Concise Oxford Dictionary of Art and Artists pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:Chilvers, Ian (EDT)

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:25.99

装帧:

isbn号码:9781435298385

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 艺术史
• 艺术家
• 牛津
• 词典
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 西方艺术
• 艺术参考书

艺术与艺术家：一部通识性艺术史画卷 《艺术与艺术家：一部通识性艺术史画卷》 旨在为艺术爱好者、学生以及所有希望深入了解视觉艺术世界的人们，提供一份全面、生动且富有洞察力的指南。本书并非仅仅罗列艺术史上的关键人物和作品，而是一部构建宏大叙事、解析艺术演变逻辑的通识性作品。 本书的结构设计旨在引导读者穿越时空的迷雾，从史前洞穴壁画的原始冲动，一直走到当代语境下艺术的多元表达。我们致力于揭示艺术如何作为人类文明的镜子，映照出不同时代社会结构、哲学思潮、技术进步以及精神追求的深刻变迁。 第一部分：起源与奠基——古代艺术的世界（约公元前 30000 年至公元 400 年） 本部分将带领读者探索艺术的童年时期，追溯其在人类生存与精神需求中的根基。 史前艺术的神秘回响： 我们将详细考察欧洲的拉斯科和阿尔塔米拉洞穴壁画，分析这些图像背后的狩猎仪式、宇宙观念与符号系统。重点探讨了新石器时代的巨石阵（如巨石阵）如何标志着人类对空间、时间和宇宙秩序的早期理性思考与集体实践。 美索不达米亚与古埃及的永恒追求： 这一章节深入剖析了两河流域（苏美尔、阿卡德、巴比伦、亚述）艺术的权力象征性与宗教叙事。随之，我们聚焦于古埃及的艺术“永恒性”原则——从金字塔的宏伟工程到图坦卡蒙陵墓中精湛的工艺，解析其严苛的规范、象形文字的视觉力量以及对来世的执着构建。 古典艺术的黄金时代：古希腊与古罗马： 古希腊部分，我们将追溯从几何时代到希腊化时期的雕塑演变，深入探讨“理想美”的追求，分析多立克、爱奥尼亚和科林斯柱式的哲学内涵。我们不仅关注帕特农神庙，更细致分析菲狄亚斯和波留克列特斯对人体比例的数学化处理。进入古罗马部分，重点转向其实用主义与帝国叙事，解读万神殿的建筑成就、凯旋门的宣传作用以及写实肖像画如何服务于政治目的。 第二部分：信仰的载体与秩序的重塑——中世纪的艺术（约公元 400 年至 1400 年） 中世纪艺术是西方精神史的关键篇章。本部分关注基督教思想如何彻底重塑艺术的形态和功能。 早期基督教与拜占庭的辉煌： 探讨君士坦丁大帝之后，艺术如何从世俗走向神圣。拜占庭艺术，尤其是圣索菲亚大教堂的镶嵌画，如何以其平面化、程式化的圣像画，构建了一个超越尘世的、光芒四射的“天堂景象”。 罗马式与哥特式的结构革命： 我们将详细解析罗马式教堂的厚重与防御性，以及它如何通过壁画和浮雕向文盲信徒传达《圣经》故事。随后，我们将迎来哥特式艺术的飞跃：从早期的法兰西王室所在地，分析肋拱、飞扶壁和尖拱如何实现了建筑的“骨架化”，使得高耸的彩色玻璃窗成为可能。圣礼拜堂的圣像艺术，展示了光线与色彩如何在神学框架内达到极致的象征性表达。 第三部分：人性的觉醒与视角的革命——文艺复兴与巴洛克（约 1400 年至 1750 年） 这是艺术史上最激动人心的变革时期之一，人类中心主义的回归与科学观察的结合，彻底改变了艺术的创作方式。 意大利文艺复兴的“三巨头”与人文主义： 本章细致梳理佛罗伦萨如何成为艺术复兴的摇篮。我们分析马萨乔对透视法的数学应用，波提切利对古典神话题材的浪漫化处理。重点深入剖析达·芬奇对自然解剖学的痴迷（以及《蒙娜丽莎》中的“空气透视法”），米开朗基罗在西斯廷教堂中对人体雕塑潜能的极致发掘，以及拉斐尔如何平衡古典和谐与基督教主题。 北方文艺复兴的细节与现实主义： 探究尼德兰地区，特别是扬·凡·艾克的油画媒介创新，如何使得对物质世界纹理的描绘达到了前所未有的细致程度。我们将比较荷兰与意大利艺术在关注点上的差异。 