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出版者:

作者:Torres, Louis/ Kamhi, Michelle Marder

出品人:

页数:450

译者:

出版时间:2000-6

价格:$ 44.95

装帧:

isbn号码:9780812693720

丛书系列:

图书标签:

• 艺术哲学
• 艺术理论
• 美学
• 艺术史
• 文化批评
• 现代艺术
• 当代艺术
• 艺术与社会
• 视觉文化
• 艺术解读

《艺术的本质：一场穿越时空的对话》 内容简介 《艺术的本质：一场穿越时空的对话》并非仅仅是一本关于艺术史的教科书，更是一次对人类创造力与精神世界深层探索的邀请函。本书以一种兼具学术深度与阅读趣味的叙事方式，带领读者踏上了一段跨越数千年的思想旅程，旨在解构“艺术”这一概念的复杂性、流变性及其在不同文明中的核心作用。 本书的叙事结构围绕着一系列假想的、但基于扎实历史考证的“对话”展开。想象一下，如果古希腊的雕塑家菲狄亚斯能够与文艺复兴时期的达·芬奇相遇，如果中世纪的修道院画家能够与印象派的莫奈在同一间展厅中辩论光影的意义，他们会如何定义“美”与“技艺”？本书正是试图捕捉这些跨越时空的思想火花。 第一部：从神性到人性——早期艺术的基石 本书的开篇追溯了艺术的源头，远至洞穴壁画时代的神秘符号。我们探讨的不仅仅是这些早期图像的功能（是魔法、是记录、还是叙事），而是它们如何奠定了人类用视觉符号构建意义的思维模式。 接着，我们将重点考察古埃及和美索不达米亚的艺术。在这里，艺术服务于永恒和权力。我们详细分析了埃及艺术中严格的比例和视角体系，它并非出于“无知”，而是对秩序、不朽和神权等级的精确表达。对于古希腊的艺术，本书则进行了深入的解剖。我们摒弃了简单地将希腊艺术视为“完美”的肤浅论断，而是深入研究了从早期的几何风格（Archaic style）如何过渡到古典时期的“理想化现实主义”。讨论的焦点在于“模仿论”（Mimesis）的内涵——模仿自然，还是模仿理想？这一时期的哲学辩论，特别是柏拉图的“理念论”对艺术地位的冲击，构成了理解西方艺术理论的起点。 第二部：信仰的织锦与世俗的觉醒 中世纪的欧洲，艺术被完全纳入了宗教的宏大叙事之中。本书花了大量篇幅解析拜占庭的马赛克如何利用光线来营造天堂的临在感，以及哥特式大教堂的建筑结构（飞扶壁、尖拱）如何体现了对“上帝之光”的结构性追求。我们挑战了将中世纪艺术简单地等同于“停滞”的观点，展示了其高度成熟的象征体系和技术规范，尤其是在手抄本的细密画（Illuminated Manuscripts）中，其对细节的痴迷达到了惊人的程度。 文艺复兴的转折点被视为一次重大的范式转移。本书重点关注人文主义思想如何重新将焦点从神拉回到人。我们详细剖析了透视法的发明（线性透视法）的意义——它不仅仅是一种绘画技巧，更是一种观看世界的、以人为中心的、可量化的新方式。达·芬奇的工作室笔记被视为技术与科学的结合典范，而米开朗基罗在西斯廷教堂的创作，则被置于古典英雄主义与基督教神学张力之中进行考察。 第三部：风格的爆炸与革命的年代 巴洛克时期，艺术从克制的和谐走向了戏剧性的情感高潮。卡拉瓦乔的光影对撞（Tenebrism）如何服务于强烈的精神冲击，贝尼尼的雕塑如何捕捉了运动中的瞬间——这些技法共同构建了一个追求震撼体验的艺术环境。本书探讨了巴洛克在天主教反宗教改革中的宣传作用，以及它如何扩展到君主制权力的展示中。 进入18世纪，洛可可风格的轻盈与感性被视为对巴洛克宏大叙事的温柔反叛。随后，新古典主义试图回归古典的道德纯粹，这与启蒙运动对理性、秩序的推崇形成了内在的呼应。 然而，真正的革命发生在19世纪。本书将大量篇幅投入到对浪漫主义的剖析，它强调了情感、个人体验、非理性与“崇高”（The Sublime）的价值，这直接挑战了启蒙运动的理性至上。随后，工业革命带来的社会剧变如何催生了现实主义对当代生活最直接的描摹。 第四部：现代的断裂与观念的崛起 现代艺术的开端被视为艺术史中一次意义深远的“断裂”。印象派对瞬间光影的捕捉，后印象派（塞尚、梵高、高更）对形式结构、情感表达和异域主题的探索，标志着艺术不再固守“再现”的责任。 野兽派的色彩、立体主义对多重视角的解构，以及抽象艺术（康定斯基、蒙德里安）的彻底扬弃具象世界，构成了本书探讨的重点。我们分析了艺术如何从“描绘世界”转向“创造世界”。 随后，本书触及了达达主义对艺术机构的彻底嘲讽，以及杜尚的现成品（Readymades）如何将艺术的焦点从“手工技艺”完全转移到“观念选择”上。这标志着艺术进入了一个新的阶段：观念成为主体，艺术作品的物理形态变得次要。 第五部：全球语境下的艺术再定义 本书的最后部分探讨了战后艺术的发展，包括抽象表现主义对美国艺术的中心化确立，波普艺术对商业文化和大众符号的挪用与反思。我们考察了极简主义对艺术对象的物质性的纯粹化提炼。 最终，本书将视野拓展到后现代主义与当代艺术的多元局面。从行为艺术、装置艺术到大地艺术，艺术的形式和载体被极大地拓宽。我们审视了当代艺术如何在全球化、身份政治、科技进步的背景下，持续地提出关于“什么是艺术”、“谁有权定义艺术”的尖锐问题。 总结 《艺术的本质：一场穿越时空的对话》旨在提供一个全面且辩证的视角，引导读者理解艺术并非一个静态的定义，而是一个动态的概念场域，它随着人类的哲学、社会、技术和信仰的变迁而不断重塑自身。阅读本书，读者将获得一套强大的分析工具，用以审视从洞穴壁画到数字媒体中的所有视觉与非视觉创作。它不提供标准答案，而是邀请读者，亲自参与这场永无止境的、关于人类创造力极限的对话。

