Absolute Essentials Of Music Theory pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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作者:MacLean, Don J.

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isbn号码:9781896595122

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• 音乐理论
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音乐理论的全面指南：从基础到高级的探索 本书旨在为音乐学习者提供一个全面而深入的音乐理论学习路径，它超越了基础概念的简单罗列，致力于培养读者对音乐结构、功能和美学的深刻理解。我们相信，真正的音乐洞察力来源于对理论工具的熟练掌握及其在实际创作与分析中的应用。 第一部分：奠定坚实的基础——声音的建筑材料 本部分将系统地构建读者理解音乐的基石。我们首先从音高和节拍的物理基础出发，探讨声音的本质，并引入十二平均律作为现代西方音乐的通用框架。 音高与音程的精确界定： 我们将详细解析音程的构成，从最基本的二度到复杂的十二平均律半音。不同于简单地列出音程名称，本书强调音程在和声功能上的感知差异和情感色彩，例如大三度和小三度在听觉上的张力对比。我们还会深入探讨纯律和中庸全音律的歷史演变，为读者理解调性系统提供历史纵深感。 节奏的结构化分析： 节奏不仅仅是时间的划分，更是音乐的驱动力。本章细致区分了拍号（Meter）与节奏（Rhythm）的区别。我们将分析不同文化和时期音乐中常见的复杂拍号，如复合拍号（如 6/8, 9/8）和混合拍号。更进一步，我们会探讨复节奏（Polyrhythm）和切分音（Syncopation）如何创造出动态的律动感。针对实践应用，我们提供了大量如何使用节拍器精确训练不同节奏组合的练习方法。 调性系统的核心：音阶与调式： 从最基础的大调和小调（自然、和声、旋律）的构建原理出发，本书带领读者进入更广阔的调式世界。我们将详细剖析教会调式（Ionian, Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian, Aeolian, Locrian）的音级结构、和声倾向以及它们在古典、爵士和电影配乐中的典型应用场景。理解每种调式的“味道”是理论学习的关键一步。 第二部分：和声的逻辑与色彩——构建音乐的骨架 和声是音乐的“语法”。本部分聚焦于如何有效地组织和连接和弦，从而引导听众的情绪走向。 三和弦与功能和声学： 我们不再止步于主、属、下属（Tonic, Dominant, Subdominant）这三大功能，而是详细分析它们内部音级的具体作用。我们将深入讲解导音（Leading Tone）的特殊引力，属七和弦（Dominant Seventh）的解决倾向，以及如何利用次属和弦（Secondary Dominants）为听觉景观增添色彩和短暂的调性转移。 七和弦的精妙运用： 七和弦是赋予音乐丰富性的关键。除了基础的大七、小七、属七、半减七、减七，本书还特别开辟章节探讨九和弦、十一和弦、十三和弦在功能和声中的作用。我们将解析减七和弦的等效性（En-harmonic Equivalence）和其在转调中的多功能性，以及布鲁斯和弦的特定结构。 和弦的连接与转调艺术： 理论的学习最终要回归到“如何连接”。我们将提供一套系统化的和弦连接原则，包括功能连接、声部进行（Voice Leading）的平滑性要求，以及如何避免不必要的平行五度和八度。在转调方面，本书详述了关系调转调、共同和弦转调和更具戏剧性的半音阶转调的实际操作步骤和听觉效果。 第三部分：高级结构与织体——深入探究音乐的深度 这一部分面向有志于更复杂音乐创作或深入分析的读者，涉及超越传统功能和声的领域。 调式和声（Modal Harmony）： 随着爵士乐和现代音乐的发展，调式和声的地位日益重要。我们将分析如何构建基于特定调式的和弦序列，例如Dorian的II级和弦、Lydian的增四度特征音，以及如何通过和弦的色彩音（Color Tones）来替代传统的功能和弦，创造出“漂浮的”听感。 非功能性和声与延伸： 本章探讨了超越传统T-D-S框架的和声手法。这包括增六和弦（意大利式、法国式、德国式）的结构与功能，和弦的替换（如Neapolitan Sixth Chord，那不勒斯六和弦），以及增进行进（Chromatic Mediants）如何制造意想不到的惊喜。我们还将介绍十二音体系的预备概念，为读者接触二十世纪音乐做铺垫。 对位法（Counterpoint）的原则： 对位法是音乐的“对话”。本书将以巴赫的风格为蓝本，深入浅出地介绍严格对位法的五种音级关系（严格平行、反向、斜向、同向进行），强调声部独立性、旋律线条的逻辑性和节奏的互补性。这对于提高个体旋律线的撰写能力至关重要。 第四部分：体裁与形式的演变——音乐的蓝图 理解音乐如何被组织成宏大的结构，是欣赏和创作复杂作品的关键。 小型曲式分析： 我们首先剖析最常见的二部曲式和三部曲式的内在逻辑，以及如何在主题的再现（Recapitulation）和对比（Contrast）中实现平衡。 奏鸣曲式深度剖析： 奏鸣曲式是古典时期音乐的基石。本书将把呈示部（Exposition）、展开部（Development）和再现部（Recapitulation）视为一个动态的叙事过程，重点分析主题的变形、转调的路径设计以及呈示部再现中调性关系的解决。 赋格曲的结构逻辑： 赋格曲被誉为对位法的巅峰。我们将详细拆解呈露部（Exposition）的主调与应答（Answer）的设置，间插句（Episodes）如何巧妙地利用动机材料，以及中段和尾声的结构安排，帮助学习者清晰地把握复调音乐的复杂织体。 实践与应用导向 贯穿全书的是对“如何应用”的强调。每章后都附有大量的听力训练提示和分析练习，鼓励读者将书本知识直接映射到实际的乐谱阅读和听音辨识中。本书不仅是理论的参考书，更是通往更深层次音乐理解和更富表现力创作的实践工具。它要求读者积极思考，将理论视为一种强大的、富有创造力的语言，而非僵硬的规则束缚。

