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出版者:

作者:Bermingham, Alan

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:2003-9

价格:$ 64.35

装帧:

isbn号码:9780240519371

丛书系列:

图书标签:

• 电视照明
• 布光
• 摄影
• 影视制作
• 灯光技术
• 现场照明
• 拍摄技巧
• 行业指南
• 专业照明
• 数字电影

电视照明的艺术与技术：聚焦于布光设计、设备应用与实践操作 本书深入探讨电视制作中至关重要的视觉元素——光线。不同于侧重于影视电影制作的照明书籍，《电视照明的艺术与技术》 专注于电视演播室、现场报道、脱口秀、新闻播报以及多机位节目录制等特定环境下的光照需求、设计原理与技术实施。 本书首先从光学的基本原理入手，为读者建立扎实的理论基础。内容涵盖光的物理特性，如色温、显色指数（CRI）、光通量与照度等关键指标。在此基础上，详细解析了不同光源的特性，包括传统的钨丝灯、荧光灯、高效能的HMI灯，以及在现代制作中占据主导地位的LED照明技术。我们将剖析各类LED灯具（如点光源、柔光箱、光柱灯）的优缺点，探讨其在能耗、散热、色彩还原与调光控制方面的表现，并提供如何根据节目类型选择最合适光源的决策框架。 核心部分集中于电视布光设计的四大基石：主光（Key Light）、辅光（Fill Light）、轮廓光/背光（Back/Rim Light）和背景光（Background Light）。每一部分都配有详尽的图示与案例分析，解释其在构建人物立体感、分离主体与背景以及营造特定氛围中的作用。书中不仅阐述了经典的三点布光法，更扩展到更复杂的四点、五点乃至多灯位布光策略，特别针对人物肤色在不同光照条件下的表现进行深入研究，确保画面既有层次感又不失真实感。 本书特别强调演播室环境的独特性。演播室内空间相对固定，但节目类型千变万化（如访谈、音乐表演、情景喜剧），要求灯光师具备快速适应和重新配置的能力。因此，书中有一整个章节专门讲解虚拟背景与实时图形（AR/VR）集成照明。这部分内容涵盖了如何处理绿幕/蓝幕抠像所需的均匀、无阴影照明，如何设计与虚拟场景光照完美匹配的实景光源，以及如何使用先进的动作捕捉系统中的辅助照明。 在设备操作与控制方面，本书提供了详尽的指南。从基础的灯具悬挂、安全规范、控光台（调光器）的基础操作，到高级的DMX协议、网络化灯光控制系统（如Art-Net, sACN）的配置与编程。我们详细介绍了智能灯具（Moving Lights）在电视舞台设计中的应用，包括光束效果、色彩混合与图案投射，并提供了一系列实用的灯光编程技巧，以实现复杂且平滑的灯光转换。 现场制作的挑战是本书的另一大亮点。与受控的演播室不同，现场报道、体育赛事或户外访谈面临不可控的环境光、快速转场和时间限制。书中提供了应对这些挑战的实用策略，如便携式LED灯组的选择、电池供电解决方案、快速部署的柔光方案，以及如何在强烈的日光下维持主体曝光平衡的技术。我们探讨了如何利用自然光作为主要光源，并用人工光进行精准补充和塑形。 本书也关注电视照明的流程管理。从收到制作需求单（Lighting Plot Request），到与摄影指导（DP）、场景设计师、导播之间的沟通协作，再到最终的灯光排练（Lighting Rehearsal）与现场执行。书中提供了标准的灯光图纸解读方法，以及如何有效地进行灯光“标记”（Marking）和故障排除（Troubleshooting）。 色彩管理与校准是现代电视制作不可或缺的一环。本书不仅教授如何使用色彩滤光片（Gels），更侧重于数字色彩空间的理解，如何确保演播室光源的色彩输出与摄像机色彩科学（如Log/SDR/HDR标准）完美匹配，保证在不同播出平台上的视觉一致性。 最后，本书以未来趋势作结，探讨了计算摄影对照明设计的影响、基于AI的自动布光辅助系统，以及如何在超高清（UHD）和高动态范围（HDR）制作中调整和优化传统照明技术。 《电视照明的艺术与技术》 旨在成为从灯光助理到资深灯光设计师的专业人士的必备工具书，帮助他们驾驭光线，将平面的画面转化为富有深度、情感和专业品质的电视视觉体验。本书内容聚焦于实践、技术深度与对电视制作流程的全面理解，确保读者掌握的知识与技能直接应用于各类电视节目的制作现场。

