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出版者:

作者:Cox, Gordon

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页数:170

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价格:110

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isbn号码:9780754606314

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• 音乐教育
• 学校音乐
• 音乐史
• 教育史
• 文化研究
• 20世纪音乐
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• 教育社会学

乐章的传承：英国音乐教育的百年回响 (1900-2000) 导言：二十世纪英国音乐教育的宏大图景 本书旨在深入探讨二十世纪（1900年至2000年）英国音乐教育体系的演变历程、核心理念的变迁以及其实践层面的具体展开。这一百年跨度不仅涵盖了两次世界大战、社会结构的深刻变革，更重要的是，它见证了音乐在国民教育中地位的起伏不定，从古典主义的精英培养到普及化、从技术导向到注重体验与表达的范式转移。我们试图勾勒出一条清晰的脉络，展示不同历史时期教育政策、社会思潮如何共同塑造了英国学童接触、学习和理解音乐的方式。 第一部分：古典遗产与早期探索 (1900-1939) 世纪之初，英国的音乐教育深受维多利亚时代遗风的影响，强调古典曲目（尤其是巴赫、莫扎特、贝多芬）的精确再现和视唱练耳等基础技能的训练。这一阶段的教育主要由教会学校和文法学校主导，目标往往是培养具备一定修养的绅士淑女，而非大众化的音乐素养普及。 1. 官僚体系的萌芽：教育法案的影响 1902年的《教育法》为公立学校的音乐教育提供了初步的行政框架，尽管起初资源分配并不均衡。此时，音乐教育的重点多集中在“合格”的合唱训练上，旨在提升学校集体的精神面貌。我们详细分析了当时对音乐教师的要求，他们多半是受过严格声乐训练的音乐家，而非专注于儿童心理学或教育理论的专业人士。 2. 早期理论家的声音：从注重技术到关注感知 尽管主流仍是技艺的雕琢，但一些先驱者已经开始质疑这种“模仿式”教学的局限性。例如，对德沃夏克（Dvořák）在英格兰推广的民族音乐精神的探讨，以及对儿童歌谣和民间音乐在课堂中应用的初步尝试。这一时期的关键在于，如何将音乐的“美学”价值，而非仅仅是“道德”或“纪律”价值，引入主流课程。 3. 乐器学习的阶层性：钢琴与小提琴的统治 在家庭背景允许的范围内，钢琴和小提琴占据了乐器教学的绝对主导地位。我们考察了私人音乐教师的兴衰，以及他们与学校教育之间的复杂互动关系。私人教学强调严格的指法训练和严苛的练习制度，这在一定程度上也影响了早期学校的教学风格，使得“努力”往往比“创造力”更受重视。 第二部分：战争时期的韧性与战后的重塑 (1940-1969) 两次世界大战对英国社会产生了深远影响，音乐教育也随之进入一个需要自我反思与重塑的阶段。 1. 战时精神的凝聚力 在二战期间，音乐在鼓舞士气、集体慰藉中发挥了不可替代的作用。学校合唱团和军乐队成为了社区活动的中心。我们分析了这一时期音乐教育文献中“团结”、“爱国”等主题的频繁出现，以及这种环境如何促进了管乐教育的发展，因为管乐器更容易在社区层面组织起来。 2. 达尔克罗兹、科达伊与奥尔夫的引入 战后，随着国际交流的恢复，欧洲大陆的创新教学法开始对英国产生显著影响。本部分重点剖析了达尔克罗兹（Dalcroze Eurhythmics）的身体律动教学法、科达伊（Kodály Method）的民族音乐基础训练，以及卡尔·奥尔夫（Carl Orff）的“元素音乐”在英国课堂的实验性引入。这些方法挑战了传统的读谱优先的模式，提倡通过身体感知和即兴创作来理解音乐结构。 3. 1960年代的文化冲击与音乐的“民主化” 六十年代的文化解放思潮直接冲击了既有的僵化教育体系。摇滚乐、流行音乐的兴起迫使教育者正视学生在课外接触到的音乐类型。尽管主流课程仍未完全接纳，但一些前卫的教育者开始探索如何将学生熟悉的音乐（如爵士乐基础、流行歌曲的和声结构）纳入教学范畴，以提高学生的参与度。 第三部分：教育改革与课程的多元化 (1970-1999) 后工业时代的英国教育体系面临着提高全民素养和适应社会经济变化的双重压力。音乐教育在这一阶段经历了最剧烈的体制性变革。 1. 从“科目”到“领域”：综合课程的尝试 1970年代至1980年代，音乐教育在“整体教育”（Holistic Education）的理念下，被视为一个跨学科的领域，而非孤立的技能科目。我们探讨了“制作”（Making）、“表现”（Presenting）和“聆听”（Listening）这三大核心要素在课程设计中的相互作用。 2. 国家课程的制定与评估体系的挑战 1988年《教育改革法案》的颁布，确立了国家课程（National Curriculum）框架，这标志着音乐教育首次在全国范围内拥有了强制性的、统一的教学目标。然而，这种自上而下的统一也带来了新的矛盾：如何平衡对古典音乐的尊重与对当代音乐实践的接纳？如何评估学生的创造性和情感投入，而非仅仅是技术的掌握程度？本部分深入分析了国家课程对音乐教师专业发展的影响。 3. 电子音乐与科技的介入 进入八十年代末和九十年代，合成器、数字采样和基础的音乐制作软件开始进入部分学校的音乐室。这种技术革新不仅改变了“制作”音乐的方式，也对“聆听”提出了新的要求——学生需要理解电子音色是如何被合成和操纵的。我们考察了早期MIDI技术在中学音乐教学中的应用案例和面临的资源挑战。 4. 批判性聆听与文化语境 九十年代末期，音乐教育更加注重批判性思维的培养。不再仅仅是学习乐谱，而是学习“如何聆听”——理解音乐的社会、文化和历史语境。对世界音乐（World Music）的介绍也更加系统化，试图打破长期以来以欧洲古典音乐为中心的单一视角。 结论：世纪末的回望与展望 回顾这百年历程，英国音乐教育在“普及化”与“质量保持”之间不断寻求平衡。从早期的技术训练到后期的体验式学习，核心驱动力始终是对“何为有价值的音乐教育”这一问题的不同解读。世纪末的教育体系比以往任何时候都更加多元化，但同时也面临着资源压力和评估标准的持续争议。本书的分析旨在为理解当前音乐教育的挑战提供深厚的历史基础。

