Dory Previn Songbook pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Previn, Dory

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:1995-8

价格:$ 19.15

装帧:

isbn号码:9780793539901

丛书系列:

图书标签:

• Dory Previn
• Songbook
• 歌曲集
• 流行音乐
• 爵士乐
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• 音乐
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《失落的旋律：二十世纪中叶美国民间音乐的流变与肖像》 一部深入挖掘二十世纪中期美国民间音乐复杂生态、文化土壤与杰出人物群像的深度研究著作。 本书并非对某位特定音乐家的作品集进行梳理，而是一次宏大而精微的田野调查与历史重构，旨在剖析一个充满活力、矛盾与深刻社会意义的音乐时代——从战后复苏到六十年代民权运动高潮的民间音乐浪潮。我们拒绝将民间音乐视为静止的、田园牧歌式的遗产，而是将其视为社会变革的棱镜、工人阶级心声的载体以及文化身份构建的战场。 第一部分：泥土中的和声——战后民间音乐的复兴与都市化 本书的第一部分着眼于二战结束后，美国民间音乐在城市化进程和大众媒体冲击下的复杂适应过程。我们探讨了阿巴拉契亚、南方蓝草以及西部山地音乐如何从地域性实践，逐渐被记录、编码并推向全国市场。 一、录音技术与“真实性”的悖论： 我们详细分析了以汉斯·伊斯曼（Hans Iserman）为代表的早期唱片公司如何“发现”和“包装”乡村音乐家。这不仅仅是商业行为，更涉及对“纯粹性”的构建和神话化。通过对Decca、RCA Victor早期田野录音的档案比对，我们揭示了在录音棚内，音乐家如何被引导去迎合城市听众对“乡土”的想象，以及这种“被塑造的真实”如何反作用于音乐的创作和表演实践。特别关注了那些在城市咖啡馆重新演绎传统曲目时，如何悄然融入了现代爵士乐的和声色彩，但又必须谨慎地保持其“民间”的面具。 二、咖啡馆文化的兴起与知识分子的介入： 本书深入考察了六十年代初期，从波士顿格林威治村到旧金山北岸，新兴的咖啡馆文化如何成为民间音乐的温床。这不仅是年轻人寻找亚文化身份的场所，更是知识分子、社运人士与音乐家交汇的前沿阵地。我们通过对当时的文艺评论、小报以及私人信件的分析，梳理了“民间”音乐如何被赋予了“反主流文化”的政治资本。探讨了大学校园中对早期布鲁斯和工运歌曲的“学术化”重拾，以及这种精英化解读对民间音乐原始语境的疏离。 三、蓝草音乐的复杂演变：从教堂到体育场： 不同于被简化为乡村音乐分支的蓝草（Bluegrass），本书将其视为一种精密的音乐技术，研究了比尔·门罗（Bill Monroe）的音乐体系在战后的扩散与分化。我们比较了肯塔基老派的演奏风格与佛罗里达、加州涌现的融合派（如早期的The Byrds在电声化上的尝试）之间的张力，强调了这种音乐在追求技术完美的同时，如何艰难地平衡其对传统题材（如宗教、劳动与失落）的忠诚。 第二部分：时代的噪音——民间音乐与社会变迁的交响 第二部分将聚焦于民间音乐在五十年代末期到六十年代中期，与民权运动、反战情绪以及身份政治紧密交织的动态过程。 一、民间音乐与民权运动的“非正式配乐”： 我们避免了将民间音乐简单等同于“抗议歌曲”的论断，而是细致考察了那些源自南方黑人民歌和工会歌曲的母体，如何在北上过程中被重新编排、简化歌词，并被白人社运人士采纳的过程。重点分析了“We Shall Overcome”等歌曲的传播路径，揭示了不同社群在使用这些歌曲时，其语境和潜台词的微妙差异。同时，也审视了南方本土黑人音乐家（如一些深蓝音乐家）在这一时期的沉默或被主流声音掩盖的原因。 二、歌曲作者的“内省转向”：从说故事到自我剖析： 随着五十年代末期，传统民谣的结构开始受到挑战，歌曲作者的创作焦点从外部叙事转向内在体验。这一章节探讨了在纽约创作圈中，音乐家如何吸收了欧洲诗歌的意象和现代主义的碎片化叙事，尝试将个人情感的焦虑、都市的疏离感融入到根植于传统和声框架的歌曲之中。这标志着民间音乐开始向更个人化、更具文学性的“唱作人”（Singer-Songwriter）模式过渡的早期迹象。 三、女性声音的崛起与被聆听的困境： 本书专门开辟章节讨论了在男性主导的民间音乐复兴浪潮中，女性音乐家的独特贡献与所面临的结构性障碍。我们分析了早期女性艺术家的作品如何巧妙地利用传统叙事（如叙述失踪的爱人或家庭的困境）来暗喻更深层的社会限制，而非直接的政治宣言。通过对演唱方式、舞台形象与媒体报道的对比研究，展示了她们如何一步步争取到评论界和听众对她们作为独立艺术家的认可，而非仅仅是特定男性音乐家的配角或缪斯。 第三部分：遗产与回响——民间音乐的定型与未来的张力 本书的收尾部分，探讨了民间音乐在达到其主流文化影响力巅峰后，如何开始自我解构，并为后来的摇滚乐和独立音乐奠定基础。 一、电声化的临界点： 详细记录了民间音乐如何突破“原声至上”的教条。我们分析了早期使用电吉他、增加鼓组的尝试所引发的激烈争论——这不仅仅是音量的改变，而是对“纯粹性”定义的根本性挑战。这一转变如何使得原本关注地方历史和劳工题材的歌曲，得以进入更广阔的摇滚音乐语境，并为后续的“迷幻民谣”埋下伏笔。 二、档案的重访与当代对话： 本书最后一部分探讨了当代学者和音乐家如何回望这个黄金时代。通过对冷战时期民间音乐档案的重新整理与数字存储，我们发现许多在当时被视为边缘或非主流的音乐片段，如今正被重新发现，并为当代世界音乐、另类民谣以及“新根源音乐”（New Roots Music）提供了新的参照系。本书旨在提供一个多维度的分析框架，理解这一代音乐家留下的遗产——一个既根植于历史深处，又不断向时代脉搏伸出触角的复杂音乐谱系。 本书核心观点： 二十世纪中叶的民间音乐复兴，并非简单的“怀旧”，而是一场由技术、政治、社会阶层流动共同驱动的，关于“美国声音”的激烈争夺与重新定义。它既是历史的记录者，也是变革的催化剂。

