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出版者:辽宁美术出版社

作者:宋彬

出品人:

页数:127

译者:

出版时间:2010-2

价格:54.00元

装帧:平装

isbn号码:9787531444770

丛书系列:

图书标签:

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雕塑艺术的呼吸与形体：从古典到现代的创作实践 内容简介： 本书并非探讨二维视觉艺术的技巧，而是深入剖析三维空间塑形——雕塑艺术的创作精髓与实践路径。它聚焦于如何运用实体材料，将抽象的观念和内在的情感转化为具有重量、质感和生命力的客观形体。全书以严谨的学院派基础训练为起点，逐步引导读者进入当代雕塑的多元化领域，涵盖材料科学、结构力学、人体解剖学以及后现代语境下的装置与环境艺术。 第一部分：塑形基础——触觉的觉醒与物性的认知 本部分是雕塑学习的基石，旨在培养学习者对空间、体积和重量的直观感知能力。 第一章：雕塑的本体论：从负形到正形 雕塑的本质在于对“空间”的占有和界定。本章首先解析了“负形”（空间）与“正形”（实体）之间的辩证关系。我们将详细探讨古代大师如何通过对环境光影的捕捉，赋予石头和青铜以“呼吸感”。内容包括： 尺度与比例的建立： 学习如何根据预设的展示环境（室内、室外、纪念性）确定作品的绝对与相对尺寸，避免作品在空间中显得“漂浮”或“压抑”。 体块的分解与聚合： 采用几何体（立方体、球体、圆柱体）作为语言，训练学生将复杂的人体或自然形态解构为最基本的体积元素，再进行有机的重组，这是对卡尔·申克（Karl Schink）形态学理论的实践性应用。 第二章：泥土的温柔与力量：基础材料的习性 泥土（粘土）作为最原始的雕塑媒介，其可塑性提供了即时反馈。本章侧重于泥塑技法的精细打磨： 泥料的配方与处理： 探讨不同收缩率粘土的选择，如何通过加水、揉捏（Wedging）去除气泡，保证作品在干燥和烧制过程中的稳定性。 内部骨架（Armature）的构建： 这是保证大型作品结构安全的关键。我们将详细介绍钢筋、铝线和木材骨架的设计原则，特别是如何处理悬挑部分和应力点，确保泥土的重量得到有效支撑，这直接关系到后续铸造或翻模的成功率。 表皮的肌理控制： 从平滑如镜的抛光到粗粝的凿痕，肌理不仅是视觉效果，更是光线在物体表面的漫反射记录。本章将示范使用不同工具（抹刀、木棒、橡皮刮）营造出时间感和物质感。 第二部分：人体的再现与解构——解剖学的雕塑语汇 人是雕塑永恒的主题。本部分要求学习者超越表象，深入理解形体背后的结构逻辑。 第三章：动态解剖学的可视化 本章不侧重于医学解剖的枯燥图谱，而是关注肌肉在运动状态下的体积变化与张力传递。 骨骼的支撑系统： 学习脊柱、骨盆和四肢骨架在承重和运动时的空间关系，理解肌肉如何附着于骨骼之上，形成“力线”。 动态的捕捉： 以古典雕塑（如米开朗基罗的《垂死的奴隶》）和现代雕塑（如罗丹的动态研究）为例，分析艺术家如何通过夸张或简化关键的肌群来强调特定的情感状态——紧张、放松、挣扎。 第四章：从写实到表现——面部表情与内在情绪 面部是情感的集中地。本章指导如何用体积塑造来表达复杂的人类情感。 五官的结构定位： 精准掌握眼眶、鼻锥、颧骨和嘴唇的相对位置，确保雕像的“神韵”而非仅仅是“相似”。 情绪的转化： 探讨“悲伤”如何转化为面部肌肉的下沉和眼角线条的松弛；“愤怒”如何体现在额骨和咬肌的隆起上。这要求学习者将内心的体验转化为可触摸的实体语言。 第三部分：材料的升华——从模型到永恒 雕塑艺术的完成往往需要将易变的泥稿转化为耐候、持久的媒介。 第五章：铸造的炼金术：青铜与失蜡法 青铜是赋予作品永恒性的首选材料。本章详细拆解了复杂而精密的失蜡铸造全流程。 模具的制作与翻制： 硅胶模具的分块、开模、支撑壳（Mother Mold）的制作，以及如何确保模具精度，避免细节在翻制过程中丢失。 蜡型的精修与浇口设计： 学习如何用蜡修复模具瑕疵，并设计合理的浇注系统（立柱、横梁），以保证熔融金属能均匀地充满腔体，避免气孔。 脱蜡与铸造过程： 介绍高温焙烧窑炉的操作，以及铜水的熔点控制和浇注时机。 第六章：石材的挑战与生命的赋予 石雕要求创作者对材料的局限性有极高的敬畏。 石材的物理特性分析： 大理石、花岗岩、皂石的硬度、纹理走向（Grain）如何影响下刀的角度和深度。 从块体到形态的减法过程： 重点教授如何通过“打稿”（Pointing）技术将泥稿的精确三维数据转移到石料上。雕刻过程中，如何通过“试探性敲击”来感知石材内部的结构，避免因疏忽而导致整块材料的破碎。 表面处理的哲学： 亚光、镜面抛光对作品意境的影响。例如，光洁的大理石强调纯粹的形体，而保留凿痕的石头则彰显了人与自然力量的抗争。 第四部分：空间的对话——当代雕塑的语境拓展 进入二十世纪，雕塑不再局限于实体对象的制作，它开始与环境、时间、观念发生关联。 第七章：装配与现成品的介入（Assemblage and Readymades） 本章探讨如何运用非传统材料（金属废料、工业组件、日常物品）进行创作。 焊接与连接技术： 介绍TIG、MIG焊接的基础，以及如何通过机械连接（螺栓、铆接）来处理不同密度材料的结合问题。 观念的优先性： 分析杜尚的现成品对雕塑观念的颠覆。学习如何通过材料的“再语境化”（Recontextualization）来传递社会批判或哲学思考。 第八章：装置艺术与场地特定性（Site-Specific Art） 当代雕塑越来越多地走出工作室，成为环境的一部分。 尺度与环境的互动： 研究如何设计作品以响应特定的地理位置、历史背景或人流方向。场地特定性要求雕塑必须与其所在环境产生不可分割的对话关系。 时间与动态的纳入： 探讨使用风力、水流、光影变化作为创作媒介（如安迪·戈兹沃斯的作品），使雕塑成为一个持续发生的过程，而非一个静止的终点。 本书旨在提供一套全面、实用的雕塑训练体系，从最基础的触觉训练，到材料的终极转换，再到观念的拓展，为有志于投身三维艺术创作的实践者提供坚实的理论支撑与操作指南。

