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出版者:

作者:Vaughan, Williams Ralph (COP)

出品人:

页数:0

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出版时间:

价格:139.00 元

装帧:

isbn号码:9783795767945

丛书系列:

图书标签:

• 古典音乐
• 英国音乐
• 拉尔夫·沃恩·威廉姆斯
• 交响曲
• 歌剧
• 室内乐
• 民歌
• 爱国主义
• 20世纪音乐
• 艺术歌曲

探寻英格兰灵魂的交响：一部关于二十世纪英国音乐的深度剖析 （并非关于拉尔夫·沃恩·威廉斯本人的传记或乐评集） 本书致力于深入剖析二十世纪上半叶至中叶，英国古典音乐舞台上涌现出的独特思潮、革新力量及其与时代背景错综复杂的联系。我们聚焦于这一时期，探寻在欧洲大陆音乐巨浪的冲击下，英国作曲家如何努力在民族身份的坚守与现代主义的探索之间，开辟出一条独树一帜的音乐道路。 第一章：世纪之交的文化断裂与“本土复兴”的萌芽 二十世纪初，英国音乐界面临着一场深刻的身份危机。维多利亚时代晚期的浪漫主义余绪未尽，而欧洲大陆，尤其德奥地区，正以勃拉姆斯、瓦格纳的遗产为基石，迈向后浪漫主义的巅峰。英国作曲家们意识到，若要摆脱长久以来被视为“地方性”或“模仿性”音乐的标签，必须回归本土的土壤。 本章首先考察了十九世纪末“英国音乐复兴”的先驱们，如柯尔利奇-泰勒和巴特勒，他们的努力为后续作曲家提供了重要的心理铺垫。然而，真正的转折点在于对民间音乐（Folk Music）的重新发掘与珍视。我们详细分析了音乐学家和采集者在英格兰、苏格兰、威尔士及康沃尔地区进行的田野调查，及其对音乐语言的重塑意义。 重点探讨了当时音乐教育体系的局限性，以及年轻一代作曲家如何通过留学（如在法国德彪西和拉威尔的影响下）吸收新和声技术，同时坚守对本土旋律材料的运用。这是一种复杂的平衡：既要掌握最新的配器技巧，又要避免完全沦为印象主义的附庸。我们审视了早期管弦乐作品中，如何巧妙地将民谣的简洁朴素与后浪漫主义的管弦乐厚度相结合，为后续的风格确立了基础框架。 第二章：战争的阴影与现代性的拉扯（1914-1939） 第一次世界大战的爆发，对英国社会和文化产生了不可逆转的影响。艺术创作不再仅仅是高雅的消遣，而开始承担起记录创伤、重塑民族精神的使命。这一阶段的作品在情感表达上更为内敛、深沉，同时在结构上开始展现出对传统奏鸣曲式和幻想曲形式的解构与重塑。 本章着重分析了在战后，一批具有强烈个性化的作曲家如何应对“进步的压力”。面对勋伯格十二音体系在欧洲大陆的兴起，英国作曲家们普遍采取了一种更为审慎的态度。他们并未完全拒绝现代和声语言，但更倾向于在调性框架内进行极为精妙的色彩探索和节奏的错位处理。我们对这一时期室内乐作品，特别是弦乐四重奏的演变进行了细致的梳理，展示了其如何成为作曲家表达内心挣扎的私密场所。 此外，本章也探讨了音乐赞助体系的变化。战后，对新音乐的支持开始更多地从贵族转向新兴的文化机构和广播电台。广播的普及，对音乐的“可听性”提出了新的要求，迫使许多作曲家在探索前卫性与确保作品能够被广大听众接受之间找到一个微妙的平衡点。 第三章：地域性与全球视野的交汇：战后的音乐图景 第二次世界大战结束后，英国音乐界迎来了新的全球化浪潮。来自欧洲大陆的流亡音乐家，如斯特拉文斯基等人的直接影响，以及战后美国音乐（如巴伯、科波兰）的传入，使得英国作曲家的视野空前开阔。 本章深入分析了战后一代作曲家对节奏的激进化处理，以及他们如何开始系统性地研究序列主义（Serialism）。然而，与欧洲大陆的彻底拥抱不同，许多英国作曲家采取了一种“折中”的策略：他们吸收了序列技术的精确性，但将其应用于传统的或半传统的音乐结构之中，创造出一种既具有现代感又不失英国式清晰度的音乐风格。 我们详细考察了歌剧领域的变化。传统上被认为不适合英国作曲家的歌剧创作，在战后开始蓬勃发展。作曲家们开始探索更贴近英国现实生活题材的剧本，并发展出一种更注重语言清晰度和戏剧张力的配器手法，避免了瓦格纳式的过度管弦乐饱和。 第四章：清晰、结构与情感的精炼：二十世纪中叶的风格定型 本书的最后一部分聚焦于风格成熟期，即1950年代到1960年代的音乐创作高峰。此时，早期的民族主义探索已然内化为一种潜意识的“底色”，而作曲家们则致力于追求音乐的绝对清晰度和结构上的逻辑严谨性。 我们关注了作曲家们对“配器透明度”的追求，这与早先的厚重管弦乐形成了鲜明对比。配器的目的不再是营造宏大的音响景观，而是为了让每一个声部、每一个和弦的内部结构都能清晰可闻。这种对结构美学的强调，体现了英国文化中根深蒂固的对秩序和清晰表达的偏爱。 此外，本章还探讨了对早期中世纪和文艺复兴音乐的重新审视，这为战后的极简主义和新新古典主义倾向提供了隐秘的灵感源泉。许多作品展现出一种克制、内敛的情感表达方式，即便是面对宏大的主题，也始终保持着一种知识分子的距离感和形式上的平衡。 本书试图证明，二十世纪的英国古典音乐并非是欧洲大陆潮流的被动跟随者，而是在本土资源的基础上，通过审慎而富有创造性的吸收与转化，形成了一股独特且极具辨识度的音乐力量。它是一部关于如何在传统与革新、地方性与全球性之间，构建一个具有深刻内涵和持久生命力的音乐世界的史诗。

