Schubert's Dramatic Lieder

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出版者:
作者:Hirsch, Marjorie Wing
出品人:
页数:192
译者:
出版时间:2009-4
价格:$ 38.41
装帧:
isbn号码:9780521107198
丛书系列:
图书标签:
  • 舒伯特
  • 艺术歌曲
  • 声乐作品
  • 德语歌曲
  • 浪漫主义音乐
  • 音乐分析
  • 音乐史
  • 歌曲周期
  • 戏剧性
  • 音乐文学
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具体描述

This book explores the way in which Schubert revolutionised the Lied, transforming folk song into art song through the mixture of dramatic and lyrical vocal genres. By introducing dramatic poetry and musical traits within solo song settings, he turned the Lied into a highly expressive musical medium capable of conveying the complexities and nuances of the new Romantic poetry. In so doing, he created an art form which attracted nearly every subsequent composer of the period. Schubert's numerous dramatic songs have baffled critics from his day to our own. Their unusual stylistic characteristics - through composed form, progressive tonal structures, declamatory vocal lines, illustrative accompaniments - fly in the face of traditional conceptions of the Lied. Dr Hirsch's discussion and analysis of selected dramatic Lieder illuminate Schubert's compositional innovation.

舒伯特艺术歌曲中的戏剧张力 弗朗茨·舒伯特,这位被誉为“歌曲之王”的作曲家,其艺术歌曲(Lieder)以其深刻的情感表达、优美的旋律以及与诗歌内容的精妙结合而闻名于世。在其庞大的艺术歌曲创作遗产中,有一部分作品尤为引人注目,它们不仅展现了舒伯特对旋律的驾驭能力,更深刻地揭示了他对人类情感复杂性的洞察,以及将戏剧性冲突融入歌唱艺术的非凡才能。本文旨在深入探讨舒伯特艺术歌曲中蕴含的戏剧张力,分析其音乐表现手法,以及这种戏剧性如何在文本与音乐的交融中得以体现。 舒伯特生活在一个充满动荡与变革的时代,他的音乐也不可避免地受到浪漫主义思潮的影响。浪漫主义强调情感的自由抒发、个体的内心体验以及对自然的敬畏。