Kurt Cobain (Rock Music Library)

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出版者:Edge Books
作者:Michael Martin
出品人:
页数:32
译者:
出版时间:2004-07
价格:USD 22.60
装帧:Hardcover
isbn号码:9780736827003
丛书系列:
图书标签:
  • Kurt Cobain
  • Nirvana
  • Grunge
  • Rock Music
  • Biography
  • Music History
  • 90s Music
  • Alternative Rock
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具体描述

- Full-color photographs- Table of contents, glossary, bibliography, index- Reinforced library binding- 32 pages, size: 7" x 9"- Learn about chapter introductions- Contextual definitions of unfamiliar terms- www.FactHound.com Internet sites

摇滚乐史诗:不朽的旋律与时代的回响 一部深入探讨二十世纪下半叶摇滚音乐黄金时代的宏大叙事,聚焦于那些定义了某种文化现象、重塑了音乐版图的艺术家、流派与关键事件。 本书并非某一位特定音乐人的传记或研究,而是对一个充满活力、不断演变的音乐生态系统的全面审视。我们拒绝将摇滚乐简化为单一的流派标签,而是将其视为一个不断自我革新、吸收不同文化元素的复杂有机体。从战后美国布鲁斯和乡村音乐的混血儿诞生,到英国入侵的浪潮席卷全球,再到七十年代华丽摇滚的戏剧性爆发,以及朋克运动的底层反叛,直至八十年代新浪潮的电子化探索,直至九十年代另类摇滚的巨大冲击波,本书试图勾勒出一条清晰而又曲折的摇滚发展脉络。 第一部分:根源与觉醒(1950s – 1960s 初):奠基石的构建 我们从摇滚乐的真正“原点”开始追溯。这不仅仅是关于电吉他音色的演变,更是对社会背景的深刻解读。探讨美国南方布鲁斯传统如何被注入新的节奏与能量,催生了早期的摇滚乐。 节奏布鲁斯的熔炉: 分析早期音乐人如何打破种族界限,将非裔美国人的音乐形式带入主流白人青少年的视野。着重探讨那种原始的、未经修饰的能量是如何被捕捉并商业化的。 英伦的呼吸: 详细记录“英国入侵”(British Invasion)的文化震撼。这不是一次简单的模仿,而是一场具有高度自觉性的文化回流。我们剖析了那些早期英国乐队如何消化、重构美国音乐语汇,并以一种全新的、更具侵略性的姿态返销给世界。这其中涉及到的社会心理学意义——为什么欧洲的青年人对美国三和弦的音乐产生了如此强烈的共鸣? 迷幻的黎明: 聚焦于六十年代中期,圣弗朗西斯科和伦敦地下场景的化学反应。探讨毒品文化、反战情绪与音乐实验的相互作用。专辑的概念化、录音技术的突破,以及对传统流行歌曲结构的反叛,是这一时期的核心特征。我们审视了那些试图用音乐构建替代现实的艺术家,以及他们对听众心智模式的拓展作用。 第二部分:多元化与技术革命(1970s):宏大叙事与专业化 七十年代是摇滚乐“成熟”的十年,也是其走向过度专业化和分流的时期。音乐人开始挑战商业极限,追求史诗般的长度和复杂的编曲。 前卫摇滚的建筑学: 深入解析那些将古典音乐、爵士乐的结构复杂性引入摇滚乐的乐队。分析他们如何利用多轨录音技术、复杂的节奏变化和概念化的歌词,将摇滚乐提升到近乎“艺术品”的地位。我们关注这种对“精湛技艺”的追求,如何与摇滚乐诞生之初的反权威精神产生张力。 硬摇滚与重金属的崛起: 探讨吉他音色的进化——失真(distortion)如何从一种瑕疵演变成一种美学宣言。分析那些建立在蓝调基础之上,但注入了更大音量、更具攻击性的音乐形态,以及它们如何迎合了七十年代中期的男性气质表达需求。 舞台的戏剧性: 华丽摇滚(Glam Rock)的出现不仅仅是视觉上的变装派对,它触及了性别流动性、身份政治的早期萌芽。我们分析了这些艺术家如何通过夸张的造型和舞台表现力,对传统摇滚的严肃性进行解构和讽刺。 第三部分:反叛与复苏(1970s 末 – 1980s):对既定秩序的反击 当七十年代的摇滚乐变得过于臃肿、昂贵和精英化时,一场由地下滋生的、更具直接性和社会批判性的运动应运而生。 朋克的纯粹暴力: 朋克不仅仅是快速的三和弦。它是一种哲学立场,是对“音乐英雄崇拜”的彻底拒绝。本书详细考察了纽约和伦敦朋克场景的运作方式,强调其DIY(自己动手)精神如何成为音乐传播和文化生产的新范式。 新浪潮的适应与进化: 随着技术进步(合成器、鼓机),一些朋克乐队开始探索更具旋律性、更适合广播播放的声音。新浪潮(New Wave)是朋克能量的理性化版本,它既保留了反叛的内核,又掌握了流行音乐的传播规律。 后朋克(Post-Punk)的阴影: 探讨朋克运动冷却后,音乐家如何转向更具实验性、更黑暗、更注重文本和氛围营造的领域。分析了社会经济衰退如何影响了艺术家的创作情绪,使得音乐更加内省和抽象。 第四部分:地下文化的爆发与主流化(1990s 至今):边缘的胜利 九十年代见证了摇滚乐最为显著的一次文化转移,原本被主流市场排斥的“另类”声音,以前所未有的规模登上了商业舞台的中心。 另类摇滚(Alternative Rock)的统治: 分析了这种音乐形态如何有效地吸收了六七十年代前卫摇滚对音乐复杂性的追求,与八十年代后朋克的内省气质,并用更接地气、更具情感爆发力的歌词进行包装。我们探讨了“真实性”在这一时期的商品化过程。 流派的交叉与溶解: 随着互联网的兴起和音乐制作的普及,传统的流派壁垒开始模糊。本书探讨了摇滚乐如何与嘻哈、电子乐元素进行融合,以及这种跨界尝试对下一代音乐人产生的影响。 遗产与未来: 总结摇滚乐作为一个文化驱动力的历史角色。尽管现代音乐市场格局已发生翻天覆地的变化,摇滚乐精神——即对权威的质疑、对个人情感的极致表达——依然在新的音乐形式中以不同的面貌延续。 本书旨在提供一个全面的、非中心化的视角,邀请读者重新审视摇滚乐如何不仅仅是一种音乐风格,而是一面反映社会变迁、青年焦虑和技术迭代的镜子。我们深入挖掘那些塑造了声音、改变了听众期待的艺术决策、商业博弈和社会思潮,构建起一座属于摇滚乐的无形纪念碑。

