Music and Monumentality

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出版者:
作者:Rehding, Alexander
出品人:
页数:318
译者:
出版时间:2009-8
价格:$ 56.50
装帧:
isbn号码:9780195385380
丛书系列:
图书标签:
  • music
  • 音乐学
  • 纪念碑性
  • 文化研究
  • 历史音乐学
  • 仪式
  • 政治
  • 声学
  • 表演
  • 象征学
  • 社会学
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具体描述

A few weeks after the reunification of Germany, Leonard Bernstein raised his baton above the ruins of the Berlin Wall and conducted a special arrangement of Beethoven's Ninth Symphony. The central statement of the work, that "all men will be brothers," captured the sentiment of those who saw a brighter future for the newly reunited nation. This now-iconic performance is a palpable example of "musical monumentality" - a significant concept which underlies our cultural and ideological understanding of Western art music since the nineteenth-century. Although the concept was first raised in the earliest years of musicological study in the 1930s, a satisfying exploration of the "monumental" in music has not yet been made. Alexander Rehding, one of the brightest young stars in the field, takes on the task in Resounding Monumentality, an elegant, thorough treatment that will serve as a foundation for all future discussion in this area. Rehding sets his focus on the main players of the period within the Austro-German repertoire -Beethoven, Liszt, Wagner, Brahms, Bruckner and Mahler- as he unpacks a two-fold definition of "musical monumentality." In the conventional sense, monumentality is a stylistic property often described as 'grand,' 'uplifting,' and 'sublime' and rife with overpowering brass chorales, sparkling string tremolos, triumphant fanfares, and glorious thematic returns. Yet Rehding sees the monumental in music performing a cultural task as well: it is employed in the service of establishing national identity. Through a clear theoretical lens, Rehding examines how grand sound effects are strategically employed with the view to overwhelming audiences, how supposedly immutable musical halls of fame change over time, how challenging musical works are domesticated, how the highest cultural achievements are presented in immediately consumable form-in a word, how German music emerges as a unified cultural and musical brand.