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坦白讲，我买这本书纯粹是抱着一种“知识焦虑”的心态，希望能给自己枯燥的工作生活里添点“精神食粮”。我原本以为它会是一本标准的艺术史教科书的简化版，充斥着达芬奇、莫奈、毕加索名字的堆砌，以及对他们各自风格的刻板描述。结果大跌眼镜，这本书的格局显然要宏大得多，它更像是一次对“存在”本身的哲学思辨，只不过将探索引导到了艺术的场域中。作者的论述逻辑非常严密，但绝非生硬的逻辑推演，他擅长运用对比和反问来引导读者的思考。例如，他会设置一个极端的假设场景——如果所有人都对某种特定形式的视觉刺激免疫，那么“艺术”是否还存在？这种问题迫使你必须跳出现有的框架去重新审视艺术的本质。阅读过程中，我常常需要停下来，合上书本，走到窗边，反复咀嚼刚才读到的那个观点，感觉脑海中的许多既有认知正在被轻轻地、但却是彻底地重塑。这本书的深度在于它不满足于描述“什么是艺术”，而是不断追问“为什么是艺术”，这种追问的力量，让人读完后感觉自己的思考层次都被拔高了，仿佛获得了一副能看穿事物表象的“第三只眼”。

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说实话，这本书并不是那种读起来能让人感到“轻松愉快”的作品，它更像是需要你投入全部心神去“征服”的一座智力高山。它的叙事节奏是变化多端的，有时是缓慢、详尽的铺陈，像老电影的慢镜头，让你沉浸在对单一概念的细致剖析中；而有时，它又会突然加快速度，用密集的排比句和一连串快速切换的例子，让你应接不暇，生怕漏掉任何一个关键的转折点。我这种习惯了快节奏信息输入的人，一开始有些不适应这种时而急促时而舒缓的“呼吸感”。但一旦适应了作者设定的这种韵律，就会发现这种节奏本身就是一种艺术——它模拟了真正的思考过程，包含了犹豫、顿悟、反思和加速。书中的许多段落，我感觉作者是在用一种近乎诗歌的语言来探讨抽象概念，句子结构复杂，蕴含着多重语义，初读时可能只抓住表面意思，细细品味后，才会发现字里行间隐藏的作者的幽默或讽刺。这本书的价值，就在于它迫使你慢下来，用一种近乎“仪式感”的方式去对待文字，去对待思考本身。

