Essential Elements for Band - Book 1 with Eei pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Lautzenheiser, Tim/ Higgins, John/ Menghini, Charles/ Lavender, Paul/ Rhodes, Tom C.

出品人:

页数:360

译者:

出版时间:1999-10

价格:$ 45.19

装帧:

isbn号码:9780634003103

丛书系列:

图书标签:

• Essential Elements
• Band
• Book 1
• EEi
• Music Education
• Beginner
• Instrumental Music
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• School Band
• Educational Music

音乐的启蒙与基础：管乐学习的坚实基石 本教材专为初学管乐器（包括长笛、单簧管、萨克斯风、小号、长号、圆号、大号及打击乐器等）的学生设计，旨在提供一个系统、全面且引人入胜的学习体验。它不仅仅是一本乐谱集，更是一套完整的音乐教育解决方案，致力于在学生学习乐器的最初阶段，打下坚实的技术、理论和艺术素养基础。 第一部分：课程结构与教学理念 本书的编排遵循循序渐进的原则，确保学习的每一步都建立在清晰可理解的概念之上。我们的核心教学理念是“平衡发展”——技术训练、音乐理论、视唱听写和合奏体验应同步进行，缺一不可。 1. 基础持位与发声入门： 课程伊始，我们将重点放在乐器的正确持法和初步发声训练上。对于吹奏乐器而言，正确的姿势和气息是声音质量的决定性因素。我们提供了详尽的图解和文字说明，指导学生如何舒适、稳定地持握乐器，并开始学习气息的深度、速度和控制。例如，在单簧管或萨克斯风的教学中，会详细讲解口型（Embouchure）的建立，而非仅仅停留在“吹奏”这一概念上。针对铜管乐器，我们将介绍嘴唇振动（Buzzing）的基础练习，确保学生在接触乐器前就能理解发声的原理。 2. 音符与节奏的初步认知： 教材引入了基础的五线谱知识。我们避免使用过于枯燥的理论术语，而是通过音乐化的方式来教授音符的时值和相对音高。第一批教授的音符通常集中在中央C附近的音区，便于学生快速上手并体会到“演奏出声音”的成就感。节奏部分从最简单的全音符、二分音符开始，配合清晰的节拍标记，帮助学生建立稳定的内在节拍感。 3. 循序渐进的音域拓展： 随着学习的深入，音符的难度会逐步增加。每隔数页，我们会引入新的指法或按键组合。为了巩固新学的指法，教材中会穿插大量的练习曲（Etude）和短小的、旋律优美的乐曲。这些乐曲的选择标准是：它们不仅要能帮助巩固新的指法，更重要的是，它们必须具备音乐性，让初学者感受到音乐的美感，而非仅仅是机械地移动手指。 4. 乐团合奏意识的培养： 本书的独特之处在于其对“乐队”概念的早期植入。即便学生刚学会两三个音符，教材也会提供简化的合奏片段。这些片段通常只包含和声的骨架，但足以让所有乐器演奏者第一次体会到不同声音组合在一起时的和谐感。这对于培养学生的倾听能力、集体责任感以及对整体音乐效果的关注至关重要。我们鼓励教师利用这些早期片段进行简单的“分部”练习，即使只是两个声部，也能让学生感受到集体创作的乐趣。 第二部分：技术训练与音乐素养的整合 本书坚信，技术服务于音乐表达。因此，技术练习被巧妙地编织在乐曲学习之中。 1. 连贯性与清晰度练习： 在引入了基础的音阶模式后，我们设计了大量的连奏（Legato）练习。对于吹奏乐器，这意味着平稳的气息流动和指法的无缝衔接；对于打击乐，则强调鼓槌的均匀触击和音色的统一。这些练习通过特定的音型重复来实现，旨在消除初学者常见的“断音”或“僵硬”的演奏状态。 2. 节奏复杂性的逐步提升： 在掌握了四分音符和八分音符后，教材会引入附点音符和休止符的组合。为了确保学生能够准确掌握这些节奏，我们会辅以节奏卡片或由教师主导的节奏朗读练习。这些练习强调的是“数拍子”的准确性，而非仅仅依靠感觉。 3. 基础乐理知识的穿插讲解： 贯穿全书的是对基础乐理知识点的介绍。这些知识点以简短的“知识角”或“音乐小贴士”的形式出现，包括： 拍号的认识： 解释如 4/4 拍和 3/4 拍的含义及听觉感受。 音程的初步概念： 通过熟悉的旋律片段，让学生感知二度、三度音程的音响效果。 速度记号的引入： 使用如 Andante（行板）和 Moderato（中速）等简单的速度指示，让学生理解音乐是有情绪和速度变化的。 4. 调性与指法的关联： 本书主要侧重于 F 大调和降 B 大调（或 C 大调，取决于乐器种类）的入门。我们通过有针对性的练习，帮助学生建立音高与特定指法之间的肌肉记忆。在学习新调性时，教材会清晰地标示出升降记号，并解释它们在特定调性中的作用。 第三部分：跨学科与实践应用 本书的实践部分旨在拓宽学生的音乐视野，并鼓励他们进行自我评估。 1. 移调与不同乐器的对比（教师指导）： 虽然教材是为特定乐器设计的，但我们提供了必要的背景信息，帮助教师向学生解释不同乐器在音区和音色上的差异。这对于未来学生进入大型管乐团至关重要，使他们理解自己的乐器在整个声部中所扮演的角色。 2. 节奏与旋律的听写练习： 为了训练学生的听觉辨别能力，教材后半部分包含了一些简单的听写小任务。这些任务通常是基于教材中已经学过的短小旋律片段。这不仅仅是测试记忆力，更是训练学生将听到的声音与视觉上的五线谱符号联系起来的能力。 3. 演奏技巧与音乐表现力： 随着技巧的成熟，我们会开始引入基础的力度记号（如 p 弱奏和 f 强奏）。我们强调，力度变化是音乐表达的核心，并指导学生如何通过控制气息和嘴型来实现这些力度上的细微差别。 4. 趣味性曲目与文化背景（非音乐技术内容）： 为了保持学习的动力，书中穿插了一些改编自世界各地民谣或耳熟能详的简单旋律。在介绍这些曲目时，我们会提供简短的背景信息，介绍这些音乐的来源地或文化背景，使学习过程更具趣味性和文化深度。 总结 本书是一份全面、结构化且充满音乐热情的入门指南。它不仅教授学生“如何吹奏”或“如何按键”，更重要的是，引导他们理解“如何倾听”、“如何合作”以及“如何表达”。它为学生在管乐学习的漫长旅途中，打下了最坚实、最全面的基础。通过对气息、指法、节奏和乐理的同步训练，学生将能够自信、优雅地迈出他们的第一步，并对未来的音乐探索充满期待。

