具体描述
The photography of Angus McBean encompasses more than three decades of the history of British theater. His work includes most of the memorable productions of the Old Vic Company and of what is now the Royal Shakespeare Company; opera productions at Glyndebourne and the Royal Opera House, Covent Garden; ballet and operetta at Sadler's Wells; and West End productions of plays and musicals both old and new hundreds of productions in all. He was the favorite photographer of Vivien Leigh, Laurence Olivier, and Edith Evans, and he photographed countless plays starring John Gielgud, Ralph Richardson, and Alec Guinness, not to mention younger stars such as Audrey Hepburn, Richard Burton, and Elizabeth Taylor. In fact, McBean photographed virtually every great actor of his era, perhaps the most brilliant years in the annals of British theater.
His studio was active and eclectic; among his patrons were not only actors, singers, and dancers, but also playwrights, producers, composers, artists, and writers. In his early career, McBean had been a pioneer of surrealist photography, with a highly popular series of "surrealized" portraits that appeared in The Sketch, and, later, of montage and multiple-exposure photography in a long-running series for The Tatler.
In 1969, McBean approached Harvard University to initiate the sale of his collection, and in the following year his archive of glass plate negatives, index prints, and programs, together with the copyrights, became a part of the Harvard Theatre Collection, where it remains the most often-requested collection of visual material. The photographs in this book, selected and captioned by the archive's curator, Fredric Woodbridge Wilson, have been carefully reproduced from the original negatives.
For anyone interested in the history of twentieth-century theater or the figures who made the British stage so fascinating, this is a book that rolls back the curtain to reveal a cast of stars.
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用户评价
我买这本书完全是冲着那些独特的“幕后”视角去的，期望能看到一些不常公开的排练花絮或者灯光测试的场景。结果发现，它更多的是聚焦于“定妆照”和“首演盛况”的捕捉，那种高度程式化、精心设计的舞台定格画面占据了绝大部分篇幅。这本身无可厚非，毕竟它记录的是一个“演出”的完成形态。不过，我个人略感遗憾的是，缺少了更多关于“创作过程”的碎片。比如，导演与演员在排练中的即兴互动，或者道具在运输过程中的窘境，甚至是灯光师在后台焦急调整灯束的瞬间。这些充满“人味儿”的、略带瑕疵的瞬间，往往能更真实地勾勒出一个剧团的集体形象。这本书呈现的是一个近乎完美的、被神化的舞台世界，每一个人物都摆出了最符合其角色设定的姿态，这固然美丽，却也牺牲了一部分鲜活的、充满生命力的现场感。总体来说，它更像是一部“舞台艺术的精修版相册”，而非“戏剧人生实录”。
评分坦率地说，这本书的叙事结构略显松散，它更像是按时间线索或者剧目类型粗略划分的章节集合，缺乏一个贯穿始终、强有力的哲学论点来串联起所有的视觉材料。阅读体验上，更像是翻阅一本精美的年鉴，每一页都是独立的赏析点，缺乏一种持续的、线性的引导。当我读到后半部分时，开始有些许的审美疲劳，因为主题总是围绕着相似的布景模式和面部表情进行循环展示。我期待的是一个更具批判性的视角，也许是对特定风格的颠覆性探讨，或者对某一标志性设计师美学思想的深入剖析。但这本书似乎更倾向于“记录者”而非“评论家”的角色，它给了你足够的素材让你自己去脑补和解读，却不主动递给你一把解开所有谜团的钥匙。这让一些渴望获得清晰知识体系的读者可能会感到有些意犹未尽，仿佛面前摆着一桌丰盛的菜肴，却缺少了一份精妙的烹饪说明书。
评分这本书的装帧和印刷质量，绝对是顶级的，这几乎是毋庸置疑的。那些大幅的铜版纸印刷，色彩的还原度惊人，即便是几十年前拍摄的黑白照片，其层次感和颗粒细腻度也达到了博物馆级别的展示效果。我可以花上大半个小时，就对着其中一幅关于某个歌剧布景的照片出神。特别是那些展现宏大场景的照片，透视感极强，仿佛透过相纸的介质，我能听到台下观众的呼吸声和舞台上乐队的齐奏。我甚至能清晰地辨认出服装面料的纹理——绸缎的光泽、天鹅绒的厚重感，这在低质量的影印本中是绝对无法体会的。对于痴迷于收藏高品质艺术书籍的人来说，仅仅是这份印刷品的工艺水准，就足以值回票价。这本书的物理存在感，本身就是对艺术的一种致敬，它成功地将二维的影像转化为了一种具有触感和重量感的艺术品。
评分这本书的文字部分，说实话，读起来颇有些费劲，它采用了一种非常学术化、近乎于考据的笔调来叙述，充满了大量的专业术语和对特定演出季的细致分析，这对我这个只是略知皮毛的普通戏剧爱好者来说，确实是个不小的挑战。我常常需要停下来，查阅一些背景资料，才能完全理解作者是如何将这些视觉材料与当时的社会文化思潮联系起来的。然而，一旦你沉下心来，你会发现其深度令人惊叹。作者似乎对每一张照片背后的历史背景、赞助人、甚至是布景师的生平都有着详尽的掌握。这种近乎于档案整理的严谨性，使得这本书不仅仅是一本图册，更像是一部关于特定时期英国戏剧视觉文化演变的重要文献。它迫使读者跳出单纯欣赏画面的层面，去思考艺术是如何被创造、被消费、被记录的。这种深挖内幕的写作风格，虽然不适合轻松阅读，但对于想要深入研究那个领域的人来说，无疑是金矿级别的资料。
评分这部书真是让人眼前一亮，装帧设计就透着一股子老派的优雅，那种厚重的纸张和精致的印刷，让我仿佛能闻到旧剧院里散发出的那种木头和油彩混合的味道。我一翻开，立刻就被那些黑白照片的魅力牢牢抓住了。它不仅仅是记录了某个特定时期的舞台布景或服装，更像是捕捉到了那些转瞬即逝的魔力瞬间。摄影师的功力毋庸置疑，他对光影的运用简直是炉火纯青，能将舞台上那种戏剧性的氛围，那种微妙的情感波动，一丝不苟地定格下来。我特别喜欢其中一些对演员肖像的捕捉，眼神里充满了故事，每一个手势，每一个侧脸的角度，都仿佛在无声地诉说着他们所扮演角色的灵魂。坦白说，我对那个时代的具体戏剧细节可能了解不多，但光是看这些影像，我就能感受到一种扑面而来的艺术张力，那种纯粹依赖舞台灯光和演员自身魅力去震撼观众的时代印记，对比现在高科技满布的舞台，更显得弥足珍贵。这本书无疑是为所有热爱舞台艺术、对视觉美学有追求的人准备的珍藏品，它让我沉醉于那个黄金时代的舞台魅力之中，久久不能自拔。
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