Henry Moore Complete Drawings 1916-86 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:Garrould, Ann/ Moore, Henry

出品人:

页数:400

译者:

出版时间:2003-10

价格:$ 169.50

装帧:

isbn号码:9780853316022

丛书系列:

图书标签:

Henry Moore
雕塑
绘画
素描
艺术
艺术史
现代艺术
英国艺术
草图
作品集

下载链接在页面底部

facebook linkedin mastodon messenger pinterest reddit telegram twitter viber vkontakte whatsapp 复制链接

想要找书就要到图书目录大全

book.wenda123.org

立刻按 ctrl+D收藏本页

你会得到大惊喜!!

具体描述

This volume in the complete catalogue of Henry Moore's drawings covers the period 1950 to 1976. Its publication marks the completion of the chronological catalogue of Moore's drawings. Although Moore's overwhelming preoccupation during this period was his sculpture, he nevertheless found time to experiment with different media, drawing with felt-tipped pens and brush-and-ink on tissue paper laid down on normal-weight drawing paper, for example. He also painted on blotting paper, using random offset patches of watercolour as a starting-point for his imagination - which never faltered, despite the increasing physical frailty which beset him during the 1970s as his 80th birthday approached. This volume is the largest in the series and features about 2000 entries and accompanying illustrations. Its compilation has been a research challenge: in the course of the 26 years covered by this volume Moore used many notebooks, some large, some very small, some begun in one year and then laid aside, forgotten or indeed mislaid until the artist took them up again several years later. When exhibitions were planned, or dealers requested drawings, Moore would tear pages out of the notebooks, and these were often only minimally catalogued before being sold on to galleries or collectors around the world. The considerable research work which has gone into establishing the chronology and media of the drawings in this volume should therefore be welcomed by Moore scholars worldwide.

雕塑的内在叙事：探寻现代主义的形体语言与精神空间本书聚焦于20世纪现代主义雕塑领域中，几位关键艺术家的创作历程、哲学思考及其对物质与空间关系的革新性探索。我们旨在深入剖析这些艺术家如何通过对传统材料（如青铜、大理石、木材）的颠覆性处理，以及对非传统材料（如工业废料、光线、空气）的引入，构建出具有强烈内在生命力的视觉体系。本书不是对某一位艺术家作品的全景式梳理，而是旨在建立一个跨越地域和流派的对话框架，探讨“形式即内容”在雕塑语境下的具体实现。我们将重点考察康斯坦丁·布朗库西（Constantin Brâncuși）在“纯粹形式”追求上的极致——他如何将对象简化至其本质的几何结构，以及这种极简如何反过来激发观众更深层次的感官与精神体验。布朗库西的工作室实践，尤其是他对于底座与作品之间关系的审慎处理，被视为理解现代雕塑如何从“描绘”走向“存在”的关键。我们将详细分析《新生儿》系列中对有机体生命力的抽象捕捉，以及《空中之鸟》中对运动与轻盈的永恒凝固。紧接着，我们将转向探讨亨利·摩尔（Henry Moore）的同辈人及后续影响者，例如阿尔贝托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti）。贾科梅蒂对人类境况的关注，通过他标志性的细长、被拉伸的形体得以体现。我们分析他的作品如何承载着二战后欧洲的疏离感与个体存在的脆弱性。贾科梅蒂的工作方法——从粘土的快速堆塑到最终铸造的漫长等待——揭示了艺术家与物质之间持续的、近乎徒劳的抗争过程。他的工作室环境，充斥着未完成的半成品和反复修改的草稿，本身就是对存在主义哲学的具象化表达。本书的第三部分将转移到美国，探讨戴维·史密斯（David Smith）如何将工业时代的钢材转化为富有表现力的三维素描。史密斯对焊接技术的娴熟运用，彻底解放了雕塑的“体积”概念。他不再将雕塑视为被包裹的实体，而是转化为空间中的“负形”与“姿态”。我们将细致考察他如何利用工业废料和现成品，创作出兼具抽象几何力量和瞬间动感的作品。这些作品不仅是形体，它们是关于“在场”与“缺席”的辩证关系。随后，我们将探讨爱德华·多尼思（Eduardo Chillida）对材料“内部张力”的挖掘。这位西班牙艺术家，尤其擅长处理铁与混凝土，他的作品仿佛是被地质力量塑形而成。我们不会着重描述其作品的最终形态，而是聚焦于其创作过程中的“留白”策略。多尼思的作品中，物质的重量感与空间被切割、穿透的锐利感形成了强烈的对比，迫使观众重新思考实体与虚空的互动边界。在后现代思潮涌现之际，本书的视野将拓展至那些挑战传统雕塑范畴的实践者。例如，我们探讨理查德·塞拉（Richard Serra）如何利用巨大的、倾斜的钢板，介入并重塑观众的行走路径与感知空间。塞拉的作品不在于其雕塑形态本身，而在于它如何改变人与环境的物理关系。他的创作方法论——从精确的计算机计算到现场的暴力安装——代表了对纪念碑性雕塑的一种深刻反思。此外，书中将辟章节专门讨论抽象表现主义雕塑中的“过程美学”。例如，李·昂德鲁斯（Lee Bontecou）利用帆布、钢丝和内部的空腔结构，创造出令人不安的、具有生物特征的“容器”或“口器”形象。这些作品的张力来自于它们被“膨胀”或“吸入”的动态感，以及它们对观看者心理深处原始恐惧的触及。本书的叙事结构旨在呈现一条清晰的脉络：从布朗库西对形式纯粹性的净化，到贾科梅蒂对存在焦虑的具象化；从史密斯对工业材料的解放，到塞拉对空间关系的结构性干预。我们相信，理解这些艺术家的贡献，需要我们超越对最终成品表象的判断，而是潜入其创作背后的哲学驱动力、对材料物理特性的敬畏，以及他们试图在三维空间中捕捉的那些不可言喻的生命律动与精神状态。全书通过对创作手稿、工作室照片以及艺术家访谈的细致梳理，力求还原一个立体、充满内在冲突与深刻洞察的现代雕塑场域。最终，本书将总结这些艺术家的共同遗产：他们共同将雕塑从传统的叙事或装饰附属地位中解放出来，使其成为一种独立而强大的哲学载体，一种对物质世界法则的深刻质疑，以及对人类在宇宙中位置的永恒追问。我们关注的是，形体如何呼吸，空间如何被定义，以及材料本身如何被赋予了超越其物理属性的意义。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