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从排版和视觉设计的角度来看，这本书简直是一场灾难性的怀旧之旅。那些黑白分明的乐谱，虽然在传统意义上是清晰的，但在今天的眼光下显得过于沉闷和缺乏活力。每一个页面都充斥着密密麻麻的音符和指法标记，几乎没有呼吸的空间。对于初学者，尤其是视觉敏感度较高的群体来说，长时间盯着看，很容易产生阅读疲劳，甚至让人在尝试理解复杂的节奏组合时，感到头晕目眩。我非常怀念那些使用彩色编码或图标来区分不同练习类型的教材。比如，用蓝色标出弱奏练习，用红色突出强奏或技术难点。这本教材似乎坚信，所有信息都同等重要，因此一视同仁地用最朴素的黑色字体呈现一切。这无疑加重了学习的认知负担。我希望它能在保持专业性的同时，增加一些设计上的巧思，比如在引入新音阶时，能够用一些图表来可视化指位的变化，而不是仅仅依赖于文字描述和枯燥的数字。这种过于“务实”到近乎“粗糙”的视觉呈现，让我在学习的初期就产生了一种抗拒心理，感觉自己仿佛不是在学习一项艺术，而是在进行一项军事训练。

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这本号称是“基础必备”的教材，实在是让我这个初学乐队乐器的新手感到既兴奋又困惑。刚拿到手的时候，那厚实的纸张和清晰的印刷就给人一种专业的感觉，毕竟是业内比较知名的系列。我选的是长号（Trombone）的版本，翻开第一页，标准的五线谱和为初学者设计的节奏型立刻映入眼帘。教材的编排逻辑似乎是稳扎稳打的，从最简单的中央C附近音符开始，逐步引入新的指法和节奏组合。我特别欣赏它在每个新概念介绍时，都会配上一个简短而明确的说明，虽然篇幅不大，但指向性很强。然而，问题也随之而来。对于一个完全没有音乐背景的人来说，有些过渡显得过于仓促了。比如，当它开始引入附点音符或者切分音时，虽然书上给出了图形演示，但实际练习起来，手和嘴巴的协调性需要更多口头的、生动的指导。我常常需要在Youtube上找配套的教学视频来佐证书上的图解，否则光看这些静态的符号，总觉得少了点“灵魂”。尤其是关于气息控制的部分，这本书虽然提到了，但描述得过于技术化和抽象，让我这个渴望快速上手演奏出美妙声音的新手，感觉像是在啃一本枯燥的乐理教科书，而非一本能带我入门的“工具书”。我期待的更多是一种循序渐进的、充满趣味性的引导，而不是纯粹的符号堆砌。它更像是一份严谨的课程大纲，而不是一个热情的私人导师。