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作为一名痴迷于作品细节的“细节控”，这本书简直是为我量身定做的“寻宝图”。它不像市面上某些官方出版物那样，只是提供经过修饰和美化的官方说法。相反，它勇敢地揭示了作品背后那些复杂的人际关系、创作环境的限制，甚至包括那些被最终版本“剪掉”的、但同样精彩的“B面”素材的探讨。有一段关于某个和弦色彩运用的分析，简直是神来之笔，它用了一种非常直观的绘画术语来解释音乐上的效果，瞬间打通了我的认知壁垒。这本书的参考价值极高，它所引用的资料之广泛，跨越了数十年的报纸剪报、私人信件乃至尚未发表的手稿扫描件，看得出编纂者付出了巨大的心血和近乎考古学家的耐心。我特别喜欢那种夹杂在正文中的小插图，它们可能是某次演出后的后台合影，可能是作者随手涂鸦的草图，这些零散的碎片共同拼凑出了一个完整而多维度的艺术形象。捧着它，你会感觉自己不再是一个旁观者，而是一个被允许进入创作核心圈的特邀嘉宾，这种亲密感是任何其他出版物都无法比拟的。

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我得坦白，我一开始拿到这本书时，内心是抱持着一种相当怀疑态度的。毕竟市面上关于经典音乐人的“精装纪念版”多如牛毛，大多是华而不实的印刷品，内容空洞，真正有价值的深度分析少之又少。然而，这本书彻底颠覆了我的预期。它的排版逻辑非常清晰，从早期的实验性作品到成熟期的巅峰之作，作者似乎采用了一种近乎编年史的梳理方式，但又巧妙地穿插了主题性的章节，使得阅读体验既有宏观的脉络，又不失微观的趣味。尤其让我惊喜的是，它对于乐理层面的剖析，做到了既不失专业性，又足够通俗易懂。我不是科班出身，但读完其中关于某段和声转化的解释后，我竟然能“听懂”了原本困扰我多年的一个复杂桥段的精妙之处。这本书的价值就在于，它架起了一座桥梁，让普通的听众和专业的音乐人都能在同一个平面上进行对话和欣赏。它不仅仅是记录了“是什么”，更深入地探讨了“为什么”，这种深度挖掘的勇气和执行力，令人肃然起敬。它不是那种翻完就束之高阁的书，而是我案头常备的参考书，随时准备回去重温那些被我遗漏的细微之处。