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这本书的封面设计就充满了吸引力，柔和的色调和略带复古感的字体，仿佛在诉说着一段悠久而美好的音乐教育历史。我一直对教育史，特别是音乐教育的演变很感兴趣，而“Living Music in Schools 1923-1999”这个书名，立刻勾起了我的好奇心。它暗示着一种动态的、充满生命力的音乐教学方式，而不是僵化的、枯燥的知识灌输。我设想，在将近一个世纪的时间跨度里，从20世纪初到千禧年之际，学校音乐教育经历了怎样的变革？那些曾经活跃在课堂上的老师们，他们是如何理解和实践“Living Music”的？是怎样的理念和方法，让音乐在学生们的生活中真正“活”了起来？我特别期待书中能够展现不同时代背景下的具体教学案例，比如，在二战时期，音乐在学生们的心灵慰藉和民族精神塑造中扮演了怎样的角色？在信息爆炸的20世纪末，学校音乐教育又如何应对新的挑战和机遇？这本书给我的第一印象，就是它不仅仅是一部学术著作，更像是一扇窗，让我能够窥见过去几代人在音乐教育领域所付出的心血和智慧。我想，透过这本书，我能够更深刻地理解音乐教育的本质，以及它在塑造个体和集体文化方面所扮演的关键角色。