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这本书的语言风格，用一个词来形容就是——干巴巴到令人窒息。作者的叙述方式极其学术化，充满了晦涩的术语和冗长的定义，仿佛他是在撰写一篇等待同行评审的博士论文，而不是一本面向广泛学习者的入门或进阶读物。他似乎完全没有意识到，对于初学者来说，一个生动的比喻、一个贴切的生活化例子，或者一段富有启发性的历史背景介绍，远比一段长达三行的复合从句定义来得有效得多。我多次发现自己因为一段文字太拗口而不得不回溯阅读三四遍，仅仅是为了理解一个看似简单的概念。更令人费解的是，书中缺乏足够的练习题和自我检验环节。理论学习的本质在于实践和内化，这本书却吝啬于提供任何可供读者立刻应用所学知识的场景。它只告诉你“是什么”，却很少告诉你“如何做”以及“为什么这样做”。这种单向度的信息输出，使得学习过程变成了一种被动的记忆负担，而不是一种主动的探索乐趣。

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作为一本声称是“绝对精要”的音乐理论书籍，它对二十世纪及以后现代音乐理论的覆盖度简直可以用“贫瘠”来形容。当我们步入二十一世纪，音乐语言早已超越了传统的T-S-D三大功能和声的范畴，涉及到复调序列、微音程、拼贴技术、集合理论（Set Theory）等复杂而前沿的领域。然而，翻遍全书，我几乎找不到任何关于这些重要发展方向的哪怕是基础性的介绍。它仿佛停留在上个世纪中叶，对当代音乐实践和学术研究的脉络完全视而不见。这对于任何一个立志于全面了解音乐理论发展史，或希望在当代语境下进行创作的读者来说，都是一个巨大的缺陷。如果一本理论书不能跟上时代的发展，那么它的“精要”性便大打折扣，因为它遗漏了构成当代音乐语汇的关键基石。选择这本书，你获得的只是一个厚重但已经过时的工具箱。

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这本书的排版和装帧简直是灾难级的，拿在手里感觉就像是八十年代那种廉价的教科书复印版。纸张的质量差到令人发指，稍微用力翻一下，边缘就可能卷曲或者出现难以修复的褶皱，而且印刷的油墨似乎还没完全干透，偶尔会沾到指尖上，让人感觉非常不专业。更糟糕的是，书中的图表和乐谱示例的清晰度简直是视觉上的折磨。那些复杂的和弦进行和声分析图，线条模糊不清，五线谱上的音符经常混在一起，有时候你甚至需要眯着眼睛才能分辨出是一个四分音符还是一个八分音符，尤其是在涉及一些需要精细辨认的对位法细节时，这种模糊性直接导致了学习效率的大幅下降。我不得不承认，我最终还是得去网上寻找更高清的PDF版本来辅助学习，这本实体书的存在感，除了占地方之外，几乎为零。如果出版商在制作过程中稍微多投入一点点心思，哪怕是采用稍微厚实一点的纸张，或者使用激光打印而非这种模糊的凸版印刷，都会让整个阅读体验产生质的飞跃。作为一本宣称是“绝对精要”的理论书，连最基本的阅读体验都无法保证，实在是对读者的不尊重。

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我花了好大力气才把这本书啃完，但坦白说，它在逻辑组织和知识的递进关系上，完全称不上是“精要”。它更像是一个知识点的堆砌场，作者似乎是把一份他过去十年所有课堂笔记一股脑地倒了出来，然后用粗暴的章节划分来勉强遮掩其内在的混乱。举个例子，关于调式和功能和声的章节，它在前半部分花了大量的篇幅去解释早已被现代音乐理论抛弃的某些古典和声规则，而在解释到更具实用性的非功能性和声以及十二音体系时，却仅仅是蜻蜓点水般地提了几个定义，缺乏深入的剖析和实际的案例支撑。这使得读者在尝试将理论应用到实际作曲或即兴创作时，会发现书中的“精要”并不够“精要”，反而充满了冗余且过时的信息。我期待的是一种清晰的、从基础到高级的、如同搭积木一般层层递进的结构，而不是这种东拼西凑、缺乏主线的知识罗列。读完后，我感觉脑子里装了一堆碎片，却无法用一个连贯的理论框架将它们有效地串联起来，学习曲线异常陡峭且令人沮丧。

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这本书在对不同音乐体裁的理论应用上，展现出了一种令人困惑的偏向性。它花费了不成比例的大量篇幅来详细解析巴赫时期的对位法和古典奏鸣曲式的结构，这本身无可厚非，但这种深度和篇幅的分配，明显挤压了对爵士乐和流行音乐理论的探讨空间。例如，在讲解和弦扩展和替代上，书中几乎完全依赖于严格的古典和声语境，对于爵士乐中常见的九和弦、十一和弦、十三和弦的复杂功能性变化，以及其在即兴中的应用，只有寥寥数语的提及，且多以“不规则”或“例外”来概括，缺乏系统性的梳理。对于更贴近现代听众的流行音乐的常用和声进行和配器特点，也几乎是只字未提。这意味着，如果你是一名主要受爵士或流行音乐影响的学习者，这本书提供的理论框架将是具有严重局限性和误导性的。它更适合一个想成为古典乐理论家的学者，而不是一个渴望理解和创作当代多种风格音乐的实用主义者。

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