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读后感

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用户评价

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我必须承认,这本书的排版设计简直是一场视觉的灾难,但内容却出奇地引人入胜。它似乎更侧重于音乐背后的社会学意义,而非单纯的音乐技术分析。作者似乎对七十年代末期经济衰退对青年文化产生的深刻影响着迷,并试图将这种宏观背景与具体的乐队发展轨迹强行挂钩。这种宏大叙事的尝试,虽然有时显得有些牵强,但其广阔的视野确实让人耳目一新。比如,书中对某一特定时期专辑封面艺术风格演变的梳理,结合当时的印刷技术限制,写得极富洞察力,那种对媒介物质性的关注,是很多音乐传记中常常忽略的细节。我特别喜欢它处理信息的方式——大量使用交叉引用和脚注,仿佛在构建一个巨大的知识网络,引导读者不断深入挖掘,而不是简单地提供结论。读完后,我感觉自己对“文化挪用”这个概念有了更深一层的理解,尽管与我预期的有所不同,但收获颇丰。

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坦白说,这本书的焦点似乎完全放在了音乐产业的商业运作和唱片公司的内部斗争上,对于音乐本身,着墨不多。它对九十年代初几家大型唱片公司之间为争夺市场份额而进行的高风险并购案进行了详尽的“揭秘”。作者笔下的音乐家们,与其说是艺术家,不如说是被卷入巨大资本漩涡中的棋子。书中充满了对合同条款、预付款数额以及A&R部门决策失误的冷酷分析。我尤其关注了其中关于“捆绑销售策略”如何被用于推广边缘音乐流派的那一章节,那种对市场机制的无情解剖,让我对主流文化是如何被塑造的有了全新的认知。阅读体验是紧张且充满“阴谋论”色彩的,它让你怀疑你所听到的一切伟大音乐背后,都有着一双精明的、计算成本的眼睛在盯着。这本书对那些热衷于解构流行文化经济体系的读者来说,无疑是一份极佳的教材。

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这是一本非常注重口述历史和个人回忆录的汇编,但它的编辑手法相当大胆。作者没有试图建立一个连贯的时间线,而是将不同人物在不同时间点的访谈片段进行了碎片化的拼贴。我发现书中对幕后制作人的视角捕捉得尤为精准,那些关于如何“驯服”一个过于狂野的乐队,或者如何在录音棚中通过微小的调整彻底改变一首歌的情绪的细节,非常生动。比如,一个鼓手回忆起他在录制一个标志性桥段时,因为对镲片的摆放位置不满意而与制作人争吵的片段,充满了火药味和艺术家的固执。这种“多重视角”的呈现方式,虽然有时会造成信息上的重复,但它极大地增强了现场感和真实性,仿佛置身于那个高压、充满创造力的录音现场。它成功地描绘了“创造”这个行为本身所蕴含的巨大矛盾和能量。

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这本书真是让人沉醉,我花了整整一个周末才看完。作者似乎对音乐史有着一种近乎偏执的了解,尤其是在对七八十年代的朋克和后朋克场景的描绘上,简直如同身临其境。书中对早期独立厂牌的运作细节,以及那些标志性音乐节背后的幕后故事,都有非常深入的挖掘。例如,对于某个特定时期地下音乐社群内部的权力结构和美学冲突,作者用了大量的篇幅去分析,引用了许多我从未听闻过的乐队的早期Demo片段作为佐证。叙事风格非常紧凑,充满了那种老派摇滚乐评人特有的那种略带戏谑和愤世嫉俗的语调,读起来酣畅淋漓,感觉像是被一个资深乐迷拉到昏暗的录音棚里,听他滔滔不绝地讲述那些尘封的往事。如果说有什么不足,或许是有些地方的术语略显晦涩,非得有点专业背景才能完全领会其精髓,但瑕不掩瑜,对于想要深入了解那个黄金时代音乐生态的人来说,绝对是案头必备的经典。

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这本书给我的感觉是,它更像是一系列高度风格化的散文集合,而不是传统意义上的传记或历史梳理。它的语言极其华丽,充满了大量的比喻和象征,初读时甚至会让人产生一种眩晕感。作者似乎沉迷于对声音本身的哲学探讨,试图用文字捕捉那些转瞬即逝的音符的“质感”和“温度”。其中对特定吉他音色建模过程的描述,简直到了痴迷的程度,用到了很多我从未在任何技术手册中见过的形容词,比如“带着黄铜锈味的失真”或者“雨后柏油路面的回响”。虽然在实际操作层面上帮助不大,但这种对艺术体验的极限捕捉,确实为我打开了一扇新的窗户。我花了很长时间去回味那些关于“寂静”在噪音音乐中扮演的角色那几页,那种极简主义的叙事策略,与前面高密度的描述形成了强烈的张力,非常高明。

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