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出版者:

作者:Randall, Robin

出品人:

页数:120

译者:

出版时间:1998-1

价格:$ 22.54

装帧:

isbn号码:9780793571277

丛书系列:

图书标签:

• Lead Sheet
• Fake Book
• Chord Chart
• Music
• Songbook
• Pop
• Jazz
• Blues
• Standards
• Piano
• Guitar
• Vocal

《和声的殿堂：深入探索西方音乐结构与创作技法》 书籍简介 本书旨在为音乐学习者、创作者及所有对音乐结构抱有浓厚兴趣的人士，提供一个系统、深入且实用的音乐理论与实践指南。我们摒弃了传统教科书的刻板说教，转而采用一种更具启发性和探索性的视角，带领读者走进西方音乐语言的复杂而迷人的世界。本书的核心在于解析音乐的“骨架”——和声、旋律、节奏的内在逻辑及其相互作用，最终目标是培养读者扎实的理论基础和强大的音乐思维能力。 第一部分：音高的构建与基础元素 本部分从最基本的元素入手，建立起理解复杂音乐现象的基石。我们不会止步于音高、半音、全音的简单罗列，而是深入探讨音程的心理感知与情感色彩。 音程的“性格”分析： 详细剖析大/小三度、纯五度、增减音程在不同历史时期和音乐风格中所扮演的角色。例如，如何通过特定的音程组合营造出紧张感（如三全音）或稳定感（如纯八度）。 调性的起源与演变： 追溯自然音阶、五度圈的概念，并对比大小调的结构差异及其带来的情绪基调。重点解析调式（如多利亚、弗里吉亚）如何为音乐注入独特的地域色彩和复古情怀。 节奏的呼吸： 超越拍号的表面定义，我们着重探讨节奏在音乐叙事中的驱动力。从最基础的等分到复杂的复节奏（Polyrhythm）和错位节奏（Hemiola），解析它们如何打破听觉预期，创造运动感和张力。 第二部分：和声的建筑学——三和弦的精妙运用 和声是音乐的血肉。本章将聚焦于三和弦这一核心要素，并将其视为构建宏大音乐结构的最小单位。 三和弦的内部张力： 深入分析大、小、增、减四种基本三和弦的内部结构（三度叠加）如何决定其听觉效果。探讨根音、三音、五音在和声功能中的权重分配。 功能和声的基石： 详细阐述主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V/V7）和下属和弦（Subdominant, IV）这三大功能组如何在西方音乐的对话中运作。我们将通过分析大量古典乐段，展示它们如何构建“提出问题—发展—解决”的经典音乐逻辑。 七和弦的深化： 七和弦是音乐色彩的调色板。本书将系统介绍大小七和弦、属七和弦的张力，并详细解析如何处理非功能性的七和弦（如挂留和弦的延迟解决，以及九和弦的丰富织体）。 第三部分：和声进行与曲式设计 理论最终要服务于创作。本部分侧重于如何将和声元素有机地组织起来，形成具有逻辑性和美感的音乐篇章。 连接的艺术： 详尽讨论各种和弦连接法，包括平稳连接（Voice Leading）的规则，如何最大限度地保持声部线条的流畅性，避免跳跃和声的突兀感。同时，也会介绍一些打破规则的“非正统”连接方式，及其在浪漫主义和印象主义音乐中的应用。 转调的技巧与哲学： 转调不仅是改变调高，更是一种情绪的转换。我们将探讨近关系转调（如平行大小调转换）的平滑过渡，以及远关系转调（如使用增三和弦或Neapolitan和弦）所带来的戏剧性效果。 曲式分析的透镜： 运用和声语言来解构重要的音乐形式。从巴洛克时期的赋格（Fugue）结构中声部间的追逐与呼应，到古典奏鸣曲式（Sonata Form）中呈示部、展开部、再现部在功能和声上的支撑，直至浪漫主义的自由结构，读者将学会用和声的视角去“阅读”乐谱。 第四部分：织体、配器与风格的融合 本书的最后部分将目光从抽象的音符提升到具体的音乐实践，探讨如何将理论知识转化为具有独特声部的作品。 织体的层次： 区分主调音乐（Homophony）、复调音乐（Polyphony）和单音音乐（Monophony）的结构差异。深入分析巴赫对位法中如何实现多声部的独立对话，以及浪漫主义音乐中厚重和弦织体带来的宏大感。 半音化与色彩拓展： 介绍副属和弦（Secondary Dominants）、导音和弦（Leading Tone Chords）等如何为既定调性增加色彩和驱动力。探讨如何通过模糊调性中心，实现更微妙的情感表达。 现代和声的边界： 简要涉猎二十世纪以来的和声发展，如十二音体系（Dodecaphony）的基本概念，以及如何将爵士乐中的“伸展和弦”（Extended Chords，如13th, 11）融入传统框架，拓宽创作的疆域。 本书的定位与价值 《和声的殿堂》并非一本仅供查阅的和弦速查手册。它是一份邀请函，邀请读者亲身参与到音乐结构的设计过程之中。我们侧重于“为什么”而不是“是什么”，强调理解和声背后的逻辑和情感驱动力。无论您是寻求突破创作瓶颈的作曲家，还是希望深入理解所听音乐的演奏家，本书都将是您通往音乐深层理解的坚实阶梯。通过本书的学习，您将不再是被动地接受和弦的组合，而是能主动地构建、解构并重塑您自己的音乐世界。