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这本《艺术是什么》的书，说实话，我拿到手的时候心里是有些忐忑的。毕竟“艺术”这两个字本身就带着一种高深莫测的光环，我担心读起来会像是在啃一本晦涩难懂的理论大部头，充满了我根本搭不上话的哲学名词和学院派的陈词滥调。但翻开扉页，那种感觉立刻就消散了。作者的文笔非常流畅自然，读起来就像是和一位知识渊博却又非常亲切的朋友在咖啡馆里闲聊。他没有直接抛出什么惊世骇俗的定义，而是选择了一种更具引导性的方式，从我们日常生活中最细微的感官体验入手，探讨我们是如何感知和理解“美”这件事的。比如，他会详细描述一束光线穿过老旧玻璃窗时产生的斑驳色彩，或者某种特定气味唤起的模糊记忆，然后巧妙地将这些体验与艺术史上的某个流派或某位艺术家的创作意图联系起来。这种由小及大的叙事结构，极大地降低了阅读门槛，让一个艺术门外汉也能感受到自己与艺术之间存在着一种内在的、不必刻意学习就能建立的联系。我尤其喜欢其中关于“不完美”的章节，作者认为，正是那些瑕疵、那些偏离了完美几何标准的笔触，才真正赋予了作品生命力和情感深度，这颠覆了我过去那种认为艺术必须是精雕细琢的固有观念，读完后，我开始用一种全新的、更宽容的眼光去看待我周围的世界和那些常常被忽略的角落。

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我从一个完全没有艺术背景的普通读者角度来看待这本书，最初的期待非常朴素：我只想知道，为什么某些东西能被称之为艺术，而另一些就不能。这本书远远超出了我的预期，它提供了一套极其强大的“分析工具包”，而不是一个简单的答案清单。作者没有给我们提供一个放之四海而皆准的万能公式，相反，他展示了构建意义的过程。他深入剖析了观看者、创作者和作品三者之间微妙的互动关系，尤其精彩的是关于“语境”的部分。他论证了，脱离了特定的历史、文化和社交背景，任何关于艺术的讨论都可能沦为空谈。这让我对那些我曾经嗤之以鼻的当代装置艺术产生了新的敬意，因为我开始理解，它们在诞生之时所处的那个“场”是什么样的，它们试图对抗或对话的是什么。这本书的强大在于，它不是在教你如何去“欣赏”艺术，而是在教你如何去“提问”艺术，如何有逻辑、有深度地去拆解一件作品背后的意图和接收到的信号。读完它，我不再满足于说“我喜欢”或“我不喜欢”，而是开始尝试去阐述“为什么”，这种思维习惯的转变，是我从这本书中获得的最大的财富。

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这本书的装帧和排版，给我的第一印象是克制而又精致的，这大概也是一种无声的表达吧。内页的纸张手感极佳，墨色浓郁，即便是那些需要仔细辨读的长句，也不会让人感到视觉疲劳。在内容上，我必须指出，作者在组织论据时展现了惊人的广度和深度。他不仅仅局限于西方古典或现代艺术，而是大量穿插了人类学、心理学甚至量子物理学中的一些概念来佐证他的观点。比如，在探讨“瞬间性”在艺术中的体现时，他竟然能联系到神经科学中关于注意力的捕捉机制，这种跨学科的引用，使得全书的论证不再是孤立的，而是形成了一个相互印证的知识网络。这种构建体系的能力，实在是高明。我个人特别欣赏作者在处理争议性话题时的态度——他从不武断地下结论，而是提供多种可能性，让读者在充满细节的论述中自己去辨别、去选择站位。这不像是一个人在宣讲，更像是在搭建一座思维的迷宫，邀请你进去探险，最终的出口由你自己去寻找。这使得每一次重读，都能发现新的路径和新的风景，这绝对是一本值得反复研读的珍品。

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本书是借用兰德客观主义美学的观点对现代主义艺术的批驳，尤其是抽象艺术，作者是兰德美学的忠诚的追随者，并没有对兰德的美学本身提出太多的质疑，用客观主义美学的态度去重申艺术是什么这一古老的问题。

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本书是借用兰德客观主义美学的观点对现代主义艺术的批驳，尤其是抽象艺术，作者是兰德美学的忠诚的追随者，并没有对兰德的美学本身提出太多的质疑，用客观主义美学的态度去重申艺术是什么这一古老的问题。

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本书是借用兰德客观主义美学的观点对现代主义艺术的批驳，尤其是抽象艺术，作者是兰德美学的忠诚的追随者，并没有对兰德的美学本身提出太多的质疑，用客观主义美学的态度去重申艺术是什么这一古老的问题。