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作为一名长期从事纪录片后期调色的工作者，我购买这本书的初衷是希望它能提供一些关于“现场决定后期”的宝贵经验，特别是针对非虚构题材，如何在有限的现场条件下，利用环境光线和便携灯具，为后期调色留下足够的“操作空间”。我特别关注的是关于色彩温度的精确控制以及如何避免在复杂光源下录制的素材出现恼人的彩色噪点。遗憾的是，此书的大部分篇幅似乎完全脱离了纪录片这种快速、随机的拍摄环境，它所描绘的场景大多是经过精心设计、灯光师团队齐备的演播室或棚拍环境。对于如何快速设置一套适合快速移动、适应多变环境的应急照明方案，书中只是一笔带过。我本可以接受一些基础理论的复习，但这本书的重点似乎完全偏离了我在实际工作中真正需要解决的痛点：如何在极端的低照度条件下，用最少的设备，捕捉到具有情感张力的画面，并且保证后期在调色台上不会因为原始光线质量太差而导致画面崩溃。这本书给我的感觉，更像是一本为新手摄影系学生准备的“安全手册”，而非给寻求解决复杂现场难题的专业人士提供的“工具箱”。

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这本书的封面设计着实引人注目，那种深沉的蓝与恰到好处的暖黄光晕交织在一起，立刻抓住了我对摄影和视觉艺术的敏感神经。我原本期望它能深入探讨如何通过光线来塑造场景的情绪和叙事层次，尤其是在现代数字制作环境中，动态范围的控制和HDR技术的应用如何重塑传统布光思维。然而，实际翻阅后，我发现内容似乎更侧重于一些基础的、教科书式的布光原理讲解，那些关于菲涅尔灯、柔光箱尺寸对阴影边缘影响的论述，在市面上其他入门级的照明手册中已是常见配置。我本想探究一下如何在高对比度的户外场景中，使用廉价设备模拟出电影胶片般细腻的过渡，或者如何利用LED面板的色彩校准功能来解决复杂的白平衡问题，这些更具实操性和前沿性的议题，在这本书中几乎没有得到触及。期待中那种关于“用光讲故事”的哲学思辨，也被大量技术规格的罗列所取代，使得整体阅读体验少了一份灵动，多了一份沉闷的理工科气息。如果我的目标是快速掌握影棚内标准三点布光法，这本书或许能提供一个合格的框架，但对于寻求突破和创新视觉语言的资深从业者来说，它提供的养分可能略显单薄。

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这本书的语言风格，虽然力求专业，但有时显得过于冗余和学院派，这使得原本可以直接简洁说明的要点被复杂的术语包裹起来。例如，在描述如何柔化硬光时，书中用了大段的篇幅来阐述光线的衍射和散射理论，而一句“在灯具前放置一层扩散材料”就能清晰表达核心操作。这种对理论深度不必要的拉伸，反而稀释了关键信息的有效性。对于那些已经对物理光学有基本认识的读者而言，这无疑是一种时间的消耗。我更倾向于那种直接、务实的写作风格，即明确指出“当你想要A效果时，采用B设置，你会得到C结果”。本书似乎更热衷于证明“为什么”要这样做，而非高效地指导“如何”去做。因此，这本书更像是为初次接触灯光领域、需要建立完整理论框架的学生准备的参考书，对于寻求高效现场技巧和解决疑难杂症的实践者来说，它的价值被其过多的理论铺垫所稀释了。

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阅读体验上，这本书的逻辑结构显得有些松散，知识点的衔接不够流畅自然。它似乎将许多独立的、碎片化的技术笔记堆砌在一起，而非按照一个连贯的知识进阶路径进行组织。比如，在探讨了关于色温和显色指数（CRI）的章节后，紧接着就跳跃到了某种特定品牌聚光灯的使用说明，这种跳跃让读者的思维难以保持在同一个层面上进行深入思考。我更希望看到的是一个“问题导向”的架构，例如：第一部分，如何解决‘深度感’的问题（侧重角度和光比）；第二部分，如何解决‘色彩准确性’的问题（侧重光源质量和滤镜）；第三部分，如何解决‘效率与预算’的问题（侧重灯具选择和设置速度）。目前的编排方式，使得我在寻找特定问题的解决方案时，不得不来回翻阅，因为相关的知识点被分散在了不同的章节，这对于需要快速查阅和回顾的专业人士来说，无疑增加了额外的负担和挫败感。

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从美学角度审视，这本书的配图质量和选择令人感到困惑。高质量的灯光教材，理应包含大量震撼人心的案例分析，通过对比清晰地展示不同布光方案对演员面部立体感、场景空间感的影响。然而，此书中的插图大多是简单的、示意性的灯光图示，往往只用线条和几何图形来代替复杂的三维空间和材质的互动。例如，当讨论到伦勃朗光（Rembrandt Lighting）的经典效果时，我期待能看到一系列不同面型和肤色模特在同等光照下的细腻表现，并配以详细的光路分析，解释光束如何被鼻子、颧骨恰到好处地切割。取而代之的，是一些略显粗糙的、缺乏细节的平面图。这使得书中理论的阐述缺乏有力的视觉佐证，读者很难将抽象的参数（如灯具距离、角度）与最终屏幕上呈现的艺术效果直接关联起来。对于追求视觉精进的人来说，这种图文分离的体验，极大地削弱了理解和吸收知识的效率，仿佛在听一场没有PPT的演讲。

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