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这本乐谱集简直是音乐学习者的救星，尤其是对于那些像我一样，对和弦进行和旋律记谱法还处于摸索阶段的人来说。我记得我刚开始接触爵士乐的时候，面对那些密密麻麻的记号和复杂的和弦名称，简直是无从下手。这本书的设计思路非常清晰，它没有试图塞进海量的曲目，而是精选了一些基础且经典的曲目，通过这些范例，逐步引导读者理解如何从一个简单的旋律线和根音构建起整个和声框架。我尤其欣赏它在版式设计上的用心，字符和符号之间的间距恰到好处，即便是光线不佳的环境下，阅读起来也不会感到吃力。而且，它对常见节奏型和特殊记号的解释，那种举一反三的教学方式，让我很快就能将学到的知识应用到其他完全陌生的曲目上。可以说，这本书不仅仅是一本曲谱集，更像是一位耐心的私人导师，默默地陪伴我度过了最迷茫的学习初期。对于任何想从“会弹琴”跨越到“懂音乐结构”的人，这本书绝对是架子上不可或缺的一本工具书。它让原本枯燥的和声理论变得触手可及，每一次翻阅，都能带来新的领悟和实践的动力。

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作为一个业余的吉他爱好者，我的主要痛点一直是“如何快速掌握一首歌的和声骨架”。市面上的很多吉他谱，要么是复杂的指法图，要么是只有歌词和简单的和弦名称，对于想深入了解编曲逻辑的我来说，总觉得少了点什么。这本书提供的视角完全不同，它清晰地展示了旋律、和弦根音和和声标记是如何协同工作的。我特别喜欢它在处理转调部分时的处理方式，非常规范和清晰，这对于我这种经常需要为不同音域的歌手伴奏的人来说，简直是福音。我曾试着用它来改编一些我熟悉的蓝调曲目，发现仅仅依据书中的基本框架，就能搭建出一个非常扎实且听起来很“专业”的伴奏版本。这本书的好处在于，它解放了我的双手，让我不再被繁琐的记谱细节所困扰，而是能更专注于音乐的情感表达和现场互动。它教会了我用更宏观的视角去看待音乐的构造，而不是纠结于每一个音符的准确性。

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说实话，我是一个对视觉呈现要求很高的读者，如果排版混乱或者字体小得像蚂蚁爬行，我宁愿放弃。这本书在视觉传达上绝对是行业内的顶尖水平。它的留白处理得非常到位，使得每一个音符、每一个和弦符号都有足够的呼吸空间，避免了视觉上的拥挤感。而且，不同的记号使用了对比鲜明的字体或符号样式，即便是快速浏览，也能迅速定位到关键信息，比如转调点或者切分音的重音位置。这种对细节的极致追求，体现了编者对使用者体验的尊重。对我而言，阅读过程本身就是一种享受。它让我体会到，严谨的音乐结构，也可以通过优雅的排版设计来完美呈现。它不是那种随便印印就上市的敷衍之作，而是一件精心雕琢的艺术品。每次打开它，都会有一种仪式感，仿佛在进入一个高效、专业且赏心悦目的学习环境。强烈推荐给注重学习效率和阅读体验的同行们。

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我拿到这本乐谱集的时候，首先被它那厚实的质感和装帧工艺所吸引。要知道，作为一名需要经常携带乐谱的乐手，一本容易散页、纸张太薄的书籍简直是灾难。这本书的装订非常牢固，即使我把它完全摊平放在键盘上或者反复卷曲查找特定页码，它依然能保持完整的形态。从内容上看，它给我的感觉是“少而精”的典范。它没有追求收录市面上所有流行歌曲的简单记谱，而是更侧重于那些具有深厚音乐基础和结构美感的作品。这对于想要打好“基本功”的音乐人来说，价值无可估量。我发现自己不再是机械地照着谱子弹奏，而是开始思考，为什么在这个位置要用这个和弦，这个旋律是如何被设计出来的。这种主动思考的过程，极大地提升了我即兴演奏的能力。说实话，很多同类书籍要么过于学院派以至于不实用，要么过于简化以至于流于表面，而这本恰好找到了一个完美的平衡点——实用性与深度兼备，让我感到物超所值。

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我对乐理知识的学习路径一向比较曲折，总是在理论和实践之间摇摆不定。这本乐谱集神奇之处在于，它巧妙地将两者融合了。它并非枯燥的教科书，而是以“可演奏性”为核心来组织材料的。我注意到，书中选取的范例，其和声进行往往是音乐史上那些经典且行之有效的小范本。当我跟着书上的记谱去演奏时，我能明显感觉到那种“一听就懂”的音乐逻辑。比如，在处理某些离调和弦时，书上的标记方式，比我以前在其他教材上学到的概念更加直观和易于理解。这极大地增强了我对和声学规律的信心。我不再觉得和声理论是一门晦涩难懂的学问，而更像是一套精妙的语言系统。这本书让我对“如何构建好听的进行”有了更直观的认识，它就像一个工具箱，里面装的都是经过时间考验、屡试不爽的音乐“零件”，等着我去组装出属于我自己的音乐作品。

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