Harmony and Voice Leading pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Aldwell, Edward/ Schachter, Carl

出品人:

页数:0

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出版时间:

价格:419.00元

装帧:

isbn号码:9780534522162

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 和声学
• 声部导音
• 作曲
• 音乐分析
• 古典音乐
• 音乐教育
• 音乐史
• 对位法
• 功能和声

音乐的结构与逻辑：巴洛克晚期至浪漫主义早期和声与织体研究 本书导读： 本书深入探讨了18世纪中叶至19世纪中叶，西方古典音乐在和声语言、织体构建以及音乐形式发展上的关键转折与深刻演变。我们将聚焦于从巴洛克晚期的精细对位与功能和声体系的成熟，过渡到古典主义时期的清晰结构与清晰表达，直至浪漫主义早期音乐家对和声色彩的探索与情感张力的挖掘。这不是一本简单的和声规则手册，而是一次对特定历史时期音乐“语法”和“修辞”的系统性考察。 第一部分：功能和声的奠基与精炼（约 1730–1780） 本部分追溯了拉莫的调性理论如何被实践整合，并成为巴洛克晚期和声构建的基石。我们将详细分析巴赫和亨德尔作品中如何运用严格的级进和弦（Diatonic Triads）、属和弦（Dominant Harmony）及其解决，以及导音（Leading Tone）在调性中心确立中的决定性作用。 和声的逻辑流程： 探讨“T-S-D-T”（主和弦-下属和弦-属和弦-主和弦）这一核心功能关系在巴洛克复调音乐中如何通过旋律线和低音进行来体现。我们将分析持续低音（Basso Continuo）向清晰低音旋律的转变过程，以及这一变化如何影响了和声的织体密度。 和弦的延伸与变化： 重点考察七和弦（Seventh Chords）在确立不稳定性和推动乐句发展中的作用。尤其关注减七和弦（Diminished Seventh Chords），它们不仅是转调的强大工具，更是音乐戏剧张力的重要来源。 调性布局与乐段结构： 分析在赋格（Fugue）与组曲（Suite）中，调性如何通过平行转调（Sequential Modulation）和关系调（Relative Keys）的运用进行规划。研究在巴洛克末期，结构对称性如何与和声的严谨性相结合。 第二部分：古典主义的清晰与平衡（约 1770–1815） 古典主义时期，音乐追求清晰、平衡与结构上的可理解性。和声语言在保持功能性的同时，服务于更为明确的乐思（Motivic）发展和奏鸣曲式（Sonata Form）的框架。 奏鸣曲式的和声骨架： 深入剖析奏鸣曲式中呈示部（Exposition）的两个主题区域所依赖的功能性对比——主调与属调或关系小调之间的固定关系。研究在再现部（Recapitulation）中，和声如何通过改变终止部的调性来解决冲突，实现统一。 织体向“旋律与伴奏”的转变： 详细阐述“分解和弦伴奏”（Alberti Bass）的普及。分析这种织体如何解放了左手，使右手旋律能够更加自由地发展，并强调了清晰的三声部（Melody, Harmony, Bass）布局的重要性。 和声的简化与强调： 在海顿和莫扎特的音乐中，尽管和声色彩丰富，但其核心仍是强调清晰的终止式（Cadences）。我们将研究他们如何利用节奏和力度对比来增强和声的冲击力，而非仅仅依赖于更复杂的和弦本身。 第三部分：浪漫主义的色彩与张力（约 1810–1850） 随着音乐家对个人情感表达的追求，和声开始摆脱古典主义的结构束缚，向着更广阔的色彩领域拓展。本部分关注舒伯特、舒曼等早期浪漫主义作曲家如何扩展调性边界。 半音化的渗透： 探讨半音和弦（Chromatic Harmony）如何被系统性地引入到传统的功能框架中。重点分析那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord）以及经过性属七和弦（Secondary Dominants）的广泛运用，它们如何模糊了调性中心，增加了音乐的流动性。 和声的“远关系”探索： 研究作曲家如何利用远关系转调（Remote Key Modulation）来表达强烈的情感波动或“梦幻”般的听觉体验。这包括对同主音异名关系（如 C 大调到 A 小调）之外的，例如借用关系调的非邻近调的探索。 织体的增厚与情感表达： 分析和弦的持续使用（Pedal Points）如何创造出背景的紧张感，以及更饱满的九和弦（Ninth Chords）和增三和弦（Augmented Triads）在表达内心冲突或渴望时的作用。研究乐句结构如何变得更加“有机”，不再严格依赖于古典时期的对称性，转而服务于情感的起伏。 歌谣体（Lied）中的和声创新： 专门分析艺术歌曲中，钢琴伴奏如何不再仅仅是装饰或辅助，而是成为描绘歌词意境、烘托人物心境的核心元素，通过即兴化的和声织体来增强叙事深度。 结论：功能与情感的张力平衡 本书最后总结了从巴洛克到浪漫主义早期，和声语言发展的内在驱动力：即在保持听众对调性中心的认知（功能和声的本质）的同时，不断通过织体变化和半音色彩来深化音乐的情感表达。理解这一过渡，是把握随后19世纪中后期音乐发展的关键前提。本书旨在为学习者提供一个坚实的分析框架，以解读这一时期复杂而精妙的和声实践。

