The New Biographical Dictionary of Film pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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作者:Thomson, David

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价格:31.95

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isbn号码:9781435291164

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《光影史诗：电影百年变迁录》 一部横跨世纪的电影编年史，深入剖析银幕艺术的演进与革新 本书并非一部传统的电影人名录，而是对电影艺术本身进行的一次宏大而细致的考察。我们聚焦于“电影”这一媒介在过去一百多年间如何从技术奇观蜕变为一门成熟的艺术形式，以及它如何深刻地反映、批判并塑造了人类社会的面貌。 第一部分：默片的黎明与工业的诞生（1895-1927） 本部分追溯了电影的起源，重点描绘了卢米埃尔兄弟的纪实性开端，以及乔治·梅里爱如何首次揭示了电影的魔幻潜力。我们详细分析了早期电影制片厂如何在好莱坞的阳光下迅速聚集，形成一个高效、标准化的工业体系。 我们将深入探讨表现主义（Expressionism）在德国的兴起，分析弗里茨·朗等导演如何利用布景的扭曲和光影的对比，将内在的心理冲突外化于银幕之上。同时，美国电影的“好莱坞叙事模式”如何确立了其在商业上的统治地位——清晰的因果链、强烈的英雄主义和明确的道德界限。 重点章节会放在对格里菲斯《一个国家的诞生》的复杂解读上，探讨其里程碑式的叙事技巧与不可回避的历史偏见之间的矛盾性。此外，我们考察了巴斯特·基顿和查理·卓别林等喜剧大师，如何通过肢体语言和对社会边缘人物的同情，在无声的媒介中达到了情感的巅峰。 第二部分：声音、色彩与黄金时代的繁荣（1927-1950） 有声电影的到来无疑是电影史上最剧烈的技术革命。本部分详细描述了从有声到彩色技术的过渡时期，分析了这些变革如何重塑了叙事节奏和表演方式。爵士乐的引入，使得歌舞片成为可能，并催生了新的明星体系。 我们关注的是“制片厂制度”的鼎盛时期，即好莱坞的“大制片厂”如何如同古罗马的贵族家族，控制着从剧本开发、明星合约到院线发行的每一个环节。这催生了类型片的成熟：黑色电影（Film Noir）的诞生，它以其宿命论的基调、复杂的女性形象和低调的摄影风格，反映了二战后美国社会的焦虑与道德模糊。 国际影坛的并进同样不容忽视。意大利的“白色电话”电影的精致与逃避主义，与现实主义的萌芽形成了鲜明对比。而在欧洲，让·雷诺阿的诗意现实主义，则在精致的社会观察中注入了对底层人民的深刻关怀。我们通过分析这些作品，揭示了电影是如何在商业压力与艺术追求之间寻求微妙的平衡。 第三部分：战后重塑——现代主义的冲击（1950-1970） 二战结束后，欧洲的社会和经济结构发生了巨变，这直接催生了对传统电影语言的反叛。本部分聚焦于欧洲电影的“现代主义转向”。 意大利新现实主义（Neorealism）的崛起，标志着对摄影棚的告别。罗塞里尼和德西卡将镜头推向了废墟般的街道，启用非职业演员，试图捕捉日常生活的残酷真实。紧接着，法国新浪潮（Nouvelle Vague）以前所未有的自由度，挑战了“作者论”（Auteur Theory）的确立。特吕弗和戈达尔通过跳接、手持摄影和对经典电影的直接引用，宣告了导演作为电影唯一“作者”的地位，他们将电影视为一种高度个人化的表达。 与此同时，美国电影也经历了深刻的自我审视。以约翰·福特为代表的传统价值观受到挑战，而像费里尼和安东尼奥尼这样的欧洲大师，则通过探索异化、疏离和沟通的障碍，深刻描绘了战后个体精神的迷失。 第四部分：类型片的颠覆与新好莱坞的诞生（1970-1980） 随着老派制片厂制度的瓦解，一股受到欧洲现代主义熏陶的新一代美国电影人崛起，他们将艺术野心与商业技巧完美结合。本部分详述了“新好莱坞”的兴衰。 科波拉、斯科塞斯、斯皮尔伯格等导演，带着对类型片的深刻理解和对社会问题的尖锐洞察，对西部片、黑帮片进行了彻底的解构与重建。我们分析了《教父》如何将黑帮题材提升至莎士比亚式的家族悲剧高度，以及《出租车司机》如何赤裸裸地展现了都市的病态心理。这一时期的特点是，导演获得了极大的创作自由，使得电影在保持商业吸引力的同时，也具备了深刻的社会批判性。 然而，这种自由的巅峰也伴随着商业上的巨大风险。《天堂之门》的失败标志着新好莱坞黄金时代的结束，并为后来的“大片”（Blockbuster）时代的到来埋下了伏笔。 第五部分：数字时代与全球视野的拓展（1980至今） 本部分考察了技术进步对电影制作和消费模式的颠覆。电脑特效（CGI）的成熟，彻底改变了动作片和科幻片的形态，使得不可思议的视觉奇观成为常态。 全球化进程加速了不同电影文化之间的交流与融合。香港的武术电影以其独特的剪辑和动作设计风格，对好莱坞产生了不可磨灭的影响。亚洲，特别是韩国电影的崛起，展示了其在类型片创新和对社会阶层议题的深刻探讨上的独特能力。 我们探讨了独立电影（Independent Cinema）在主流商业压力下的生存与发展，以及流媒体平台的兴起如何模糊了“电视剧”与“电影”的边界，对传统院线发行构成了根本性的挑战。本书的最后部分，是对当代电影语言的总结与展望，思考在信息爆炸的时代，电影作为一种叙事艺术将走向何方。 通过对上述五个阶段的详尽梳理，本书旨在为读者提供一个理解电影作为一种复杂、多维度艺术形式的全面框架，而非仅仅停留在对著名人物的罗列之上。它是一部关于观看、理解和历史的著作。