在艺术歌曲领域,这意味着作曲家不再仅仅是为诗歌配乐,而是要成为诗歌的共同创作者,用音乐来放大、诠释甚至重塑诗歌的情感内核。舒伯特在这方面达到了炉火纯青的地步。 舒伯特艺术歌曲中的戏剧张力,首先体现在他对于不同角色和情感状态的刻画上。他能够通过音乐的细微变化,生动地展现出人物内心的挣扎、渴望、绝望、狂喜等各种复杂的情感。例如,在《魔王》(Erlkönig)中,舒伯特成功地塑造了叙述者、父亲、儿子以及魔王这四个截然不同的声音。父亲的低沉、稳定与儿子的急促、恐惧形成鲜明对比;而魔王则以一种蛊惑、诱人的旋律出现,试图将男孩引诱至死亡的深渊。这种多声部的刻画,运用不同的音区、节奏和和声色彩,营造出一种强烈的戏剧冲突感,仿佛一场微型歌剧在听众耳边上演。 其次,舒伯特的音乐结构本身也常常蕴含着戏剧性的发展。他并非总是遵循传统的歌曲结构,而是根据诗歌的内容和情感的起伏进行自由的构建。许多作品呈现出一种“连续乐句”的特征,即音乐如同叙事一般,不断向前推进,情感也随之层层递进。这种结构上的流动性,使得听众能够感受到情绪的起伏和人物内心的变化,仿佛置身于一个逐渐展开的戏剧场景之中。 和声语言的运用是舒伯特营造戏剧张力的另一重要手段。他擅长运用不协和和弦、突然的调性转换以及色彩丰富的和声来表现人物内心的不安、痛苦或激动。例如,当歌者表达内心的绝望或恐惧时,舒伯特可能会采用减七和弦或半音阶的进行,制造出一种紧张、压抑的氛围。而当情感达到高潮时,则可能通过更加明亮的调性或激昂的节奏来表现。这些和声的处理,使得音乐不仅仅是旋律的堆砌,而是具有了深刻的心理刻画能力,将人物内心世界的暗流涌动展现在听众面前。 节奏和节拍的选择也是舒伯特表达戏剧张力的关键。他会根据人物的情绪状态和叙事的需求,灵活地运用各种节奏型。狂喜的情感可能表现为快速、跳跃的音符;而忧郁和沉思则可能伴随着缓慢、舒缓的节奏。在《冬之旅》(Winterreise)这样一系列充满悲伤和孤独的歌曲中,舒伯特的节奏常常显得沉重而迟缓,仿佛踏着冰封的土地,每一步都带着深深的绝望。而在《美丽的磨坊少女》(Die schöne Müllerin)中,尽管也充满了失落,但早期歌曲的节奏则更多地展现出青春的活力和爱恋的甜蜜,与后期的悲剧形成强烈的反差。 此外,钢琴伴奏在舒伯特艺术歌曲的戏剧性塑造中扮演着至关重要的角色。钢琴不再仅仅是为声乐提供简单的和声支持,而是成为了一个独立的戏剧参与者。它能够通过独立的旋律线条、丰富的音响色彩和精妙的织体,来补充、回应甚至反衬歌词的内容。有时,钢琴会模仿自然界的声音,如风的呼啸、溪流的潺潺,为歌曲营造出具体的场景。有时,它会成为人物内心的回声,用音乐来表达歌者无法言说的情感。在《魔王》中,钢琴扮演了极其重要的角色,它用快速的八分音符模拟了马匹奔跑的急促,用低沉的持续音渲染了夜晚的恐怖,用不协和的音响制造了惊悚的气氛。 舒伯特艺术歌曲中的戏剧张力,并非总是以激烈的冲突形式呈现。有时,它体现在一种 subtle 的心理变化,一种不易察觉的情感转折。例如,在《致音乐》(An die Musik)这样一首赞颂音乐的作品中,虽然整体情绪是积极的,但舒伯特巧妙地在旋律和和声中融入了对音乐力量的敬畏和感激,这本身也是一种情感上的深度挖掘,而非简单的歌颂。 总而言之,舒伯特艺术歌曲中的戏剧张力,是其音乐艺术的核心魅力之一。它体现在他对不同角色和情感的生动刻画,对音乐结构的灵活运用,对和声、节奏以及钢琴伴奏的精妙处理。正是这些元素的有机结合,使得舒伯特将诗歌的情感升华,赋予其生命和深度,创造出了一系列至今仍能深深打动人心的音乐杰作。理解这些戏剧性元素,有助于我们更深入地欣赏舒伯特艺术歌曲的艺术价值,以及他对人类情感的深刻洞察。

