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出版者:Publisher: Dover Publications

作者:Parrish, Carl (EDT)/ Ohl, John F. (EDT)

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2001-7-18

价格:$ 28.19

装帧:Paperback

isbn号码:9780486418810

丛书系列:

图书标签:

• 古典音乐
• 巴洛克音乐
• 文艺复兴音乐
• 早期音乐
• 音乐史
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• 音乐大师
• 西方音乐

音乐巨匠的辉煌与探索：一部跨越时空的音乐史诗 这部鸿篇巨制，旨在为读者勾勒一幅宏大而精微的西方古典音乐发展图景，其焦点完全集中于巴洛克盛期直至浪漫主义早期，一个音乐创作手法、审美趣味与社会功能发生深刻变革的时代。我们避开了中世纪和文艺复兴早期的根源性议题，直接切入十七世纪的革命浪潮，并将其清晰的脉络延伸至十九世纪初叶的宏伟终章。 全书共分为五个部分，结构严谨，旨在引导读者系统地理解不同历史阶段的音乐语言特征、主要作曲家及其代表作对后世的深远影响。 第一部分：巴洛克的黎明与戏剧性的诞生（1600-1700） 本部分深入探讨了十七世纪初欧洲音乐领域所经历的“第二代人”的创新。我们首先着眼于歌剧这一全新体裁的诞生及其早期形态——从佛罗伦萨的音乐学院派对古希腊戏剧的追溯，到蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）如何将情感的表达推向极致，塑造了早期歌剧的戏剧张力与情感深度。我们将详细分析“巴洛克风格”的核心要素：数字低音（Basso Continuo）的支撑作用、对位法的深化应用，以及“情感理论”（Doctrine of the Affections）在音乐结构中的指导地位。 随后的章节聚焦于器乐的崛起。键盘乐器，特别是大键琴和管风琴，在意大利和德国得到了空前的技术发展。我们考察了早期协奏曲（Concerto Grosso）的结构，以科雷利（Arcangelo Corelli）的作品为核心案例，分析快慢乐章的交替模式以及对位技巧的成熟运用。此外，组曲（Suite）作为器乐套曲形式的规范化，如何通过一系列标准舞曲（如萨拉班德、加沃特）的排列，形成了统一的情感基调。这一时期的音乐，充满了强烈的运动感、对比鲜明的音响效果以及对听众情感的直接调动，预示着一个宏大时代的到来。 第二部分：巴洛克的高峰——三位巨匠的遗产（1700-1750） 本书用大量篇幅来剖析巴洛克晚期的三位泰斗——维瓦尔第、亨德尔和巴赫——他们各自对音乐语言的贡献。 安东尼奥·维瓦尔第（Antonio Vivaldi）的贡献集中于协奏曲的标准化。我们将详尽分析他的《四季》等作品中，如何通过生动的模仿手法（Mimesis）和快速的音型模进，确立了以主奏乐器与乐队（Tutti）形成对比的“快-慢-快”三乐章协奏曲范式。这不仅是形式上的成熟，更是器乐叙事能力的飞跃。 乔治·弗里德里克·亨德尔（George Frideric Handel）的部分，则侧重于他在英国对清唱剧（Oratorio）的革新。与意大利歌剧的世俗性不同，亨德尔的作品如何将宗教题材与戏剧性结构相结合，特别是他如何运用宏大的合唱段落（Chorus）来推动叙事和表达集体情感，成为本部分的核心讨论点。他的音乐以其庄严、均衡和高贵的气质著称。 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的分析占据了本卷的重要篇幅。我们不再仅仅停留在“对位大师”的简单标签上，而是深入探究他如何集巴洛克时期所有音乐技法之大成。从《平均律钢琴曲集》中对调性体系的探索与固定，到赋格（Fugue）结构逻辑的极致完善；从《马太受难曲》中复杂而深刻的神学意蕴，到《勃兰登堡协奏曲》中器乐组合的创新，都体现了他对音乐逻辑、结构美学与精神内涵的全面掌控。巴赫的音乐，标志着一个时代的逻辑巅峰，其复杂性与内在的统一性，是后世难以企及的典范。 第三部分：洛可可的轻盈与“敏感风格”的萌芽（1730-1770） 随着巴洛克晚期宏大叙事的疲惫，音乐审美开始转向私人化、精致化和情感的细腻表达。本部分关注“风格革新”（Style Galant）的兴起。 我们探讨了法国的“洛可可”审美如何渗透到音乐中，表现为对装饰音的偏爱、旋律线的灵巧与优美，以及对持续低音的摒弃。随后，我们将重点分析“敏感风格”（Empfindsamer Stil），尤其是在德国的代表人物C.P.E.巴赫（Carl Philipp Emanuel Bach）的作品中。这种风格追求表达微妙、多变的人类情感波动，通过不规则的停顿、突然的音高和情绪变化，预示着对纯粹理性逻辑的超越。 同时，我们也考察了早期交响曲（Sinfonia）和奏鸣曲（Sonata）形式的初步发展，尤其是曼海姆乐派（Mannheim School）在管弦乐配器和动态控制（如著名的“曼海姆轰鸣”）方面所做的技术性贡献，为古典主义的到来铺平了道路。 第四部分：古典主义的典范——结构、清晰与普适性（1770-1800） 本部分是全书结构最为清晰的部分，聚焦于海顿、莫扎特和贝多芬早期的创作高峰。古典主义的核心在于“清晰的结构”、“均衡的比例”和“普遍可理解的表达”。 约瑟夫·海顿（Franz Joseph Haydn）被称为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”。我们详细分析了他如何将早期的交响曲片段结构系统化、规范化，确立了奏鸣曲式（Sonata Form）在呈示部、发展部和再现部中的功能性。他的幽默感和对音乐材料的精妙处理，使他成为古典主义精神的完美化身。 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）的章节，侧重于其旋律天赋与戏剧洞察力的完美融合。我们分析了他在歌剧（如《费加罗的婚礼》）中如何通过音乐语言区分和刻画不同社会阶层的人物性格，以及他在协奏曲中如何将独奏乐器与乐队的关系提升到对话与共舞的平衡境界。莫扎特的音乐，在极致的优雅下，隐藏着深刻的人性洞察。 第五部分：过渡的巨人与浪漫的先声（1790-1827） 最后一部分探讨了路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）的作品如何成为古典主义的巅峰和浪漫主义的桥梁。 我们不再将贝多芬视为一个简单的继承者，而是分析他如何颠覆了古典时期的平衡与节制。从早期作品对海顿和莫扎特的继承，到中期“英雄式”作品中对宏大叙事和个人意志的强调（如第三、第五交响曲），贝多芬是如何将奏鸣曲式进行极端的拉伸和改造，使之成为表达意志斗争和史诗性情感的载体。我们特别关注了晚期风格，如弦乐四重奏和最后几部钢琴奏鸣曲中，对位法（向巴赫的回归）与极端主观性表达的融合，这为十九世纪的作曲家们指明了新的方向。 全书最终停在贝多芬的伟大身影前，这部作品旨在提供一个清晰的、聚焦于结构发展、技术革新和审美转移的音乐史框架，完全涵盖了十七世纪初至十九世纪初的欧洲音乐主流。

