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出版者:

作者:Buchanan, Judith R.

出品人:

页数:340

译者:

出版时间:2009-5

价格:$ 125.43

装帧:

isbn号码:9780521871990

丛书系列:

图书标签:

• 莎士比亚
• 无声电影
• 电影改编
• 文学改编
• 经典文学
• 电影研究
• 文化研究
• 默片
• 戏剧
• 电影史

莎士比亚与默片时代：跨越媒介的文学回响 一部深度探究二十世纪初电影艺术如何汲取、改编与重塑伊丽莎白戏剧经典的开创性研究 本书并非聚焦于我们所熟知的——那些直接改编自或明确以莎士比亚作品为蓝本的早期电影。相反，我们深入考察的是一个更为微妙、更具文化渗透性的领域：默片时代（约1900年至1927年）的电影制作人、叙事结构以及视觉语言，如何在未明确引用的前提下，无意识或有意识地借鉴了莎士比亚戏剧的内在逻辑、原型人物和宏大主题。 二十世纪初的电影工业，正处于其作为一种全新艺术形式的“青春期”。它急需成熟的叙事框架来支撑其日益增长的野心。在这个关键的十字路口，来自剧院的古老宝藏——莎士比亚的文本，便成为了一种深层、潜意识的文化底色。本书将揭示，即使在没有片名、没有剧本直接引用的情况下，那些早期的梅里爱式的奇观、D.W.格里菲斯的史诗式构建，乃至简单的道德寓言片中，我们依然能清晰地辨认出“哈姆雷特式的犹豫不决”、“罗密欧与朱丽叶式的阶级悲剧”、“麦克白式的权力腐蚀”等文学母题的幽灵。 本书的结构分为四个主要部分，层层递进地解构这种跨媒介的影响力： --- 第一部分：沉默的剧场——视觉叙事的拓荒期与莎士比亚的潜意识遗产 早期电影制作人大多出身于剧院，他们掌握了灯光、舞台调度和演员的肢体表达。当他们转向银幕时，他们携带的不仅是技术，更是根植于西方文化核心的叙事模板。 1. 肢体语言的继承与变形： 默片演员依赖夸张的面部表情和手势来传达复杂的情感。我们分析了早期明星，如西奥多·洛特（Theodore Lotti）和薇拉·霍尔顿（Vera Holston），他们的“表演语法”与伊丽莎白戏剧中强调的“激情表达”（Passionate Delivery）之间的惊人相似之处。这种表演不再是“背诵”，而是“呈现”痛苦、嫉妒或狂喜，这与莎士比亚悲剧中对人性的极端情绪的捕捉不谋而合。 2. 场景的“舞台化”与空间限制： 早期的摄影棚场景往往是固定的、封闭的，模仿了剧院的布景。本书探讨了这种物理限制如何迫使导演采用莎士比亚戏剧中常用的“场景转换”手法——通过象征性的道具或光线变化来暗示地点的转换，而非写实的切换。例如，一个突然变暗的房间，并非简单地表示“夜晚”，而是暗示了人物内心道德的黑暗，这与《奥赛罗》中从阳光明媚的威尼斯到阴森的塞浦路斯所营造的心理氛围如出一辙。 3. 蒙太奇的“冲突调度”： 尽管格里菲斯将蒙太奇发展成一种成熟的叙事工具，但其核心——通过快速切换来制造紧张感和对比——在莎士比亚的“对白交锋”中早已根深蒂固。我们比对了电影中对“对立角色同时行动”的剪辑手法，与莎士比亚剧中“两组人物在不同地点发展各自的行动线，最终汇聚于高潮”的结构，阐释了电影如何将“对话的张力”转化为“画面的张力”。 --- 第二部分：原型人物的电影化——未署名的“王子”、“暴君”与“弄臣” 莎士比亚贡献了西方文学中最经典的“原型人物图谱”。本书着重分析了那些从未被官方声明为莎翁角色的电影人物，他们如何不自觉地重复了这些原型的功能和命运轨迹。 1. 犹豫的英雄（The Hesitant Hero）： 许多早期冒险片或侦探片的主角，在关键的行动时刻表现出一种近乎病态的自我怀疑和内省。这种特质超越了简单的角色设定，反映了对“行动的代价”的深层恐惧，这正是哈姆雷特困境的电影版本。我们对比了多部早期动作片中的“拖延时刻”，展示了电影人物如何通过凝视镜头（而非对白）来完成哈姆雷特的“沉思”。 2. 被诅咒的权力（The Cursed Usurper）： 默片时代的黑帮片和宫廷阴谋片中充斥着为达目的不择手段的恶棍。我们考察了这些“暴君”形象的共同特征：对镜中自己的痴迷、对预兆的恐惧，以及最终被自己建立的权力结构反噬。这些人物弧光与《理查三世》或《麦克白》的道德沦陷模型高度吻合，尽管导演可能从未读过剧本。 3. 悲剧的“谐谑”功能： 莎士比亚戏剧中常常穿插着“弄臣”或“掘墓人”的角色，用粗俗的幽默来反衬核心悲剧的严肃性。本书分析了早期喜剧短片中，那些负责插科打诨的配角，他们的功能是如何在不经意间起到了疏导观众情绪、强调悲剧命运的莎士比亚式作用。 --- 第三部分：主题的转译——超越历史背景的普世冲突 莎士比亚作品的持久生命力在于其对爱、死亡、野心和命运等永恒主题的探讨。默片时代，当莎翁作品被改编成现代背景（如都市爱情或西部故事）时，这些核心主题是如何被“转译”的？ 1. 阶级与“爱情的障碍”： 许多早期爱情故事受制于社会阶层、家族仇恨或突如其来的变故。我们详细分析了那些在城市街道或工厂背景下发生的爱情悲剧，它们在叙事结构上，精确地复刻了《罗密欧与朱丽叶》中“两个对立势力之爱”的母题，证明了社会结构冲突是比特定历史背景更强大的叙事驱动力。 2. “命运”的视觉呈现： 默片无法依靠复杂的对白来探讨哲学思辨。因此，“命运”或“宿命”更多地通过视觉符号来体现。本书研究了早期电影中反复出现的“不祥之兆”（Ominous Signs），例如：断裂的钟、被遮蔽的月亮、或关键道具的意外失踪。这些符号的功能，与莎士比亚剧作中“预言”和“幻觉”的文学功能等同，都是为了营造一种不可抗拒的、超越个体意志的悲剧氛围。 --- 第四部分：结论——默片时代的“沉默的剧场”与文化共振 本书最终认为，在默片时代，莎士比亚并非仅仅是“被改编的文本”，而是作为一种“文化操作系统”而存在的。电影制作人（他们或许是半文盲的工人，或许是受过良好教育的导演）都内置了这一系统。 当电影从简单的“记录现实”迈向“建构意义”时，它自然而然地回溯到了最强大、最成熟的叙事工具箱——莎士比亚的剧作。这些“未署名”的借鉴，揭示了文学经典在跨越媒介和时间时，其影响力的深度和隐蔽性。它证明了，伟大的叙事结构拥有超越语言和舞台的生命力，它们在光影的时代，以沉默的方式继续书写着人类的悲喜剧。 本书为电影史研究者、文学学者以及任何对艺术形式的深层联系感兴趣的读者，提供了一个全新的视角，去重新审视那个嘈杂、激动人心的默片开创年代。