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这是一部绝对应该摆在任何严肃电影爱好者的书架上的工具书，但它绝非那种冷冰冰的参考手册。我之前收藏了几本类似的辞典，大多在介绍完人物的代表作后就戛然而止，让人感觉像是在看一份履历表。然而，这本《新传记词典》的高明之处在于，它成功地在“百科全书”的严谨性和“传记文学”的感染力之间找到了一个完美的平衡点。它的词条撰写者显然是深谙电影史的行家，他们不仅知道“谁演了什么”，更知道“为什么那部电影在当时很重要”，以及“这个人的风格如何影响了后来的电影制作”。我特别关注了它对一些外国电影流派代表人物的介绍，比如对意大利新现实主义运动中几位鲜为人知的摄影师的描述，信息量大得惊人，而且分析得入木三分。书中引用的那些轶事和评论，都像是经过精心筛选的，既能丰富人物形象，又不会显得过于八卦或轻佻。我发现，阅读这本书的过程，其实是一个不断修正自己原有电影观点的过程。它迫使你去思考，那些你视为经典的镜头背后，究竟凝聚了多少幕后英雄的心血和智慧。对于想要进行深度研究的学者或狂热影迷来说，这本书的价值远超其标价，它提供了一个全面而富有层次的电影人物图谱。

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这本书真是让人大开眼界，尤其是对于那些对经典电影痴迷的影迷来说，简直就是一本宝藏。我最近沉迷于研究上世纪中叶的好莱坞黄金时代，而这本厚厚的辞典，就像一个私人的向导，把我带回了那个星光熠熠的年代。它不仅仅是罗列演员、导演的名字和生卒年那么简单，它的笔触非常细腻，对每一个被收录的人物，无论是家喻户晓的大明星还是幕后默默奉献的技术人员，都有着深刻的洞察和精炼的总结。我尤其欣赏它在描述人物的职业生涯转折点时所展现出的那种历史感和局限性——它不会用现代的眼光去评判过去的得失，而是将其置于当时的电影工业背景下进行考量。比如，它对某位早期默片时代导演晚年陷入困境的叙述，充满了对时代变迁的无奈，读起来让人唏嘘不已。它的篇幅之大，内容之全，甚至让我开始重新审视一些过去被我忽略的配角，他们的故事往往比那些光芒万丈的主角更具传奇色彩和人性的复杂。翻阅这本书，就像是与无数电影人进行了一场跨越时空的对话，他们的成功、挣扎与最终的遗产，都被这本书用一种近乎学术的严谨和近乎文学的优美给呈现了出来。我常常是抱着“随便查个名字”的心态翻开它，结果却常常因为被某个小传记中描述的某个鲜为人知的故事吸引，而一头扎进去，忘记了时间。

