The Facts on File Dictionary of Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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作者:Ammer, Christine

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价格:19.95

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isbn号码:9780816052677

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音乐理论与实践的广袤殿堂：一部跨越时空的音乐百科全书 这部名为《音乐的万象词典》的著作，旨在为音乐爱好者、学生、研究人员以及专业人士，提供一个全面、深入且兼具实用性的音乐知识宝库。它并非对既有音乐词典的简单复述，而是一次对音乐世界核心概念、历史脉络、技术细节与美学哲思的精心梳理与重构。本书的野心在于，它力求超越单纯的术语解释，构建一个完整的知识体系，使用户能够从宏观的音乐史观到微观的乐器构造，都能找到清晰、准确的指引。 第一部分：音乐的基石——理论与结构 本卷集中探讨音乐的建筑材料与骨架。我们从最基础的音高和音级系统开始，详细解析了十二平均律的起源、不同文化（如中国传统音律、印度拉格）的音高体系，并探讨了泛音列的物理学基础如何塑造了我们对和声的感知。 和声学部分是本书的核心之一。我们不仅涵盖了古典和声的功能和声体系，如导音的导向性、和弦的连接规律，还深入探讨了非功能性（或称线性）和声，包括印象派的平行和弦、20世纪以来的集合（Set Theory）理论在和声分析中的应用。书中包含了大量的图示和实例，分析了从巴赫到德彪西再到荀白克等不同时期作曲家在和声处理上的独特手法。例如，对三全音在不同音乐语境下的情感张力分析，以及如何运用非传统调式（如弗里吉亚、利迪亚调式）来拓宽和声色彩。 对位法的章节，从帕莱斯特里那的纯净对位，到巴赫赋格曲的复杂结构，细致剖析了各种对位规则——模仿、卡农、赋格的构造原理。我们特别关注了节奏型（Rhythmic Motives）在对位织体中的相互作用，以及如何通过声部导向（Voice Leading）来维持旋律线的流畅性与和声的逻辑性。 曲式与结构部分，则将视角提升到宏观层面。从最早期的段落结构（如三段体ABA），到古典奏鸣曲式的呈示部、发展部、再现部的内在逻辑与功能交换，再到浪漫主义时期向自由曲式的演变，如幻想曲（Fantasy）和叙事曲（Ballade）。书中引入了现代音乐形式分析的工具，比如对序列主义中固定形式（Fixed Forms）的解析，使用拓扑学和集合论的观点来描述结构。 第二部分：声音的领域——配器、音色与技术 这一部分专注于声音的物理形态、人类对声音的控制，以及声音在不同媒介中的实现。 配器法是本书的另一大亮点。它并非仅仅罗列乐器家族，而是深入探讨了每种乐器在不同音域、力度下的音色特性（Timbre）和演奏难度。木管乐器的超吹技术、铜管乐器的弱音器效果、弦乐器泛音的精确控制，以及打击乐器不同材质带来的音色光谱差异，都有详尽的描述。书中提供了大量的“配器建议”，例如如何平衡一个大型管弦乐队中的高音区与低音区，或是在室内乐中实现“看不见的”混响效果。 