《音乐与宏伟》是一本探讨宏大尺度音乐作品创作、感知与影响的深度研究。本书深入剖析那些超越日常视听体验、旨在激发庄严、崇高乃至神圣情感的音乐形式,并将其置于更广阔的文化、历史及社会语境中进行考察。 本书的开篇,我们将目光投向了那些被历史赋予“宏伟”标签的音乐事件和作品。这并非仅仅是篇幅的冗长,更关乎其在特定时代背景下所承载的意义。例如,宗教仪式中的合唱、国家庆典的管弦乐、纪念碑式的歌剧,乃至当代电影配乐中营造的史诗感,都体现了音乐作为一种能够塑造集体记忆、传递价值观、激发民族自豪感或进行精神昇华的强大力量。作者将追溯这些“宏伟”音乐的起源,探究其在不同文化中如何发展演变,以及它们如何与建筑、雕塑、文学等其他艺术形式相互作用,共同构建出一种独特的“宏伟”体验。 本书的核心章节将聚焦于音乐本身的构成要素如何服务于“宏伟”的表达。我们将详细分析以下几个方面: 首先,音响的规模与密度:宏大作品往往依赖于庞大的乐队编制、丰富的音色层次以及强烈的音量对比。书中将探讨作曲家如何运用铜管乐器的辉煌、弦乐的磅礴、打击乐的震撼来构建巨大的音响空间,以及如何通过复杂的织体和密集的和声来营造沉浸式的听觉体验。这其中,对大规模合唱的运用,特别是其在宗教音乐和民族主义音乐中的地位,也将得到深入的探讨。 其次,结构与形式的逻辑:宏伟感并非杂乱无章的堆砌,而是需要严谨的结构来支撑。本书将解析那些宏大音乐作品的曲式结构,如奏鸣曲式在大型交响乐中的扩展与变化,赋格、卡农等对位技法如何构建起复杂的音乐进程,以及循环主题、变奏等手法如何将音乐的各个部分有机地联系起来,形成一种循序渐进、层层递进的宏伟叙事。宗教音乐中的弥撒曲、安魂曲,以及歌剧中的咏叹调、重唱、合唱段落,其结构设计如何服务于戏剧冲突的展开和情感的极致表达,也将成为本书关注的重点。 再次,旋律与节奏的叙事性:虽然宏大作品不乏复杂的和声与织体,但深刻人心的旋律和强有力的节奏仍然是其灵魂所在。本书将探讨那些被视为“主题性”的旋律,它们如何通过简洁而富有张力的音高关系,以及具有辨识度的节奏型,在听众心中留下深刻的印记。这些旋律是如何被发展、变形、重组,从而贯穿整个宏大作品,构建起一条清晰的音乐线索,引导听众的情感走向。而雄壮或庄严的节奏,如进行曲式节奏,如何驱动音乐向前,增强其庄重感和力量感,也将得到细致的分析。 此外,和声与调性的张力:宏大音乐作品往往会运用更具表现力的和声语言,以营造出强烈的色彩感和情感张力。本书将探讨作曲家如何运用不协和和声、色彩和声、以及调性之间的戏剧性转换来制造戏剧冲突,表达复杂的情感,或创造出神秘、崇高、甚至是令人敬畏的氛围。对位技法在宏大音乐作品中的运用,如何通过不同声部的交织来丰富音乐的层次和厚度,也将是本书探讨的重要内容。 本书还将从接受美学的角度,审视听众如何感知和理解这些宏大音乐作品。宏伟感是否是一种客观存在的音乐属性,还是听众在特定文化背景下赋予的解读?本书将考察不同文化、不同时代、不同社会群体对宏大音乐的反应差异,以及音乐教育、媒体传播等因素在塑造人们对宏大音乐认知中的作用。对现场音乐会、宗教仪式、国家庆典等场合下,音乐与集体情绪的互动,将提供生动的例证。 更进一步,本书将探讨宏大音乐的社会功能与文化意义。宏大音乐如何被用于政治宣传、民族认同构建,以及宗教信仰的传播?它们在集体仪式中扮演着怎样的角色,如何强化社会凝聚力,或激发个体的超越感?本书将通过对历史事件的音乐伴奏、国家元首就职典礼的音乐选择、以及宗教节日的音乐编排等案例的分析,揭示宏大音乐在社会生活中的多重功能。 最后,本书不会回避宏大音乐的潜在负面效应。过于强烈的宏大感有时可能走向煽情、压抑个性,甚至被滥用于意识形态的操纵。本书将审慎地探讨这些问题,并呼吁对宏大音乐的创作和接受保持批判性思维。 《音乐与宏伟》旨在为音乐学、文化研究、艺术史等领域的学者提供一个全新的研究视角,同时也为所有对音乐的力量和宏大体验感兴趣的读者,打开一扇通往更深层次理解的门。本书不是一本音乐欣赏指南,而是一次对人类情感、文化记忆以及艺术创造力的深刻探索。

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目录信息

读后感

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用户评价

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说实话,刚翻开这本书的时候,我有点担心它会变成那种枯燥的学术论文合集,但读完后我完全改变了看法。作者的笔触极其细腻且富有洞察力,尤其是在讨论十九世纪末期新艺术运动中,音乐厅的装饰风格如何与室内乐的细腻情感进行对话时,那种描述力简直是教科书级别的。我尤其喜欢其中关于“时间性建筑”的探讨,作者以一种近乎诗意的语言描述了音乐是如何在消逝中创造出一种超越物质存在的永恒感,这和那些试图用混凝土和钢铁来对抗时间侵蚀的纪念碑形成了强烈的对比。书中大量引用了当时的设计师手稿和乐谱批注,这些一手资料的运用,使得论证过程充满了无可辩驳的力量。举个例子,作者对比了贝多芬《第九交响曲》首演时剧院空间的局限性与该作品宏大构想之间的张力,这种对历史语境的精准把握,让读者对作品的理解上升到了一个新的维度。对于那些想了解艺术领域中“形式追随功能”理论在不同媒介中如何变奏的读者来说,这本书提供了极其丰富的案例和深刻的见解。它不仅仅是知识的堆砌,更是一种关于艺术本质的哲学思辨。