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《Masterpieces of Music Before 1750》这个书名就自带一种古老而神圣的光环，让我迫不及待地想翻开它。我一直觉得，了解音乐的“前世”，对于理解当下的音乐形态至关重要。这本书正是聚焦于一个我充满好奇的时期——1750年之前的音乐。我设想，书中会详细介绍那个时期一些关键的音乐流派和风格，比如在中世纪晚期、文艺复兴以及巴洛克早期，音乐是如何从单音发展到复调，又是如何逐渐形成我们今天所熟悉的各种音乐体裁的。我期待书中能够有对那些被誉为“杰作”的作品进行深入的剖析，不仅仅是列举，更重要的是揭示它们之所以能够成为杰作的原因。例如，奥兰多·迪·拉索的弥撒曲，蒙特威尔第的歌剧，巴赫的赋格，这些都是我非常感兴趣的音乐家和作品。书中是否会分析这些作品的结构、旋律的走向、和声的运用，以及它们在当时社会文化背景下的意义？我希望这本书能够提供丰富的音乐史料和生动的解读，让我能够“看见”那些古老的乐谱，甚至“听见”那些尘封已久的美妙旋律。它不仅是一本关于音乐的书，更是一扇通往历史深处的大门，让我得以窥见西方音乐最初的萌芽和璀璨的光芒。

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在看到《Masterpieces of Music Before 1750》这个书名时，我脑海中立刻浮现出各种关于古代音乐的画面。我对于那些被时间的长河淘洗后，依然闪耀着光芒的音乐作品充满了敬畏。这本书的出现，无疑满足了我对这段音乐史深入了解的强烈愿望。我特别好奇书中会如何解读那些被公认为“杰作”的作品。它们究竟具备了哪些特质，使其能够跨越数百年，至今仍然被奉为圭臬？是技法的精湛，情感的深刻，还是对人类精神的某种独特表达？我期待书中能够提供具体的音乐分析，也许会涉及到旋律、和声、节奏、曲式等方面的解读，让我能够从音乐本身的结构和语言去理解其伟大之处。此外，我也想知道，在1750年之前，音乐的社会功能和文化意义是怎样的。它是宗教的附属，是贵族的消遣，还是人民的情感寄托？不同的时代背景和文化环境，是如何影响音乐的创作和接受的？这本书是否会探讨这些宏大的命题，将音乐置于更广阔的历史语境中进行审视？我期待它能够像一部音乐史的宏大画卷，带领我领略那个时代音乐的丰富多彩，感受那些古老旋律所蕴含的独特魅力和深刻思想。