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坦白说，我对这套教材的“经典”地位持保留态度，因为它在数字化时代的应用上显得有些落伍了。作为一名希望与时俱进的乐手，我发现这本书的配套资源与其说是“丰富”，不如说是“象征性”的存在。虽然封面提到了“配套在线资源”（EEI部分），但真正去探索时，你会发现那更像是一个巨大的资源库的入口，而不是为你量身定制的练习伙伴。我期待的是那种能够实时反馈我的演奏准确度、能根据我目前的水平自动调整难度的互动程序。然而，我得到的更多是预先录制好的、标准的伴奏音轨，它们播放得极其完美，精准得让人有些不知所措。当我自己的演奏节奏稍有偏差时，那些伴奏听起来就像是无情的裁判，让我压力倍增，而不是感受到鼓励。教材本身的设计偏重于传统的纸笔练习，对于我这种更习惯于通过屏幕互动来学习新技能的Z世代学习者来说，它的吸引力大打折扣。它像是上个世纪九十年代的产物，被硬生生地塞进了二十一世纪的教学体系中。如果它能提供更丰富的AR或VR体验，或者至少是一个设计更友好、更现代化的App界面来辅助练习，它的实用价值会大大提升。现在，我感觉自己是在用一部智能手机去运行一个DOS系统的程序，效率和乐趣都大打折扣。

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关于教材中对“合奏”概念的引入，我觉得处理得非常不接地气。虽然它强调了乐队训练的重要性，并且在后半部分开始出现多声部练习，但这些练习的难度跨度实在太大，并且脱离了现实乐队排练的语境。书中的合奏部分往往是两种或三种乐器声部同时出现，但它们之间的配合逻辑，特别是如何“倾听”和“适应”其他声部（比如，低音如何支撑旋律，高音如何突出和声），几乎完全依赖于学习者自身的经验积累或额外请教他人。对于一个在家里独自摸索的初学者来说，这种设计是极不友好的。它假设了学习者已经拥有一个成熟的乐队环境或者一个经验丰富的老师在身边进行指导。如果我没有这样的条件，这些合奏练习对我来说，更像是两个或三个不相关的独奏练习被强行拼凑在一起，彼此之间缺乏有机的联系。我希望教材能够提供更明确的“乐队角色”指导，比如，在练习某个段落时，长号声部应该扮演怎样的角色，如何找到自己的声部在整体织体中的位置。目前的版本，更像是为已经组建好的、有专业指导的乐队准备的补充材料，而不是一个能让零基础个体从零开始构建乐队技能的“基石”。

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这本书的结构，虽然在理论上是完整的，但在实际的“可操作性”和“趣味性培养”上，暴露了明显的短板。它似乎更侧重于“演奏正确的音符和节奏”，而对“音乐性表达”的引导相对匮乏。例如，当练习到一些基本的旋律片段时，书上只标注了音高和时值，对于力度记号（如p、f）的使用也显得过于程式化和机械。我总是在思考：我拉奏的这段旋律，应该带有怎样的情感？是轻柔的诉说，还是激昂的宣告？教材里几乎没有提供任何关于“如何赋予这些音符生命”的提示。这导致我的练习过程非常像机器人的指令执行，缺乏探索的乐趣。当我尝试自己加入一些情感处理时，又会担心是否偏离了教材的“标准答案”，毕竟这本教材的影响力太大，让人不敢轻易越雷池一步。这种被规范感过度束缚的感觉，极大地削弱了学习乐器的初衷——那就是表达自我。一本优秀的入门教材，应该在教你如何“弹奏”的同时，教你如何“聆听”和“感受”。而这本，更像是一本精密的乐器维护手册，告诉你每一个螺丝钉应该在哪里，但没告诉你这台机器最终能发出怎样动人的轰鸣。

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