命融入到粤剧的表演之中。这本书，让我对粤剧的看法从一种略显疏远的艺术形式，转变为了一种充满温情和人情味的文化载体。它让我看到了艺术与生活的紧密联系，也让我感受到了文化传承的力量。

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