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出版者:

作者:Garcia, Russell

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isbn号码:9780757936739

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• 编曲
• 作曲
• 音乐理论
• 和声学
• 乐理
• 音乐制作
• 流行音乐
• 爵士乐
• 音乐编排
• 专业音乐

《乐曲编创的艺术：深入理解与实践》 这是一本为音乐爱好者、学生、以及希望提升自身编创能力的音乐人量身打造的深度指南。本书不局限于某一特定风格或理论流派，而是旨在为您揭示乐曲编创背后普适的原理和技巧，帮助您构建坚实的创作基础，并释放无限的音乐想象力。 核心理念与结构： 本书秉持“理解基础，灵活应用”的创作哲学。我们将从最核心的音乐元素入手，层层递进，直至复杂的编排结构。内容并非孤立的知识点堆砌，而是强调各部分之间的内在联系，让您在学习中构建起一套完整的编创思维体系。 第一部分：旋律的构建与发展 旋律的灵魂：音程与音阶的魔力 深入剖析各种音程的听觉感受及其在旋律中的作用。 探索不同音阶（大调、小调、五声音阶、模式音阶等）的性格与应用，理解它们如何塑造旋律的情感色彩。 学习如何从简单的动机出发，通过各种变化（重复、移位、模进、倒影、逆行、扩大、缩小等）发展出连贯而富有表现力的旋律线条。 探讨旋律的节奏感，如何通过休止符、切分音、附点节奏等赋予旋律生命力。 旋律的呼吸：乐句与乐段的构建 理解乐句在音乐中的意义，如何像语言的句子一样具有起承转合。 学习构建不同长度和结构的乐句，探索乐句之间的呼应与对比。 将乐句组合成更具规模的乐段，掌握乐段的常见结构（如AB、ABA、AABA等）及其情感逻辑。 分析大师作品中乐句与乐段的精妙处理，从中汲取灵感。 第二部分：和声的色彩与织体 和声的骨架：和弦的选择与进行 系统梳理各种基本和弦（三和弦、七和弦）的构成与功能。 深入理解和声功能（主、属、下属、导等）在推进音乐中的作用。 学习常见的和弦进行模式，理解它们如何营造不同的情绪和动力。 探讨变化和弦（挂留、挂四、降五、增五等）在丰富和声色彩方面的应用。 初步接触非功能性进行和自由进行，探索和声的更多可能性。 和声的锦上添花：导音、不协和音与转调 学习如何巧妙运用导音和不协和音（经过音、倚音、辅助音、先现音等）增加和声的张力和色彩。 掌握不同类型的转调（近系转调、远系转调、离调等）及其连接技巧，实现音乐空间的拓展。 理解调性音乐与无调性音乐的界限与联系，为更广阔的音乐创作奠定基础。 织体的艺术：多声部的交织 探索单音织体、主调织体、复调织体等不同织体类型。 学习如何在已有旋律的基础上添加和声伴奏，形成丰富而协调的织体。 理解对位法的基本原理，以及如何在多声部音乐中创造独立的旋律线条。 分析不同织体在不同音乐体裁中的应用，以及它们如何影响音乐的整体效果。 第三部分：节奏的律动与动力 节奏的脉搏：拍号、节奏型与律动感 深入理解不同拍号（2/4, 3/4, 4/4, 6/8等）对音乐节奏的影响。 学习构建各种具有代表性的节奏型，并探索其组合与变化。 理解音乐中的律动感是如何通过节奏的精心设计产生的，以及它在营造音乐情感中的关键作用。 学习如何运用切分音、休止符、重音等技巧，打破常规的节奏模式，创造出更为生动和富有冲击力的节奏。 节奏的张力：速度、力度与节拍变化 探讨速度（快、慢、渐快、渐慢）的变化如何影响音乐的能量和情感。 理解力度（强、弱、渐强、渐弱）在塑造音乐层次和表现力方面的作用。 学习如何通过自然的节拍变化、重音移位等手法，增加音乐的动感和戏剧性。 分析节奏在不同音乐体裁（如进行曲、舞曲、抒情慢板）中的独特要求和表现手法。 第四部分：曲式结构与创作实践 乐曲的骨骼：基础曲式分析与应用 深入解析单乐句、单段体、二段体、三段体（ABA）、回旋曲式（ABACA）等基本曲式结构。 理解各部分的逻辑关系、功能以及对比与统一的手法。 学习如何根据音乐素材和情感需求，选择和构建合适的曲式。 器乐与声乐的编创考量 针对不同乐器（钢琴、弦乐、管乐、打击乐等）的音色、性能、演奏技法进行编创考量。 学习如何为声乐作品创作旋律，并兼顾歌唱性和音乐性。 探讨不同器乐组合（如室内乐、乐队）的配器原则与声部平衡。 风格探索与个人风格的形成 引导读者分析不同音乐风格（古典、浪漫、爵士、流行、民族等）的特点和创作手法。 鼓励读者在掌握基本原理的基础上，尝试融合不同风格元素，探索属于自己的音乐语言。 提供实用的创作练习和案例分析，帮助读者将理论知识转化为实际创作能力。 本书特色： 由浅入深，循序渐进： 从基础概念到高级技巧，确保读者能够扎实掌握。 理论与实践并重： 结合丰富的音乐范例和启发性的练习，鼓励主动思考和动手创作。 清晰易懂的语言： 避免使用过于晦涩的术语，力求让所有对音乐编创感兴趣的人都能理解。 全面的视角： 涵盖旋律、和声、节奏、织体、曲式等编创的各个重要方面。 开放性的引导： 鼓励读者独立思考，不局限于固定的模式，最终形成自己的创作风格。 无论您是初学者，还是希望进一步深化理解的音乐学习者，《乐曲编创的艺术：深入理解与实践》都将是您音乐创作旅程中不可或缺的良师益友，助您将脑海中的音乐构思转化为动人的旋律，编织出独具匠心的音乐乐章。