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天哪，这本书简直是音乐爱好者的一场盛宴，那种沉浸式的体验让人完全忘记了周遭的一切。我必须得说，光是翻开扉页，那种油墨的香气和纸张的质感就已经预示着这不是一本普通的收藏品。它仿佛是一扇通往某个黄金时代的魔法之门，里面承载的不仅仅是旋律的符号，更是那个时代独特的情感光谱。我花了整整一个下午，只是对着其中的某几页反复摩挲，试图捕捉那些被精心排版的音符背后，隐藏着创作者多少个不眠之夜的挣扎与灵感迸发。那些手写的歌词草稿片段，虽然模糊不清，却充满了令人心碎的真实感。它不像那种冷冰冰的乐谱集，更像是作者在耳边低语，分享着每一个创作动机和心路历程。你甚至能想象出，在某个昏暗的录音棚里，乐手们是如何围绕着这些纸张，试图还原出创作者脑海中那最初、最纯粹的声音的。这本书的装帧设计也极具巧思，每一个细节都在向那些经典致敬，却又有着属于自己的现代审美。对于那些和我一样，对音乐史的细节有着近乎偏执的追求的人来说，这简直是一件“必须拥有”的艺术品，而不是简单的工具书。它让人重新审视“歌曲”这个概念，不再仅仅是听觉的享受，更是一种可以触摸、可以研究的历史文献。

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我收到这本书时，天气正阴沉着，那种感觉就好像我终于找到了一个可以躲进去避雨的温暖角落。这本书的叙事风格有一种奇异的魔力，它不像是传统意义上的“传记”或“乐谱”，更像是一部精心策划的“感官体验档案”。我发现自己会不自觉地代入到作者描绘的场景中去：想象那个在昏黄灯光下，手指在键盘上徘徊的创作者；想象那些在深夜酒吧里，即兴发挥出的精彩段落。书中的文字处理非常讲究节奏感，它似乎模仿了音乐本身的抑扬顿挫，有的段落行文快速，充满激情；有的地方则放缓语速，如同慢板，引人深思。这使得阅读过程本身就是一种享受，一种流动的、富有韵律感的体验。我甚至发现，当我跟着书中的文字去重新审视我收藏的黑胶唱片时，我听到了过去从未注意到的新的层次和细节。这本书不仅教会了我如何“看”音乐，更教会了我如何“聆听”生活中的每一个细微声响。它提供了一种新的、更深层次的欣赏框架，让我的音乐品味得到了极大的提升，那种满足感是难以言喻的。

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说实话，这本书的厚度和分量，初次上手时还真有点吓到我，但正是这种“重量感”，赋予了它一种沉甸甸的权威性。我最欣赏它的地方在于，它没有将创作者神化，而是用一种极其人性化的笔触去描绘了创作过程中的挣扎和妥协。在某一章节中，作者详细描述了某首标志性作品的录制幕后故事，其中涉及到与制作人之间旷日持久的意见分歧，以及最终为了实现那个“完美瞬间”所做的巨大牺牲。这种细节的披露，让那些曾经在电台里听了无数遍的歌曲，瞬间拥有了鲜活的、带着烟火气的生命力。它让我意识到，伟大的艺术从来都不是凭空出现的，而是无数次推倒重来、不断打磨的结果。我尤其喜欢书中收录的一些早期访谈录，那种略显青涩但充满野心的发言，和后期的沉稳形成了鲜明的对比，展现了一个艺术家完整的成长曲线。这本书更像是一份“心灵地图”，指引着读者去追溯那些伟大的旋律是如何从混沌中诞生，最终定格为永恒的。它激励着每一个在自己领域中挣扎的创作者，因为你知道，即便是那些被奉为圭臬的大师，也曾有过迷茫和自我怀疑的时刻。

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