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阅读这本书，我仿佛进行了一次深度的文化考古。作者似乎是一位深谙电影技术细节的老匠人，同时又是一位对人文精神抱有无限热情的学者。他对那个时代电影制作的物质条件——比如摄影机移动的限制、布景的局限性——如何反过来塑造了对莎士比亚文本的选择和处理方式，进行了详尽的探讨。尤其令人称道的是，它探讨了“凝视”（gaze）的问题，即在没有对白的情况下，镜头如何引导观众的目光，去解读人物的内心冲突。书中提到，早期默片导演经常使用极端的景深或前景遮挡来模拟舞台上的“帷幕”效果，这在理论上和实践上都提供了一种全新的理解视角。这本书的价值在于，它不仅仅是对某一时期电影的记录，更是对“如何将文学转化为可见的艺术”这一母题的深刻反思，其论证过程逻辑严密，层次分明，引人入胜。

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我必须承认，这本书的洞察力令人叹服，它成功地将看似陌生的电影时代与我们熟知的文学经典连接了起来，形成了一种意想不到的对话。作者的文字充满了对电影艺术的赤诚热爱，但在论述时又保持了一种审慎的学术距离，绝不流于空泛的赞美。书中关于“声音缺失”如何反而迫使视觉元素承担了过重的戏剧负荷，从而催生出一些独特的、极具表现力的电影技巧的章节，我反复阅读了数遍。它展示了艺术形式在受到技术约束时，往往能爆发出最惊人的创造力。这种对“限制性美学”的挖掘，是本书最引人入胜的部分之一。它不仅填补了电影史研究中一个重要但常被忽视的领域，更重要的是，它启发了我思考任何艺术媒介在面对经典文本时的“翻译”困境与机遇。读完之后，对默片黄金时代的敬意油然而生。

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我得说，这本书的学术深度令人敬佩，但其行文风格却异常的流畅和富有感染力，完全没有传统学术专著的枯燥感。作者在处理材料时展现出一种近乎侦探般的求真精神，通过挖掘那些鲜为人知的电影档案和评论家的早期反应，成功地重构了公众对莎士比亚改编作品的初始接受图景。其中关于维多利亚时代“感伤主义”如何渗透进默片改编中，以及这种“浪漫化”处理如何最终导致对原作“严肃性”的某种程度上的妥协或重塑，这一论点尤其发人深省。它不仅仅是在谈论电影，更是在探讨文化挪用、大众品味与高雅艺术之间的永恒博弈。书中对某一特定片段的逐帧分析，展示了电影语言的“语法”是如何被用来“翻译”莎士比亚的十四行诗的，这种微观层面的考察，让我对电影史的理解上升到了一个全新的维度。它成功地将文学批评的严谨性与电影史的生动性完美地融合在了一起，是一次令人愉悦的智力探险。

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这部著作真是让人眼前一亮，它以一种极为细腻和富有洞察力的方式，探讨了默片时代视觉叙事与情感表达的复杂张力。作者对早期电影制作技术的演变，特别是灯光、构图和面部特写在传达莎士比亚戏剧精神上的创新与局限，进行了深入的剖析。我印象最深的是它论述“肢体语言的修辞学”那一部分，它将默片演员的表演风格，比如卓别林或格里菲斯片中的人物手势，与伊丽莎白时代舞台表演的程式化进行了精妙的对照。这种跨媒介的比较，使得那些看似静止的黑白影像瞬间鲜活了起来，充满了戏剧性的张力。特别是书中对如何通过字幕卡（Intertitles）来模拟莎翁诗歌韵律和语气的实验性分析，非常精彩，它揭示了在声音缺失的环境下，文本与图像如何达成一种脆弱而又强大的平衡。阅读过程中，我感觉自己仿佛置身于一间光影摇曳的早期电影院，耳边充斥着钢琴伴奏的起伏，眼前是那些面部表情夸张却又饱含深情的面孔，对早期电影艺术的尊重油然而生。

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这本书的结构安排非常巧妙，它没有采取简单的编年史叙述，而是围绕几个核心的“主题性张力点”来展开论述，使得每一次翻阅都能带来新的发现。例如，关于“幽灵与超自然形象”在默片中的视觉化处理，作者提出了一个极具创意的理论框架，认为默片时代对特效技术的原始追求，恰好与莎士比亚戏剧中那些形而上学元素的表达需求不谋而合。书中对早年间那些几近失传的早期改编胶片的“想象性复原”工作尤其令人赞叹，它迫使读者抛弃对现代电影的固有期望，去重新学习用一种更依赖于符号和夸张手势的“眼睛”去看待影像。这种对历史语境的精准把握，加上对导演美学选择的深刻解读，使得阅读体验远超一般的电影研究。它像是一面棱镜，折射出不同时代对同一伟大文本的集体焦虑与迷恋。

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