巴洛克的激情与戏剧： 紧接着文艺复兴的平衡，巴洛克艺术以其强烈的动感、光影对比（明暗对比法）和情感张力回应了反宗教改革的需求。卡拉瓦乔的“自然主义”与戏剧化光线，贝尼尼雕塑中“定格的瞬间”与流动的材质感，以及鲁本斯笔下充沛的生命力，共同构成了这一时期的标志。 第四部分：理性的束缚与情感的爆发——启蒙运动至浪漫主义（约 1750 年至 1850 年） 艺术开始对社会变革和哲学思潮做出直接回应。 新古典主义的回归秩序： 探讨启蒙运动哲学如何促使艺术回到古希腊罗马的“理性、简洁、道德”。雅克-路易·大卫的作品如何成为法国大革命的视觉宣言。 浪漫主义的超越与激情： 作为对新古典主义冷静的反叛，浪漫主义将重点转向个人情感、异域情调、崇高（Sublime）的体验以及对自然力量的敬畏。特纳对光线的探索，德拉克洛瓦对色彩和动态的运用，以及戈雅对人类苦难的深刻描绘，都在此得以详尽分析。 第五部分：现代性的开端——印象派与后印象派的视觉冲击（约 1850 年至 1900 年） 摄影技术的出现、工业革命的加速以及科学对色彩理论的深入研究，彻底解构了传统艺术的使命。 现实主义的社会介入： 探讨库尔贝和马奈如何挑战艺术机构，将日常的、未经美化的题材带入画廊，预示着艺术主体性的转移。 印象派：捕捉转瞬即逝的光影： 聚焦于莫奈、雷诺阿等艺术家如何走出画室，运用短促笔触和纯色并置来记录瞬间的光线感受，将“观看的方式”本身变成主题。 后印象派的个体路径： 这一阶段的艺术家开始将印象派的色彩与结构重新系统化。塞尚对几何形体的探求，梵高对情感色彩的强烈表达，以及高更对原始主义的向往，为二十世纪的抽象艺术铺平了道路。 第六部分：爆炸与解构——二十世纪的先锋艺术浪潮 进入二十世纪，艺术仿佛进入了失控的实验场，一切既定的规则被推翻。 野兽派与表现主义：色彩的解放： 分析马蒂斯和德国表现主义团体（如“桥社”）如何使用非自然、主观的色彩来表达内在的心理状态。 立体主义的维度革命： 深入解析毕加索和布拉克如何通过对物体进行多角度解构和重组，彻底打破了文艺复兴以来建立的单点透视法，将时间维度引入二维空间。 达达主义与超现实主义：潜意识的探索： 探讨第一次世界大战后的反理性思潮，达达主义如何以“反艺术”姿态进行挑衅。随后，超现实主义者（如达利、马格里特）如何运用梦境、自动写作等手法，将弗洛伊德的精神分析融入视觉创作。 抽象艺术的纯粹追求： 从康定斯基对精神音乐的视觉翻译，到蒙德里安对直线和原色的几何秩序的极端简化，探讨艺术如何彻底脱离对再现的责任。 第七部分：全球化的艺术与当代语境（二战至今） 二战后，艺术的中心从欧洲转向美国，艺术语言变得更加多元、更具批判性。 从抽象表现主义到波普艺术： 聚焦于纽约画派（如波洛克、罗斯科）对尺幅、行动和非再现性绘画的强调。随后，安迪·沃霍尔和李奇登斯坦如何利用商业文化和大众媒体图像，模糊了高雅艺术与通俗文化的界限。 极简主义、观念艺术与后现代的转向： 我们分析极简主义（如唐纳德·贾德）如何回归材料的“物性”本身，以及观念艺术如何将艺术的价值完全转移到“思想”而非“制作”上。 当代艺术的多元景观： 总结装置艺术、行为艺术、录像艺术的兴起，探讨当代艺术家如何运用全球视野和跨学科方法，持续挑战关于身份、全球化、科技伦理和历史叙事的传统边界。 总结： 本书力求通过清晰的脉络梳理和深入的案例分析，使读者不仅“认识”艺术史，更能“理解”艺术在人类历史进程中所扮演的复杂角色——它既是时代的见证者，也是未来的预言家。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在时间维度上的把控能力——它在保持对经典大师敬意的同时，对近二十年来的新兴艺术现象也给予了足够的关注和精准的定义。很多同类参考书往往在新旧交替时显得力不从心，要么对当代艺术的描述过于简略，要么干脆放弃更新。但这本手册在收录新兴艺术家和新出现的术语时，保持了一种审慎的平衡，即不盲目追逐潮流，但也不遗漏具有持久影响力的变革。比如，对于那些互联网和人工智能介入艺术创作的新概念，它提供了清晰的词源和初步的界定，帮助读者在这个飞速变化的时代里，依然能为新事物找到一个清晰的“安放之所”。这种与时俱进的能力，证明了编纂团队不仅着眼于“回顾历史”，更致力于“理解当下”。因此，这本书的价值是动态的，它不仅是历史的记录者，也是我们理解当前艺术语境的必要工具。

