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出版者:Indiana University Press

作者:Edward L. Kottick

出品人:

页数:576

译者:

出版时间:2003-6-11

价格:USD 75.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780253341662

丛书系列:

图书标签:

• 音樂
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键盘上的辉煌：一部横跨数个世纪的乐器史诗 《键盘上的辉煌：一部横跨数个世纪的乐器史诗》 是一部雄心勃勃的、全面深入的研究著作，致力于探索西方音乐史上最迷人、最具表现力的键盘乐器家族——大键琴（Harpsichord）的兴衰、演变及其对音乐文化产生的深远影响。本书以严谨的学术态度和生动的叙事笔触，带领读者穿越时空，领略这种精巧乐器从其诞生之初到黄金时代，再到沉寂与复兴的全过程。 本书的叙述并非仅仅停留在乐器构造的机械层面，而是深入挖掘了它在不同历史时期所扮演的文化、社会和艺术角色。它不仅仅是一部乐器技术史，更是一部与作曲家、演奏家、贵族赞助人以及社会审美变迁紧密交织的音乐文化史。 第一部分：起源与黎明（约1300年 – 1550年） 本部分追溯了大键琴的“前世今生”，探讨了其如何从早期的拨弦乐器，如古提琴（Psaltery）和坎农（Qanun）等中东及欧洲的古老乐器中汲取灵感，并逐步形成独特的机械结构。 1. 早期形态的萌芽： 我们将考察中世纪晚期文献中首次提及的“Clavicembalo”或“Cembalo”的模糊记载。重点分析了这种乐器如何开始使用键盘来控制弦的拨动机制，使其音量和音色具备了区别于鲁特琴等指弹乐器的特点。 2. 意大利的精致与早慧： 意大利被公认为是早期大键琴发展的重要中心。本章详细分析了早期意大利式大键琴的特点——通常结构相对轻巧，音色明亮而清晰，带有明显的“拨弦感”。我们考察了佛罗伦萨美第奇家族的宫廷对早期乐器制造的资助，以及早期著名家族式琴师，如布鲁内蒂（Brunetti）家族的贡献。 3. 键盘的首次标准化： 探讨了在文艺复兴早期，键盘布局和八度划分的初步标准化进程，以及这种乐器如何开始被用于独奏和室内乐。 第二部分：文艺复兴的辉煌与区域风格的奠定（约1550年 – 1700年） 随着文艺复兴晚期和巴洛克早期音乐的蓬勃发展，大键琴迎来了第一次黄金时代。此时，欧洲各地发展出了截然不同、各具特色的制造流派。 1. 佛兰德斯学派的崛起： 鲁歇（Ruckers）家族的出现是历史性的里程碑。本章详细介绍了安特卫普（今比利时地区）大键琴的特点：坚固的结构、双排或三排琴弦（可提供八度音程或对比音色）、以及温暖而宏大的音色。我们深入剖析了鲁歇琴的构造细节，如其特有的“扬弦机制”和木材选择，以及这种乐器如何成为巴赫和亨德尔早期作品的最佳载体。 2. 法国的优雅与复杂化： 法国的大键琴在路易十四时期达到了艺术性的顶峰。本节着重分析了法国“长琴”（clavecin）的演变，特别是它们在音色处理上的精雕细琢。我们将讨论法国式乐器如何采用更精致的木材装饰、象牙或乌木的键面处理，以及如何通过不同的“停止器”（stops）组合来模仿管弦乐的效果，这为后来的法西尔（Fischi）和布隆尔（Blanchet）等大师的创作奠定了基础。 3. 