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作为一个对古典音乐结构抱有浓厚兴趣的业余爱好者，我一直困惑于如何将巴赫或莫扎特时代那些精妙的结构原理，有效地嫁接到现代的流行音乐或者影视配乐中。这本书的伟大之处，就在于它巧妙地架设了这座跨越时代的桥梁。它并非单纯地复述传统和声学，而是深入剖析了为何某些和声进行在特定情境下会产生特定的情绪反应，这种“心理声学”的探讨，对我来说简直是醍醐灌顶。作者用大量的实例图表来支撑他的理论，这些图表绘制得极为清晰，即便是复杂的变音和转调过程，也能被拆解得一目了然，让人彻底打消了对“复杂音乐理论令人望而却步”的恐惧。读完关于主题发展那几章后，我开始重新审视我自己的创作习惯，并有意识地去尝试那些我以前认为“过于古典”的处理方式，结果发现，那些看似陈旧的技巧，在新的音乐语境下焕发出了惊人的生命力。这本书让我明白了，真正的创新不是凭空创造，而是对既有智慧的深刻理解和创造性转化。

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我最近在尝试将我脑海中那些天马行空的旋律片段组织起来，真正形成完整的、有血有肉的编曲作品，但总感觉缺少那么一层“点睛之笔”。这本书的出现，简直像是及时雨，它并没有给我灌输僵硬的“公式”，而是提供了一套富有弹性的思维框架。我特别欣赏作者在讨论配器法时所展现出的那种细腻入微的洞察力，比如他对不同乐器音色叠加时产生的微妙“共振”现象的描述，简直是神来之笔。我立刻尝试着用书里提到的几种对位技巧来处理我之前那段卡壳的副歌部分，结果令人惊喜——原本平淡无奇的段落瞬间充满了层次感和张力，仿佛所有的乐器都在说着同样的故事，但又各有侧重，和谐共生。这本书的价值远超其定价，它贩卖的不是知识点，而是一种看待音乐结构、理解声音织体的高级视角。对于那些渴望将“能写”提升到“会写”的音乐创作者来说，这绝对是案头必备的枕边书，每一次阅读都能带来新的灵感火花。

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这本书的排版风格，简直是为深度学习者量身定制的，它没有采用那种花哨的、试图用视觉冲击力来分散注意力的设计。相反，它选择了一种极其克制、但又功能性极强的布局。页边距的留白恰到好处，为读者提供了充足的空间去批注、去写下自己的思考和疑问，这对于我这种喜欢在书页上留下学习痕迹的人来说，简直是太贴心了。此外，书中引用的参考曲目列表非常具有前瞻性，它不仅涵盖了那些教科书式的范例，更引入了许多当代顶尖编曲家的作品作为分析对象，这使得理论学习不再是脱离实际的空谈。我甚至暂停了我的MIDI工程，花了一整天的时间，专门去聆听和对比书中分析的几首曲子，那种将理论与实践零时差对照的感觉，极大地增强了我对新知识的吸收效率。这本书的阅读体验是沉浸式的，它要求你投入时间、用心去品味，而你所付出的每一分钟，都会以更精湛的音乐技艺作为回报。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种沉稳又不失现代感的排版，光是捧在手里就能感受到一股专业的气息扑面而来。我一直对那些能够将复杂的音乐理论转化为直观、易懂的指导方针的书籍抱有极高的期待，而这本书无疑达到了甚至超出了我的预期。从它厚实的装帧到扉页上的精美插图，处处透露着出版方对内容质量的精益求精。拿到手的时候，我立刻被吸引到了目录页，那种条理分明、层层递进的结构，就像是为你量身定制的一张音乐学习的路线图，让人迫不及待想深入探索每一个章节。尤其是前几章对基础和声概念的重新梳理，那种深入浅出的讲解方式，即便是一个在音乐界摸爬滚打多年的老手，也能从中发现新的理解角度。这本书不仅仅是一本工具书，更像是一位经验丰富的前辈，在你迷茫时，用清晰的逻辑为你指明方向，让你在浩瀚的编曲世界中，找到属于自己的坚实立足点。它的存在，让原本枯燥的理论学习过程变得充满乐趣和探索欲，每一次翻阅都是一次心灵的洗礼。

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在我接触过的所有关于编曲和配器的书籍中，很少有能像这本书一样，在保持极高学术深度的同时，还能兼顾到不同级别读者的需求。对于初学者而言，它提供了坚实的基石；而对于我这种已经有一定基础，但渴望突破瓶颈的中级创作者来说，它则像是提供了一整套升级装备的“蓝图”。特别值得称赞的是，作者在讨论对位与织体构建时，所展现出的那种近乎哲学的思考深度。他探讨的不仅仅是“如何写”，更是“为何要这样写”，这种对音乐本质的追问，极大地拓宽了我对“好音乐”的定义。我曾经以为，编曲的上限取决于我能掌握多少技巧，但读完这本书后，我意识到，真正的上限在于我对表达意图的清晰度以及我愿意去探索声音世界的深度。这本书没有给我一蹴而就的捷径，但它给了我一张通往精湛技艺的地图，一张需要我自己用汗水和时间去丈量的、充满挑战与回报的旅程。

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