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我拿到《Masterpieces of Music Before 1750》这本书，感觉它就像一把钥匙，即将为我打开一扇尘封已久的大门。我一直对古典音乐，尤其是那些早期作品，有着一种难以言喻的亲切感，但又苦于知识的匮乏，无法深入探究。这本书的书名直接点出了它的主题，我相信它会是一本非常详实且权威的作品。我尤其期待书中对那些早期作曲家，比如蒙特威尔第、帕莱斯特里那，甚至是更早期的音乐家的作品的介绍。我想了解他们的创作手法，他们的音乐如何突破了当时的限制，为后来的音乐发展奠定了基础。书中是否会包含一些关于当时音乐理论发展的论述？例如，和声学的起源，复调音乐的发展脉络，这些对我来说都是非常吸引人的内容。我还对当时音乐的表演形式和乐器很感兴趣。在没有指挥、没有大型交响乐团的时代，音乐是如何呈现的？当时的教堂、宫廷、甚至是民间，音乐扮演着怎样的角色？这本书是否会提供一些图像资料，帮助我们更直观地了解当时的乐器和演奏场景？我想象着，通过阅读这本书，我能够穿越历史的烟尘，亲耳“听到”那些被誉为“杰作”的古老旋律，感受到它们穿越时空的生命力，并且对西方音乐的源头有一个更加清晰和深刻的理解。

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《Masterpieces of Music Before 1750》这个名字本身就散发着一种厚重的历史感和艺术的庄严感，让我对它充满了期待。我一直以来都对西方古典音乐的早期发展有着浓厚的兴趣，特别是那些奠定了我们今天所熟悉的一些音乐传统基础的作品。我希望这本书能够为我打开一扇通往那个时代音乐世界的大门，让我能够更深入地了解在1750年之前，那些被誉为“杰作”的音乐作品是如何被创作出来的，它们又承载了怎样的文化和时代精神。我尤其好奇书中是否会详细介绍当时的一些重要作曲家，比如乔斯昆·德普雷、拉索、帕莱斯特里那、以及巴赫早期的作品。我希望能了解到他们独特的创作手法，他们的音乐是如何与当时的宗教、宫廷、社会生活紧密相连的。书中是否会涉及当时的乐器发展、演唱技巧，甚至是音乐理论的演变？我设想，这本书应该会不仅仅停留在作品的罗列，而是会深入分析每一部“杰作”的艺术价值和历史意义，让我能够从一个更广阔的视角去理解它们的伟大之处。我期待通过这本书，能够更清晰地看到西方音乐是如何一步步走向成熟，那些古老而伟大的旋律，是如何穿越时空，至今依然能够打动人心。

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这本书的名字叫《Masterpieces of Music Before 1750》，光是看这个书名，就足以让人对它的内容产生无限遐想。我一直对欧洲古典音乐的早期发展充满了好奇，尤其是在巴洛克时期之前，那段音乐历史的混沌与孕育，总是让我觉得深邃而迷人。我期待这本书能够带领我穿越时光的迷雾，去探寻那些塑造了西方音乐基石的伟大作品。我想象着，它可能会详细解读格里高利圣咏的庄严神圣，分析早期复调音乐的精巧织体，或者描绘出中世纪游吟诗人的浪漫歌谣。我希望它不仅仅是枯燥的音乐史罗列，更能够触及到这些音乐背后的人文、社会以及宗教背景，让我理解在那个时代，音乐是如何被创作、被演奏、被聆听的。例如，我想知道，在没有现代乐谱和乐器的情况下，那些流传下来的乐曲是如何被保存和传承的？教会音乐在其中扮演了怎样的角色？世俗音乐又有着怎样的生命力？这本书是否会提供一些具体的音乐片段的分析，让我们得以窥见那些古老旋律的魅力？我甚至希望它能引发我对当下音乐的反思，去思考是什么构成了“杰作”，以及艺术的传承与创新之间的关系。总而言之，我希望这本书是一次充实而深刻的音乐文化之旅，让我对“1750年之前的音乐杰作”有一个更全面、更感性的认识。

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