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这本书给我带来的最大震撼,在于它彻底颠覆了我对“纪念碑”的传统认知。我原以为这会是一本专注介绍著名音乐厅或广场上纪念性雕塑与音乐配乐之间关系的著作,但它走得更远,更深。作者将注意力投向了那些被时间磨损、几乎被遗忘的城市声景中的“音乐痕迹”。比如,对早期工厂背景音(劳动号子、蒸汽机的规律鸣响)如何被后来的古典主义音乐吸收并内化为一种新的“工业时代的纪念性”的分析,就非常新颖。这种跨学科的视角,让我开始重新审视我每天路过的那些老建筑,它们在特定历史时期承载的声音记忆,其实就是一种无形的纪念碑。书中的语言风格比较偏向于现象学描述,夹杂着一些晦涩但极其精准的术语,使得阅读过程像是在攀登一座知识的高塔,每登上一层,视野就开阔一分。对于那些已经读过很多标准艺术史书籍的读者,这本书提供了一种急需的“反常规”视角,它挑战了我们对“伟大”和“持久”的固有偏见,引导我们去关注那些微小却有力的“声音的残骸”。

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这本《Music and Monumentality》简直是本让人拍案叫绝的杰作!我得说,我原本对“音乐”和“宏伟建筑”这两个看似风马牛不相及的主题能碰撞出怎样的火花感到十分好奇,但作者的叙事方式和深度绝对超出了我的预期。书里对十八世纪欧洲歌剧院的设计美学进行了详尽的剖析,特别是提到了凡尔赛宫内那些被遗忘的音乐厅的声学特性是如何与当时的权力结构紧密联系在一起的。作者没有停留在表面现象,而是深入挖掘了巴洛克时期作曲家们如何刻意在作品中模仿宏大建筑的结构感,比如巴赫的赋格曲中那种层层递进、如同拱顶般严谨的布局。更令人印象深刻的是,书中对“纪念碑性”这一概念的重新定义,它不再仅仅指向雕塑或石制建筑,而是扩展到声音本身的持久性和回响性上。比如,对瓦格纳歌剧的分析,作者巧妙地论证了其“李特动机”是如何充当一种声音的基石,构建起比任何实体建筑都更具震撼力的精神殿堂。阅读过程中,我仿佛能亲耳听到那些历史的回声,感受到音符与石材在历史长河中相互映照的壮阔景象。这本书的学术深度和可读性达到了一个完美的平衡点,绝对值得所有对艺术史、音乐史乃至建筑史感兴趣的人拥有。

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这本书在理论上构建了一个非常坚实的框架,即音乐如何成为一种“可被纪念”的媒介,而不仅仅是依附于建筑的附属品。我特别欣赏作者对“非物质纪念碑”的界定时所采取的谨慎态度。书中并没有一味地歌颂过去的辉煌,反而对二十世纪中叶以来,大众传媒和电子音乐的兴起对传统音乐纪念性的侵蚀进行了深刻的反思。作者提出了一个令人不安的观点:随着音乐的即时性和易得性越来越高,其“永恒性”的价值是否正在被稀释?书中通过分析一些实验音乐作品,探讨了声音本身作为短暂艺术形式,如何试图通过极端的形式或概念,来抵抗被遗忘的命运。这种对当代艺术语境的关照,让这本书丝毫没有陷入象牙塔的陈旧感,而是成为了与时俱进的思考工具。总而言之,如果你想读一本能让你对“艺术的持久力”产生全新思考的书,那么《Music and Monumentality》无疑是近十年来最值得投入时间的学术力作之一。

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我得承认,这本书的阅读难度颇高,它要求读者具备一定的音乐理论基础以及对欧洲近代史有一定的了解,但一旦你进入作者构建的世界,那种智力上的满足感是无与伦比的。最精彩的部分莫过于对二战后重建时期,欧洲城市规划中“声学景观”如何被纳入纪念性设计的讨论。作者特别对比了英、法两国在战后音乐学院建设中的理念差异,英国倾向于将音乐教育置于现代主义建筑的简洁空间内,强调纯粹的听觉体验;而法国则更注重将音乐场所融入历史遗址的语境中,试图用声音来“修复”历史的断层。这种对比分析极其精妙,它揭示了政治意识形态是如何潜移默化地塑造我们对美学和“永恒”的追求的。全书的结构设计也十分巧妙,从宏大的历史叙事过渡到对某个特定乐章中和声进行的微观分析,再回到对当代音乐装置艺术的探讨,这种螺旋上升的论证方式,展现了作者深厚的学养和严谨的治学态度。

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