西班牙与英格兰的独特声音： 考察了西班牙巴洛克音乐中大键琴的地位，及其与鲁特琴音乐的融合。同时，分析了在英国，尤其是伊丽莎白一世宫廷中，大键琴如何与维吉那琴（Virginal）和斯皮内特琴（Spinet）共同构成键盘音乐的生态系统，并催生了比尔德（Byrd）和吉尔斯（Giles）等杰出作曲家。 第三部分：巴洛克的高峰与结构精进（约1680年 – 1750年） 巴洛克晚期是大键琴无可争议的巅峰时期。本部分聚焦于这一时期乐器制造技术如何与复杂的对位音乐和炫技演奏的需求完美契合。 1. 德意志的理性与精确： 分析了德国地区，尤其是科隆和汉堡地区的琴师们所追求的工艺。德式大键琴的特点在于其清晰的音色分离度，这对于演奏巴赫的赋格曲至关重要。我们将考察不同音程的弦组配置，以及如何通过精准的机械设计来保持音色的均衡性。 2. 协奏曲与大键琴： 讨论了大键琴在巴赫的《勃兰登堡协奏曲》和《键盘协奏曲》中作为领奏乐器的地位。乐器制造者如何努力使大键琴的音量和穿透力足以与新兴的管弦乐团抗衡，是本章的核心议题。 3. 键盘的“换档”艺术： 深入探讨了在多排键盘（通常是上下两层）上演奏的复杂技巧——“转位”（hand-over）。这种技巧使得演奏者能够在同一件乐器上瞬间切换不同的音色组合，极大地拓宽了音乐的表现力范围。 第四部分：古典时代的转型与式微（约1750年 – 1850年） 随着启蒙运动思潮的兴起和对“自然、清晰、柔和”审美的追求，大键琴逐渐被音量更大、力度变化更丰富的钢琴（Pianoforte）所取代。 1. 音色偏好的转变： 探讨了从洛可可晚期到古典主义早期，音乐审美如何从巴洛克时期的装饰性转向了对“情感表达”的渴望。大键琴的固定音高（缺乏力度变化）成为其在新的音乐语境下被淘汰的主要原因。 2. 钢琴的兴起： 分析了斯皮内特琴和羽管键琴在向古钢琴过渡过程中的技术融合。考察了早期的钢琴（例如施坦威钢琴的前身）是如何借鉴了大键琴的结构框架，同时引入了击弦机制。 3. 遗忘的时代： 描述了从19世纪初到19世纪末，大键琴几乎完全消失在音乐厅和家庭中的历史。这段时期，许多原有的乐器被拆解、改装，或被视为过时的古董。 第五部分：复兴与当代对话（约1890年至今） 本书的最后一部分聚焦于20世纪初大键琴的“文艺复兴运动”，以及当代音乐家和制造者如何重新认识和诠释这种古老的乐器。 1. 早期复兴的先驱： 追溯了Wanda Landowska等音乐家如何重新发掘巴赫和斯卡拉蒂作品的魅力，以及他们对“巴洛克式演奏风格”的探索。讨论了早期复兴者对原制乐器和现代制造材料的不同选择所引发的争议。 2. 历史演奏运动（HIP）的影响： 重点分析了20世纪下半叶“历史演奏运动”对大键琴复兴的决定性作用。这不仅包括对原制造技术的精确考证，还包括对不同历史时期使用不同拨弦材料（如鹅毛、皮革、塑料）的深入研究。 3. 当代制造与演奏： 考察了当代杰出的琴师们如何平衡历史准确性与现代演奏家的实际需求。分析了当代大键琴在音乐节、专业录音和学术研究中扮演的关键角色，以及它如何与现代作曲家（如斯特拉文斯基、布里顿等）的作品产生新的对话。 结语： 总结了大键琴作为一种文化载体的持久价值，它不仅是连接过去与现在的桥梁，也是对精湛工艺和音乐灵性的永恒致敬。 本书通过大量的历史文献、乐器图纸、早期音乐手稿的分析，为读者提供了一幅完整而生动的键盘乐器发展图景，无论您是音乐学者、演奏家、乐器爱好者，还是仅仅对欧洲艺术史抱有兴趣的读者，都能从中获得深刻的洞察。