评分☆☆☆☆☆

我必须要提一下这本书的排版设计，实在是令人耳目一新。它没有采用传统艺术词典那种沉闷的、密密麻麻的文本堆砌方式，而是充满了现代感和呼吸感。每当需要查找某个词条时，你会发现它巧妙地利用了字体大小、粗细以及留白来引导你的视线，关键信息被适当地突出，而背景介绍则保持了足够的克制。这让阅读过程变成了一种享受，而不是一项艰巨的任务。我尤其喜欢它在介绍主要艺术家时，不仅提供了生卒年份和主要贡献，还常常附带一些极为精辟的、总结性的评价——那些句子简短有力，像是艺术家本人创作箴言的提炼。这种设计上的细致考量，极大地提升了阅读的效率和愉悦度。它成功地平衡了“信息量”与“易读性”这两个看似矛盾的需求，真正做到了“简洁”而不失“深度”，这在同类参考书中是极其罕见的成功范例。它仿佛在低语：“艺术可以复杂，但学习艺术的过程不必如此。”

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余艺术史爱好者，我过去常被那些过于学术化、充满了行话的专业书籍劝退。这本书的语言风格对我来说，简直是一股清流。它避免了那种故作高深的学院腔调，而是用一种平实、近乎对话的语气来阐述复杂的艺术理念。比如，它解释“巴洛克风格”时，没有堆砌一堆关于光影对比和戏剧性的形容词，而是侧重于描述其在特定历史时期满足的社会功能和情感表达需求，让读者能够从更人性化的角度去理解艺术的演变。这种“去魅”的处理方式，极大地拉近了读者与艺术殿堂的距离。它让你感觉，理解艺术大师的作品并不需要预先获得某种“入场券”。这种亲和力使得我在通勤路上也能轻松地翻阅，并且每次都能带着新的、清晰的认识离开。对于那些渴望将艺术知识融入日常谈资，却又不想在朋友面前显得故作内行的人来说，这本书提供的知识框架是非常扎实的底层支撑。

评分☆☆☆☆☆

这本手册简直是艺术爱好者的福音，内容编排得极为精炼，但深度却丝毫未减。我特别欣赏它在处理那些晦涩难懂的艺术流派时所采取的清晰叙事方式。比如，当我第一次接触到“概念艺术”时，感到云里雾里，但翻阅此书后，那些抽象的理论瞬间变得触手可及。它没有冗长地铺陈历史背景，而是直击核心，用最精炼的语言勾勒出关键人物、代表作及其理论支柱。这种高效的信息传递方式，对于时间有限但求知欲旺盛的读者来说，无疑是最佳选择。它不是那种需要你花费数周才能啃完的鸿篇巨制，而更像是一个随身携带的“艺术瑞士军刀”，无论你在博物馆的哪个角落，遇到哪个陌生的术语或艺术家名字，都能迅速找到精准的定位。尤其对于学生和初入行的策展人而言，这种快速检索和理解的能力，比厚厚的百科全书更实用，它教会你如何快速掌握一个知识点，而不是被知识点淹没。它的条目组织逻辑严密，从文艺复兴时期的巨匠到当代实验性的先锋艺术家，过渡得自然流畅，体现了编者对艺术史脉络的深刻洞察。

评分☆☆☆☆☆

这本书在处理跨文化艺术交流和不同媒介的交叉领域时展现了卓越的广度。我曾经在研究一个关于二十世纪初的跨界合作项目时，发现很多词条都巧妙地将雕塑、摄影、建筑甚至早期电影艺术联系起来进行解释，这打破了我原有的单一学科视角。它不是简单地罗列各个门类，而是着重描绘了艺术史中那些“交汇点”和“突破口”。例如，对于某些材料实验的词条，它的描述不仅限于材料本身，还追溯了其背后的哲学动机，这对于理解现代艺术的实验精神至关重要。这种多维度的关联性处理，让我能够建立起一个更加立体和互联的艺术知识网络，而不是被分割成一个个孤立的知识点。它成功地体现了当代艺术生态的复杂性，即艺术不再是泾渭分明的，而是互相渗透、互相影响的。对于想要洞察艺术发展趋势的读者，这种系统性的关联梳理非常有价值。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