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这本词典的覆盖面之广，实在令人赞叹。我曾试图用它来查找一些非常冷门的、只出现过一两部作品的欧洲艺术片工作者，心想这大概是它的极限了，结果它竟然还能提供出相当详尽的背景信息，这让我对编辑团队的“地毯式”搜集工作肃然起敬。它不像很多同类书籍那样，只关注好莱坞和欧美主流电影圈，而是相当平衡地涵盖了全球范围内的重要贡献者。我通过它了解了七十年代日本新浪潮运动中一位关键的剧作家的生平，以及他们如何将传统日本叙事融入到现代主义的框架之中，这种跨文化的洞察力是极其宝贵的。这本书的价值在于，它将电影史的版图大大拓宽了，不再局限于传统的西方中心论。而且，在信息更新迭代如此迅速的今天，它能将如此庞大且易逝的电影人信息系统地保存下来，本身就是一项了不起的成就。每当我感到对电影史的理解有些狭隘时，我都会翻开这本词典，随便点开一个不认识的名字，总能收获一段关于电影作为一种全球性艺术的深刻见解。它像是一张详尽的星图，让迷失在时间长河中的光点重新显现。

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说实话，一开始我对这本看起来如此“厚重”的词典心存畏惧，生怕它会是那种晦涩难懂、充满了学院派术语的文字堆砌。然而，实际阅读体验完全出乎我的意料，它的行文流畅、叙事引人入胜，即便是对电影理论不太精通的普通读者，也能轻松地进入状态。它的编辑水准极高，确保了每个词条的风格虽然各异，但整体上保持了一种专业而平易近人的基调。我发现它在处理那些“争议性”人物时尤为谨慎和老道。它不会简单地将某位导演贴上“天才”或“失败者”的标签，而是会并列呈现不同时期评论界对他的褒贬，最后以一种开放式的总结收尾，留给读者自行判断的空间。这种克制的叙事手法，让这本书的权威性不言而喻。我尤其欣赏其中对一些被低估的女性电影人所给予的篇幅和深度，在很多老旧的资料中，这些名字往往只有寥寥数语，但在这本书里，她们的贡献被清晰地梳理和肯定，这对于修正我们对电影史的片面理解，具有非常积极的作用。这本书不仅仅是记录历史，更是在主动地纠正历史的偏见。

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我一直觉得，好的电影词典应该具备一种“时间胶囊”的特质，能够定格住一个时代的声音和面貌。这本书在这方面做得极其出色，它仿佛用一种极其精确的刻刀，雕刻出了自默片时代至今，那些塑造了我们集体视觉记忆的关键人物群像。我最喜欢它对那些“技术天才”的重视。我们通常只记得那些站在聚光灯下的面孔，但这本书却花费了大量的篇幅去详述那些在声音设计、剪辑艺术或灯光调度上做出革命性贡献的人物。我查阅了其中关于一位早期好莱坞剪辑师的条目，书中详细描绘了她是如何在没有现代非线性编辑系统的年代，通过纯粹的“感觉”和对叙事节奏的把握，创造出那些标志性的蒙太奇效果。那种描述充满了敬意，让你仿佛能听到胶片在剪刀下切割的声音。这种对幕后工艺的尊重，使得这本书的整体格调非常高雅，它提醒我们，电影艺术从来都不是某个孤胆英雄的产物，而是一场集体智慧的结晶。读完后，我对下一部老电影的重温，都会多了一层对“谁做了什么”的探究欲。

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