人声与歌唱科学部分，超越了简单的声部划分（Soprano, Alto, Tenor, Bass），探讨了生理声学（Phonetics of Singing），如声带的振动模式、共鸣腔的调节对音色和音量（Resonance and Projection）的影响。我们还收录了关于不同演唱风格（如美声、歌剧宣叙调、艺术歌曲、现代音乐中的非传统声乐技法）的专门分析。 电子音乐与声音设计章节，聚焦于20世纪中后期至今的声音创作。从磁带音乐的剪接技术，到合成器（Synthesizers）的工作原理——振荡器（Oscillator）、滤波器（Filter）、包络发生器（Envelope Generator）的参数控制，再到数字音频工作站（DAW）中的软件合成与采样技术。特别地，书中包含了对声音景观（Soundscape）理论的探讨，以及如何在音乐作品中有意识地构建和解构环境声音（Musique concrète）。 第三部分：历史的进程——风格、流派与文化语境 音乐史不再是简单的年代罗列，而是关于风格演变背后的文化驱动力。 西方音乐史的叙述，从中世纪的单音音乐（格里高利圣咏）和奥尔加农的早期复调，到文艺复兴的合唱精粹，均以当时社会结构和宗教哲学为背景。巴洛克时期的“激情理论”（Doctrine of Affections）如何渗透到对位与装饰音的使用中，得到了深入的探讨。 古典主义的清晰、平衡与“自然”，如何通过奏鸣曲式得以体现，并分析了海顿、莫扎特、贝多芬在继承与革新中对这一形式的贡献。浪漫主义的个体情感爆发，如何导致了管弦乐队的膨胀和标题音乐（Program Music）的盛行，这一点通过李斯特、瓦格纳的案例被详细阐述。 20世纪的现代主义，我们分析了印象主义对和声模糊性的追求，表现主义中十二音体系的“理性反抗”，以及新古典主义对早期结构的回归。对于战后兴起的机遇音乐（Aleatoric Music）和极简主义（Minimalism），本书侧重于分析它们如何挑战听众的预期，以及其背后哲学（如约翰·凯奇的“无目的”观念）。 跨文化音乐视野：本书打破了仅关注西方艺术音乐的局限。我们设有专门章节介绍非西方音乐传统，如非洲的复节奏（Polyrhythm）如何与欧洲的旋律思维相区别；印度音乐中拉格（Raga）的即兴传统与复杂的塔拉（Tala）体系；以及爵士乐从蓝调根源到比波普（Bebop）的结构性创新，特别是其即兴创作中的和声替换与节奏位移。 第四部分：实践与应用——表演、创作与接受 这一部分关注音乐在实际操作中的各个环节。 演奏学（Performance Practice）：针对不同历史时期的作品，演奏者应采取何种乐器、技巧和风格？例如，早期钢琴作品的踏板使用限制，古提琴与现代小提琴在弓法上的差异，以及巴洛克时期装饰音的即兴化处理。 创作与分析工具：书中提供了对和弦符号（如数字低音的阅读）、配器法记谱（Transposition Notation）的详细指南。在分析部分，我们引入了 Schenkerian 分析等深度理论，用于揭示宏大结构下的减低（Reduction）过程。 音乐产业与传播：从早期乐谱的印刷技术，到唱片工业的兴起，再到当今的流媒体时代。我们探讨了版权法对音乐创作和消费的影响，以及数字化对音乐作品“版本问题”（Authenticity of Versions）带来的挑战。 结语：超越乐谱的音乐 《音乐的万象词典》的最终目标是培养一种整体的音乐观。音乐不仅仅是记录在纸上的符号，它是物理学、心理学、历史学和社会学交织的产物。通过这部详尽的工具书，读者将能够以更深刻的洞察力去聆听、分析和创造音乐。它是一本为求知者准备的、永不过时的音乐智库。