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我最近迷上了一种非常小众的手工技艺——羊毛毡戳刺艺术。市面上相关的教程大多要么是视频教程，要么就是图解过于简略，新手常常会因为不知道材料的细微差别和工具的使用力度而感到挫败。这本教程最成功的地方在于，它把“失败”也纳入了教学范畴。它非常坦诚地指出了在戳刺过程中，力度过大导致羊毛板结、颜色过渡不自然等常见错误，并且针对每一种错误，都提供了详细的“抢救”或修正方法。书中大量的特写照片，清晰地展示了不同阶段羊毛纤维的交织状态，这种微观的视角对于理解材料特性至关重要。我跟着它做了一个小小的动物摆件，过程中虽然遇到了一些难题，但每当我卡住时，翻回书里对应的章节，总能找到解决问题的关键线索，这极大地增强了我的动手能力和对这门手艺的信心，不再是盲目地尝试和浪费材料。

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这本书的装帧设计简直是艺术品，那种沉甸甸的质感，封面那种细腻的纹理，拿在手里就感觉不是那种廉价的印刷品。我尤其喜欢它内页的纸张选择，那种微微泛黄的米白色调，不反光，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。更别提字体排版了，行距、字间距都处理得恰到好处，阅读起来非常舒服流畅，仿佛作者的文字是有生命力地在纸上流动。我甚至有点舍不得在上面做笔记和折角，生怕破坏了它整体的美感。这绝对是一本值得收藏的书籍，光是放在书架上，它那种独特的气质就能提升整个空间的格调。翻阅时，那种油墨混合纸张特有的，带着一点点年代感的清香，让人瞬间沉浸在阅读的氛围里，而不是那种刺鼻的油墨味，这点做得非常到位，看得出在制作环节上是下了大工夫的。

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我是一个对历史细节极其考究的人，尤其对那些宏大叙事背后的民间生活状态非常感兴趣。这本书简直是打开了新世界的大门，它没有过多纠缠于帝王将相的功过是非，而是将笔墨聚焦在了宋代普通市民的一日。从清晨茶馆里伙计的吆喝声，到午后街边小贩叫卖的独特韵律，再到夜晚瓦舍里的说书艺人如何吸引听众，描述得细腻入微，仿佛能闻到当时空气中的味道。作者显然是做了大量的田野调查和文献梳理，引用了许多鲜为人知的笔记和地方志中的记载，使得那种“烟火气”真实可触。读着这些文字，我仿佛穿越回了那个繁华的时代，体会到了古人的喜怒哀乐，而不是冰冷的史料陈述。这种充满生活气息的历史书写方式，远比教科书上的只言片语要来得鲜活和动人。

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这套关于古典音乐鉴赏的入门教材，简直是为我这种音乐“小白”量身定做的救星。我一直对巴赫、莫扎特的交响乐感到敬畏，总觉得那旋律太复杂，结构太庞大，无从下手。这本书的厉害之处在于，它完全抛弃了枯燥的乐理分析，而是采用了“情境导入”的方法。比如，讲解奏鸣曲式时，它会把它比喻成一场精心编排的戏剧，告诉你主角（呈示部）是如何登场、遇到冲突（发展部），最后如何解决矛盾（再现部）。此外，书中还附带了大量的二维码链接，扫描后就能直接听到书中所提到的具体乐段，听觉和文字的结合，让抽象的音乐瞬间变得具象化。我不再是单纯地听“噪音”，而是能听出哪个乐器在扮演什么角色，什么时候是高潮，什么时候是转折，极大地提升了我的欣赏乐趣和自信心。

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我最近在尝试接触一些关于古代哲学思想的著作，但市面上的很多解读版本都过于学术化，读起来晦涩难懂，充满了各种生僻的术语和繁复的论证链条，常常读完一章还是一头雾水。然而，我偶然翻开的这本读物，它用一种极其平易近人的方式，将那些深奥的道理娓娓道来。作者似乎非常擅长抓住核心思想，然后用现代人能够理解的语言和生动的比喻进行阐释，就像一位耐心且智慧的长者在旁边轻声细语地引导你。特别是关于“存在”和“虚无”的探讨部分，他没有直接堆砌定义，而是通过一系列富有哲理的小故事和情境分析，让人在不自觉中领悟到其中的精髓。读完之后，我感觉自己的思维方式有了一种微妙的转变，看待日常事物的角度也变得更加开阔和深入，这种潜移默化的影响，比死记硬背那些哲学名词要有效得多。

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居然豆瓣无一人评价,　画得还不错的

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不甚了了。

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