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这本书读起来就像是走进了一座被时间遗忘的英国乡村庄园，空气中弥漫着泥土和初夏玫瑰的芬芳。作者似乎对那个特定时代的氛围有着一种近乎痴迷的捕捉能力。叙事节奏舒缓得恰到好处，让人感觉自己正悠闲地坐在壁炉旁，听着一位年长的亲戚娓娓道来一段尘封的家族轶事。我尤其欣赏他对环境细节的描摹，那些关于光线如何穿过老橡树叶子投射在草地上的描写，简直是教科书级别的画面感。故事的主线虽然不是那种惊天动地的史诗，却在细微的人性挣扎和对传统的坚守中展现出一种深沉的力量。每一个人物都仿佛经过精心雕琢，他们的犹豫、他们的骄傲，都深深植根于他们所处的社会背景之中。读到一些关键的转折点时，我甚至能感受到那种特有的英式克制下的情感暗流涌动，既压抑又真实。这本书没有试图去迎合现代读者的快节奏，而是邀请我们慢下来，去品味生活本身那种缓慢而坚定的流淌，这对于长期浸泡在快餐文化中的我来说，无疑是一次精神上的“深呼吸”。它提供了一种逃离现实喧嚣的庇护所，让人重新审视那些被我们匆匆忽略的美好和复杂性。