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这本书的书名“Living Music in Schools 1923-1999”仿佛一段悠扬的旋律，在我的脑海中轻轻奏响。它勾起了我对音乐教育历史的无限好奇。我期待书中能展现一个丰富多彩的画卷，描绘出不同时代背景下，学校音乐教育的独特风貌。究竟是什么样的音乐理念，让音乐在学校里真正“活”了起来？是那些充满创意的课堂活动，还是那些富有远见的教育家们的智慧？我特别想知道，在20世纪的漫长岁月中，音乐教育是如何适应社会变迁的。例如，在信息技术尚未普及的年代，学校如何通过有限的资源，点燃孩子们对音乐的热情？在随后的几十年里，随着科技的进步和社会思潮的变化，音乐教育又经历了哪些深刻的转型？这本书给我的感觉，不仅仅是一部学术性的著作，更像是一部感人至深的编年史，它记录了音乐教育领域那些鲜为人知却又意义非凡的故事，展现了无数教育者为让音乐成为孩子们生命中不可或缺的一部分所付出的努力。

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当我翻开这本书，第一个吸引我的，是序言中作者那充满激情而又略带深沉的语气。他用一种近乎诗意的语言，描绘了音乐在青少年成长过程中的不可替代性，以及教育者们如何努力将这份美好传递给下一代。虽然书中提到的具体年代跨度很大，但作者的叙述却非常连贯，仿佛是一位经验丰富的导游，引领读者穿越时光隧道，细致地观察着学校音乐教育的每一次脉搏跳动。我尤其好奇的是，在不同时期，社会对音乐教育的期望和定位有何差异？例如，在经济腾飞的时代，音乐教育是否会更侧重于培养人才，而在社会变革时期，它又是否承担了更多的情感疏导和文化传承的功能？我脑海中浮现出各种可能性：从最初的声乐和乐器学习，到后来对音乐创作、即兴演奏，甚至是数字音乐技术的引入，每一个阶段都可能蕴藏着引人入胜的故事。这本书的书名“Living Music”，也让我联想到那些充满活力的课堂瞬间，学生们因为音乐而眼睛发光，因为共同创作而建立深厚的友谊，这些画面在我脑海中一一闪现。

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拿到这本书，我首先被它朴实却充满力量的书名所吸引。“Living Music in Schools 1923-1999”——这个标题瞬间就将我带入了一个充满回响的音乐世界，仿佛能听到无数孩子们的歌声、乐器声，以及老师们循循善诱的教导声。我设想，这本书会详细地梳理从20世纪初到20世纪末，英国学校音乐教育的发展脉络。这其中必然会涉及不同历史时期社会对音乐教育的认知和需求的变化。例如，在战争年代，音乐是否承担了更多的凝聚人心、抚慰心灵的功能？在经济发展的时期，音乐教育是否被视为培养未来音乐人才的重要环节？我又好奇，书中是否会深入探讨具体的教学实践，那些曾经在课堂上奏响的乐章，那些孩子们在音乐中获得的启迪和快乐。它是否会揭示一些被历史洪流掩埋的教育创新，或者一些至今仍然具有启发意义的教学理念？这本书给我一种预感，它将是一部充满温度的教育史，不仅仅记录了方法和理论，更展现了音乐教育者们对学生的热爱，以及他们为让音乐“活”起来所付出的不懈努力。

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这本书的标题“Living Music in Schools 1923-1999”就如同一个精心设计的谜语，引发了我无穷的遐想。它不仅仅是关于学校里的音乐，更是关于音乐如何“活”在学校里，如何影响每一个学生，如何塑造他们的成长历程。我迫不及待地想知道，在这一百多年的时间里，有多少创新性的教学方法被提出并实践？有多少音乐教育家，他们的名字可能并不为大众所熟知，却在默默地耕耘，播撒着音乐的种子？我猜测，书中会涉及到不同流派的音乐教育理论，比如达尔克罗兹、柯达伊，以及奥尔夫的教学法，它们在英国的学校里是如何被接受、改编和推广的？我特别感兴趣的是，在社会经济和文化变迁的大背景下，音乐教育所面临的挑战是什么？例如，在资金削减的年代，如何保证音乐教育的地位？在流行文化日益盛行的时代，如何引导学生欣赏和创作更具深度的音乐？这本书对我来说，不仅仅是一次知识的获取，更像是一次情感的共鸣，我期待与那些曾经为音乐教育奉献过的人们，在书页间进行一次跨越时空的对话。

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