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当我合上这本书时，心中涌起的是一种被彻底洗礼后的豁然开朗。坦白说，市面上许多乐理书籍往往陷入了僵硬的教条主义泥潭，只顾着展示古典时期的规范，却忽略了音乐语言的演变与活力。然而，这本书的作者以一种极为开阔的胸襟，将和声学的历史脉络梳理得井井有条，从巴洛克时期的严谨结构，到浪漫主义时期的情感张力爆发，再到近现代和声的模糊与自由，每一步的过渡都处理得极其自然，毫无生硬的断裂感。我发现自己在阅读过程中，不断地回溯和比对过去学习到的知识点，那些过去的疑惑和不解，都在作者循序渐进的解释中迎刃而解。尤其是关于“调性中心”的构建与瓦解的章节，其论述的深度和广度，远超我预期的教材标准，它更像是一份详尽的音乐哲学探讨报告，而非单纯的工具书。

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这本书的封面设计简洁而富有张力，初次翻阅时，我便被它深邃的内涵所吸引。作者在处理复杂乐理概念时，展现出一种令人惊叹的清晰度和洞察力。尤其是在探讨和声进行中的色彩变化与功能性转换时，那些原本晦涩难懂的理论点，在作者的笔下如同被施了魔法般，变得生动且易于理解。我特别欣赏其中对于“引申和弦”的论述，它不仅仅是罗列规则，更是深入剖析了这些和弦在特定情绪烘托中所扮演的关键角色。书中大量的实例分析，无一不精准地印证了理论的有效性，让读者能真切感受到理论与实践的完美结合。对于那些渴望从“知道和弦是什么”跃升到“理解和弦为什么这样进行”的音乐学习者来说，这本书无疑是一座里程碑式的灯塔，指引着我们探索更深层次的音乐逻辑。它要求读者投入时间去思考、去聆听，而非仅仅停留在表面的记忆，这才是真正有价值的音乐教育。

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这本书的价值，在于它超越了基础和声学的范畴，真正触及了音乐结构的核心秘密。它对“模态和声”的讨论，篇幅虽然不算长，但密度极高，为那些希望拓展创作视野的乐手提供了坚实的理论支撑。作者并未止步于讲解“是什么”，而是深入探讨了“为什么是这样”，这种追根溯源的写作态度，是我在其他同类书籍中极少见到的。它迫使我去审视自己过往的创作习惯，是不是过于依赖某些“安全”的和声进行模式。书中的一些关于复调织体中声部进行逻辑的阐述，精确得如同手术刀一般，将复杂的声部交织清晰地呈现在眼前，使得原本混乱的声部关系变得条理分明。对于严肃音乐爱好者和专业作曲系学生来说，这本书的参考价值是无可替代的，它提供了一套系统、全面且富有前瞻性的音乐语言解析框架。

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我必须承认，这本书的阅读门槛并不低，它要求读者必须具备一定的乐理基础，否则可能会在初期的某些技术名词面前感到吃力。然而，一旦跨过了最初的适应期，接下来的学习过程将是指数级回报的。作者在探讨如何运用和声来构建宏大叙事结构方面，给出了极其宝贵的见解。例如，书中关于如何通过和声的“密度”和“张力层级”来控制乐曲的起伏和高潮处理的分析，简直是一份实战手册。我将书中的一些分析方法应用到我自己的编曲练习中，立刻感受到了作品的层次感和情感深度得到了显著提升。这本书的深度不在于炫技式的复杂和弦堆砌，而在于对音乐内在逻辑的深刻洞察与提炼，它教会我的，是如何用声音的逻辑去讲述一个完整的故事，而非简单地连接音符。

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阅读体验上，这本书的排版和用词选择都颇具匠心。它没有采用那种冷冰冰的教科书腔调，而是以一种沉稳而富有感染力的文字，引导读者进入一个思考的殿堂。作者在阐述复杂的对位原则时，甚至会穿插一些历史典故或作曲家的小故事，这极大地增强了阅读的趣味性，使得学习过程不再枯燥乏味。我特别喜欢它在分析特定作曲家作品段落时所采用的“听觉还原法”，它鼓励读者在脑海中预先“听见”和声的走向，然后再去对照谱例进行技术分析。这种从感性入口，再导向理性分析的路径设计，非常适合当代学习者的认知习惯。对我个人而言，最大的收获在于对“不协和音程”的认识得到了彻底的颠覆，不再视其为需要规避的错误，而是理解了它在塑造音乐戏剧性中不可替代的作用。

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