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读后感

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用户评价

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从一个侧重于文献学的角度来看,这本书的价值是不可估量的。它不仅梳理了舒伯特声乐作品在不同版本间的手稿差异和修订历史,更重要的是,它系统地构建了一套理解“戏剧性”在舒伯特声乐作品中如何体现的理论框架。作者巧妙地避开了简单地将“戏剧性”等同于“歌剧”的误区,而是聚焦于歌曲内部的微型戏剧冲突——人声与钢琴之间的对话、情绪的快速转折、以及叙事视角的突然转换。书中有几章专门对比了舒伯特受贝多芬和莫扎特影响的痕迹,以及他如何反过来影响了后来的勃拉姆斯和沃尔夫,这种代际间的传承与超越被分析得丝丝入扣,极具启发性。对于那些希望深入研究舒伯特创作手法的人来说,这本书提供了必备的工具箱和路线图。我甚至发现了一些我从未注意到的、关于调性色彩如何服务于情感氛围的细微之处,这无疑提升了我对整体音乐体验的鉴赏水平。

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这本书简直是音乐爱好者的圣经,尤其是对于那些对19世纪浪漫主义声乐作品情有独钟的人来说。作者对舒伯特艺术歌曲(Lieder)的理解深刻且细腻,绝非泛泛而谈。他/她没有仅仅停留在对乐谱的表面分析上,而是深入挖掘了诗歌文本与音乐结构之间那种微妙的、常常是潜藏的联系。例如,在探讨《冬之旅》(Winterreise)时,评论者没有陷入对“悲伤”这一笼统主题的重复,而是细致地考察了特定歌曲中,一个不和谐音的突然出现如何精准地对应了歌词中“冰冷”或“绝望”的意象,这种对微观细节的把控能力令人叹服。书中对早期录音版本、不同演唱家诠释的对比分析也极为精彩,这些对比不仅仅是描述性的,更是富有洞察力的历史性考察,揭示了审美趣味在不同时代间的演变。阅读过程中,我多次停下来,重新聆听那些被提及的曲目,每一次都有新的感悟,感觉像是通过一位技艺精湛的向导,重新认识了这些经典。这本书的行文流畅,逻辑严密,即便是对德语艺术歌曲背景不太熟悉的新听众,也能被其强大的说服力所吸引。它成功地架设了一座桥梁,连接了纯粹的学术研究与普通听众的热情,使得即便是最晦涩的音乐理论点也能被清晰地阐释。

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坦白说,我原本是冲着某个特定的、我最喜欢的歌曲系列去翻阅此书的,但读完之后,我对舒伯特整个创作生涯的看法都有了重大的调整。这本书的结构设计非常巧妙,它没有采用简单的年代顺序或体裁分类,而是围绕着几个核心的“戏剧母题”进行组织,比如“流浪者身份的困境”、“自然意象的拟人化”以及“梦境与现实的边界消解”。这种主题驱动的叙事方式,让即便是跨越了不同时期的作品也能在一个连贯的思想体系下被审视,极大地增强了作品间的内在联系。作者的文字风格带着一种古典的严谨,但又偶尔爆发出充满激情的赞美,使得阅读过程保持了高度的吸引力。特别是关于舒伯特晚期作品中那种“预知死亡”的苍凉感,作者用近乎诗意的语言进行了描绘,让人在感到学术冲击力的同时,也被深深触动,眼眶湿润。

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这本书为我们理解德语艺术歌曲的黄金时代提供了一个极其精确的透镜。我尤其欣赏它对“表演实践”的关注,它不仅仅是分析谱面,更是在探讨这些作品是如何“活”在演唱者口中的。书中对20世纪中叶以来,录音技术对艺术歌曲诠释风格带来的颠覆性影响进行了深入探讨,这部分内容极富批判性,它迫使听者去反思我们当下所习惯的那些“标准”诠释,是否真的忠实于作曲家的初衷,或者只是时代审美的产物。作者对于舒伯特音乐中那种“尚未完成感”的阐释,更是独到——他/她认为,这种模糊性正是其作品生命力常青的关键,因为它为每一代的听众留下了自我投射的空间。阅读全书后,我感到自己对舒伯特的音乐不再是“欣赏”,而更像是进行了一次深度的“对话”,这种体验是其他任何乐评或传记都无法给予的。这本书是那种读完后你会立即想推荐给所有爱乐之人的佳作。

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我原以为这会是一本枯燥的学术专著,堆满了晦涩难懂的音乐学术语,但事实证明我的担忧完全是多余的。这本书的叙事节奏把握得极好,读起来更像是一部精心构建的音乐史诗。作者在介绍舒伯特创作背景时,对维也纳当时的社会文化氛围的描绘生动异常,仿佛能让人嗅到沙龙里的咖啡香和壁炉里的烟味。他/她对舒伯特与歌词诗人(如穆勒、申克)之间复杂而富有张力的合作关系的剖析,更是揭示了艺术歌曲诞生背后的“人”的故事,而不是冰冷的“作品”的故事。书中对钢琴伴奏的地位提升的论述尤其发人深省,作者有力地论证了钢琴不再仅仅是歌者的背景支撑,而是一个独立的情感叙事者。这种多维度的审视方式,极大地拓宽了我们对“艺术歌曲”这一体裁的理解边界。我特别欣赏作者在论证观点时所引用的那些鲜为人知的一手资料,它们为原本就坚实的论点增添了不可辩驳的说服力,让人感觉作者在创作过程中付出了远超常人的心血。

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