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从纯粹的语言艺术角度来看，这本书无疑是令人惊叹的。作者的遣词造句功力达到了一个令人敬畏的境界，每一个句子都经过了锤炼，仿佛是精心挑选的宝石，镶嵌在文本的结构之中。我注意到他对于动词和形容词的选择极其精准，既不浮夸，又充满了张力。特别是那些关于心理状态的描述，往往能用一个简洁的意象，瞬间捕捉到人物最微妙的情绪波动，那种“一语中的”的精准度让人拍案叫绝。不过，这种对语言的极致追求，也带来了一个小小的副作用：阅读体验的“沉重感”。有些段落，我不得不停下来，反复咀嚼其中的深层含义，就像在品鉴一杯层次极其丰富的陈年波尔多红酒，需要时间和耐心去发掘每一层风味。对于追求轻松阅读的读者来说，这本书可能会显得有些“学术化”或者“用力过猛”。它更像是一份需要全神贯注去消化的文学盛宴，而不是街边随手可取的快餐读物，这一点需要读者做好心理准备。

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我必须承认，这本书的文学野心显而易见，它试图在结构上玩出一些新花样，但坦白说，这种实验性带来的效果是参差不齐的。开篇部分，作者采用了多重视角的碎片化叙事，像是在拼凑一幅巨大的马赛克，初读时令人兴奋，仿佛在解一个高智商谜题。然而，随着章节的推进，某些视角之间的跳跃显得过于突兀，使得情节的连贯性时常被牺牲。比如，当故事深入到两位核心人物的内心世界时，叙述者似乎又回归到一种全知全能的传统模式，这种风格上的摇摆让人有些摸不着头脑，像是优秀的小提琴家突然用不太协调的口琴吹奏同一段旋律。我欣赏作者敢于打破常规的勇气，但同时，我认为一些关键的情感爆发点被过于抽象的哲学思考所稀释了。如果能更坚定地选择一种叙事路线，无论是彻底拥抱后现代的破碎感，还是回归到扎实的主线驱动，这本书的冲击力都会更强。它像是一次雄心勃勃的航行，船体设计精巧，但罗盘似乎时不时会失灵，导致旅程在某些时候显得有些迷失方向。

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这本书的社会批判力度是其最让我印象深刻的部分，它毫不留情地揭露了某种特定社会阶层内部根深蒂固的虚伪与僵化。作者似乎对权力的微妙运作和阶级固化的机制有着超乎寻常的洞察力。他没有采用激烈的、口号式的控诉，而是将这些社会弊病巧妙地编织进了日常生活的琐碎场景之中，让读者在不经意间感受到那种无形的压力和压迫感。比如，对一场看似和睦的家庭聚会场景的刻画，通过对话中的潜台词、肢体语言的细微变化，无声地展现了阶层壁垒是如何将人与人分隔开来的，那种“相敬如宾”外表下的冰冷和疏离感，读来令人不寒而栗。这种含蓄而深刻的讽刺，比直白的批判更具穿透力，因为它迫使读者去反思自身所处的环境，并质疑那些被视为“理所当然”的社会规范。这本书在历史背景的构建上也极为扎实，为人物的行为提供了可信的注脚，使得他们的困境更具普遍性和悲剧色彩。

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说实话，这本书的结构和主题的深度让我对作者的敬佩油然而生，但坦率地说，它并不是一本让人感到“愉悦”的书。它更像是一面高倍放大镜，将人性的阴暗面、历史的沉重负担，以及个体在巨大社会机器面前的无力感，毫无保留地呈现在我们面前。在阅读过程中，我时常感到一种挥之不去的忧郁和宿命感，人物的每一次努力似乎都在与某种不可抗拒的命运力量做着徒劳的抗争。这本书的结尾，更是处理得极其晦涩，它没有给出任何明确的答案或安慰，反而留下了一个巨大的、开放式的问号，让人在合上书页之后，久久无法从那种沉重的情绪中抽离出来。这无疑是一部严肃文学的标志，它要求读者付出情感上的代价，去直面那些我们宁愿不去思考的哲学难题。尽管阅读过程充满挑战，但这种“被震撼”的感觉是无可替代的，它证明了文学不仅可以娱乐，更可以成为一种深刻的、甚至是痛苦的自我审视工具。

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