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这部《The Facts on File Dictionary of Music》真是一本让人又爱又恨的工具书。首先要说的是，它在乐理基础知识的梳理上，无疑是下了大功夫的。当你面对那些晦涩难懂的古典音乐术语，比如“对位法”（Counterpoint）或者复杂的和声进行时，这本书的解释清晰得让人眼前一亮。它没有采取那种堆砌专业术语的写法，而是力求用最直白、最贴近实际演奏或欣赏的角度来阐述概念。举个例子，对于“赋格”（Fugue）的解释，它不仅给出了结构定义，还巧妙地穿插了巴赫作品中的实例片段来辅助理解，这种做法极大地降低了初学者的门槛。我尤其欣赏它对不同音乐时期风格特点的概述，比如从中世纪的圣咏到浪漫主义的极致抒情，那种时代跨度的把握非常到位。可以说，如果你想系统地建立起音乐知识的骨架，它提供的框架是相当坚固的。但话说回来，随着我阅读的深入，尤其是在涉及到二十世纪以后的现代音乐流派时，这种详尽性就开始显得力不从，有些概念的阐释就显得有些保守和泛泛而谈，似乎作者的知识库在某个时间点就戛然而止了。

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从一个业余指挥的角度来看，这本《The Facts on File Dictionary of Music》提供的信息粒度有时过于粗糙了。它在介绍配器法（Orchestration）时，对于不同乐器组的音域平衡、常见指法或者特定乐器在不同乐队编制中的实际效果描述，几乎是缺失的。比如，当你查阅圆号（French Horn）时，你只会得到它在交响乐团中的大致位置和音色描述，却找不到关于“如何巧妙地处理高音区突破”或者“弱奏时如何与其他铜管乐器融合”这类实战技巧的只言片语。这对于像我一样需要将理论转化为实践的人来说，实用性打了折扣。它更偏向于一个历史性的、知识性的汇总，而不是一个实操手册。当然，我可以理解，一本综合性的词典不可能面面俱到，但对于音乐实践领域的热点问题，它的处理方式明显是蜻蜓点水，未能触及其核心。读完后，我感觉自己对音乐的“是什么”有了更深的理解，但对于“如何做”的掌握却依然停留在原地踏步。

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我是在一个偶然的机会接触到这本音乐词典的，当时我正为一个音乐史的论文搜集资料，希望能找到一个可靠的、涵盖范围广的参考书。这本书的排版和检索效率确实值得称赞，字体和行距的安排非常人性化，长时间查阅下来眼睛不容易疲劳。我发现它最大的优点在于对那些“常被提及但解释不清”的音乐家生平侧重颇多，比如一些地域性较强、但在主流音乐史中地位略显尴尬的小人物，他们的小传也得到了相对公正的对待，这对于做深度研究的人来说，绝对是一个宝藏。这不像有些百科全书，只顾着罗列那些家喻户晓的大师，而对那些默默耕耘的中间层人物视而不见。不过，作为一个痴迷于民族音乐学（Ethnomusicology）的读者，我不得不指出，它在非西方音乐体系的收录上，显得非常单薄和肤浅。很多非欧美的乐器、调式或者音乐传统，仅仅是草草提了一句，根本无法满足我对世界音乐的好奇心，那种感觉就像是吃了一顿丰盛的主菜后，发现配菜竟然是冷冻的速食。

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这本书的词条组织逻辑，说实话，有时候让人感到一丝困惑。虽然遵循了字母顺序排列，这是词典的惯例，但在交叉引用和概念关联的引导上，做得不够智能。比如，当我查阅一个特定的作曲技法名称后，我期望它能清晰地指向使用该技法的代表人物或者相关的音乐作品。然而，很多时候，我需要自己跳出词典，去互联网上进行二次检索，才能将散落在不同页码的知识点串联起来，形成一个完整的知识链条。这种割裂感，极大地影响了阅读的流畅性和学习的效率。它更像是一个静态的知识库，而不是一个动态的、引导学习的工具。此外，一些新兴的音乐技术，比如数字音频工作站（DAW）相关的术语或者电子音乐制作中的基础概念，几乎完全被忽略了，这在信息爆炸的今天，让这部词典显得有些跟不上时代的步伐，对于年轻一代的音乐爱好者来说，吸引力自然要大打折扣。

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总的来说，这部《The Facts on File Dictionary of Music》就像是一位博学的老教授，他拥有极为扎实的传统音乐学功底，能够为你清晰地梳理出十八世纪以前的音乐脉络和基本概念。他的讲解沉稳、可靠，充满了学术的厚重感。我非常喜欢它对早期音乐理论、教会音乐以及巴洛克时期复杂结构分析的深度剖析，那部分的严谨性是毋庸置疑的。但如果你的兴趣点在于爵士乐的和弦转位、当代实验音乐的声场设计，或者流行音乐的制作流程，那么这本书的价值就大大降低了。它更像是一份详尽的“旧地图”，精准地标示出了已知的、被传统认可的疆域，但对于那些新兴的、未经勘探的音乐大陆，它则保持了沉默。因此，我推荐给那些专注于西方古典音乐史或理论学习的严肃学生，但对于追求前沿或跨界知识的读者，可能需要搭配更新、更具针对性的参考资料一同使用，否则会感到意犹未尽。

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