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我是一个比较注重实用性知识的读者，而这本书在技术层面上给予的深度绝对超乎我的预期。它不仅仅停留在“这是什么”的层面，而是深入到了“它是如何运作的”的内核。对于那些对乐器结构有好奇心的读者来说，书中对不同类型羽管键琴——如弗莱芒式、意大利式和法国式——的构造差异的对比分析，简直是一次精妙的工程学普及课。作者对“簧片”（plectrum）材料的演变，从鹅毛到现代合成材料的探讨，那种对细节的执着令人敬佩。书中对音色特性的描述，不再是简单的“明亮”或“柔和”，而是用非常精确的术语来定义其泛音结构和衰减特性，这对我理解不同时期演奏风格的合理性提供了坚实的理论基础。老实说，光是理解了这些构造上的差异如何决定了音乐的性格，就觉得这本书的价值远远超过了它的定价。它成功地将一门高度专业化的工艺史，转化成了一段引人入胜的智力探索之旅。

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说实话，我一开始有点担心这本书会过于学术化，让人望而却步，但实际阅读下来，发现作者在保持学术严谨性的同时，保持了一种极高的可读性。他似乎有一种魔力，能将那些晦涩的年代和复杂的乐器名称，用一种既尊重历史又贴近现代读者的语言组织起来。特别是书中关于羽管键琴在特定历史时期（比如路易十四宫廷）中扮演的社会角色，以及它如何成为贵族身份象征的论述，非常精彩。这让我明白，乐器不仅仅是发声的工具，它更是承载了特定时代精神和阶层文化符号的载体。作者通过对宫廷文献的挖掘和对现存古董乐器的细致考察，重构了一个生动的历史场景。读完之后，我不再仅仅把巴赫的键盘作品看作是纯粹的音乐结构，而是能想象出它们是如何在那些精雕细琢的键盘上，被赋予了当时的礼仪、权力和情感的色彩。这种对文化背景的深度挖掘，是许多同类书籍所缺乏的。

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这本书简直是音乐爱好者的福音，尤其对于那些对键盘乐器，尤其是羽管键琴（Harpsichord）的历史和构造抱有浓厚兴趣的人来说。我拿到这本书的时候，首先被它精美的装帧吸引了，纸张的质感和排版设计都透露出一种典雅和专业的气息。作者在开篇就构建了一个宏大的叙事框架，从羽管键琴的早期起源，追溯到巴赫时代的全盛，再到后世的复兴浪潮，简直像一部波澜壮阔的史诗。他不仅仅罗列事实，而是巧妙地将乐器的技术演变与当时的社会文化背景、音乐思潮紧密结合起来。比如，书中对不同地区、不同时期羽管键琴制作流派的详细剖析，那些关于音板的木材选择、弦轴的张力设计、以及那个精妙的“起拨”机制的描述，都展现了作者深厚的专业知识和近乎痴迷的研究精神。读起来完全不像是在啃一本枯燥的学术著作，更像是在听一位技艺精湛的工匠，绘声绘色地讲述他毕生的心血结晶。那些关于键盘布局的微小差异，以及如何影响了特定作曲家的创作习惯的分析，都让我对这件乐器有了全新的认识。

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这本书的价值体现在它提供的广度与深度达到了一个完美的平衡点。它既为初学者提供了清晰的脉络，避免了在浩瀚的历史中迷失方向；也为资深研究者提供了足够多的深入研究的切入点。我尤其欣赏作者对“复兴运动”部分的详尽记录，这部分内容往往被其他历史著作轻描淡写。书中对二十世纪中叶那些先驱制琴师和演奏家如何冒着巨大的非议，坚持使用羽管键琴演奏“早期音乐”的历程进行了细致的梳理，这本身就是一部关于艺术坚持与革新的感人故事。作者没有把这件事描绘成一个简单的技术回归，而是将其定位为一场对音乐“真实性”的哲学探讨。阅读这些章节时，我感受到了强烈的共鸣——那份对历史原貌的尊重，以及对纯粹艺术表达的追求，是超越时代的。整本书读下来，我对羽管键琴的敬意油然而生，它不仅仅是一种乐器，更是一段活着的音乐记忆。

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这本书的叙述方式非常引人入胜，它避开了传统音乐史书籍那种刻板的说教腔调，更多的是采用了一种富有画面感的叙事手法。我特别欣赏作者在描述那些传奇的制琴师时所采用的笔触——每一个名字都仿佛带着木屑和松香的气味，每一个制作过程的细节都栩栩如生。书中穿插了大量的历史文献引述和当时的艺术插图，这使得整个阅读体验极具沉浸感。我仿佛能“听见”那些十六、十七世纪的宫廷沙龙里，羽管键琴那清脆、略带金属质感的音色在空气中回荡。而且，作者对羽管键琴在不同音乐流派中的角色转换把握得非常精准，从维也纳古典乐派的过渡期，到浪漫主义时期它一度被钢琴“流放”的落寞，再到二十世纪初期历史演奏运动中的“王者归来”，那种情感上的起伏跌宕，处理得极为细腻。阅读过程中，我不断地停下来，思考着技术进步对艺术表达的深刻影响，这本书无疑拓宽了我对音乐史理解的维度。

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