与其说这是一本关于亨利·摩尔绘画的汇编，不如说它是一部关于“如何观看”的教科书。书中大量的、看似随意的线条练习，实则蕴含着他对三维空间向二维平面转化的深刻理解。有些页面的布局采用了极为大胆的留白处理，这种“空白的力量”反而凸显了画面中图形元素的张力和存在感。我发现自己不再是匆匆地扫过图片，而是开始学着用艺术家的眼光去审视日常可见的物体，比如一块石头、一节断裂的树枝，都在我的脑海中被分解、重构，充满了潜在的雕塑形态。这种潜移默化的影响，是任何一篇学术论文都无法给予的，它真正将艺术的力量注入到了读者的日常感知之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是神来之笔，它巧妙地将跨越七十余载的创作片段，梳理成了一条清晰而又充满意外的河流。时间线的推进并非简单的年代罗列，而是围绕着几个核心的主题和母题进行穿插与对照。例如，某一阶段对于“躺卧的形象”的反复推敲，如何与后期那些抽象化的岩石和骨骼结构相互呼应，那种跨越时空的对话感，让人不禁拍案叫绝。那些旁注和简短的引言虽然克制，却字字珠玑，恰到好处地为读者指明了欣赏的切入点，又不至于过度解读，将最终的阐释权留给了观者自身。读完整本，我感觉自己不仅仅是看了一堆作品，更是经历了一场关于形式、空间和材料之间复杂关系的深度研讨会，收获远超预期。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调一下这本书在触感和阅读体验上的独特之处。许多艺术画册往往只注重视觉的冲击力，却忽略了与读者的物理交互。然而，这本画集在处理不同时期作品的纸张纹理上做得极其到位——早期的炭笔稿用了略带粗粝感的哑光纸，仿佛能感受到纸纤维的阻力；而战后的彩色设计稿则采用了光滑细腻的铜版纸，使得色彩的饱和度达到了极致。这种“触觉阅读”的层次感，极大地丰富了体验，让观赏过程不再是单调的“看”，而更接近于“重现”艺术家创作时的材料感知。这种对细节的坚持，是真正热爱艺术出版的人才能做到的。

评分☆☆☆☆☆

对于那些长期关注现代主义雕塑的朋友来说，这本书无疑是一份不可或缺的案头工具书，其资料的详尽程度令人敬佩。尤其是那些早期鲜为人知的学习笔记和练习稿，它们揭示了摩尔是如何将他对古代艺术（比如玛雅浮雕）的痴迷，转化为他独特雕塑语言的基石。通过这些前期探索，我们得以窥见那些最终定型的雕塑作品背后，所承载的无数次草图的搏斗与挣扎。装订的牢固程度也让我安心，要知道，这么厚重且承载了如此多历史价值的艺术作品集，必须能够经受住反复翻阅的考验。这绝对是艺术院校学生和专业研究人员书架上，一个真正有重量级的存在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，色彩的运用大胆而富有张力，让人一眼就能感受到其中蕴含的艺术激情。装帧的质感也相当考究，厚实的纸张和精细的印刷工艺，使得每一幅画作的细节都得到了完美的呈现。当我轻轻翻开扉页，映入眼帘的是一幅充满力量感的线条速写，那种原始的生命力和雕塑感扑面而来，仿佛能触摸到艺术家在创作时的呼吸和心跳。我特别喜欢其中关于早期素描的研究，那些对人体结构和自然形态的深入探索，展现了一个大师从蹒跚学步到登峰造极的完整心路历程。它不仅仅是一本画册，更像是一部视觉传记，通过这些黑白与彩色的痕迹，无声地诉说着亨利·摩尔艺术哲学的演变。随便翻到任何一页，都可能是一个新的惊喜，一处可以驻足良久的风景。

评分☆☆☆☆☆