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出版者:

作者:Lowry, Todd

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:2003-11

价格:$ 22.54

装帧:

isbn号码:9780634056369

丛书系列:

图书标签:

• 摇滚乐
• 经典摇滚
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• 摇滚
• 怀旧

史诗交响的群星颂歌：一部跨越时代的摇滚百科全书 （副标题：从蓝调的余烬到数字时代的轰鸣——摇滚乐的灵魂、演变与不朽传奇） 【导言：这不是一本“精选集”，而是一部“全景图”】 在这个信息碎片化、音乐风格日新月异的时代，摇滚乐——这股曾经席卷全球、定义了几代人叛逆与激情的文化浪潮，正在被重新审视和解读。然而，市面上充斥着各种“精选集”或“最佳榜单”，它们往往以个人偏好为导向，或仅聚焦于某一个短暂的黄金年代。 本书《史诗交响的群星颂歌》则致力于构建一个宏大、立体、深入的摇滚乐全景图。它不仅是音乐学的深度探究，更是一部社会变迁、青年文化与艺术反抗精神的编年史。我们拒绝将摇滚乐简化为一系列“必听曲目”的清单，而是深入剖析其如何在历史的土壤中生根、发芽、最终开出绚烂的“失真”之花。 本书的结构遵循时间脉络与流派演进的双重逻辑，从二战后美国南部的文化熔炉，直至进入21世纪的多元化探索，全面覆盖了从摇滚乐的起源（Roots）到革新（Revolution）再到重塑（Reformation）的全部历程。 --- 【第一部：熔炉与觉醒——摇滚乐的诞生与黄金时代（1940s - 1960s中期）】 本部分将带读者回到那个一切皆有可能的年代。摇滚乐并非凭空出现，它是蓝调（Blues）、节奏布鲁斯（R&B）、乡村音乐（Country）以及福音音乐（Gospel）激烈碰撞的产物。 第一章：蓝调的电击与乡村的野性 根源的追溯： 深入分析罗伯特·约翰逊（Robert Johnson）式的民间传说如何通过技术革新（如电吉他的普及）转化为舞台上的巨大能量。 早期巨擘的火花： 聚焦比尔·哈利（Bill Haley）的突破性尝试，以及艾尔维斯·普雷斯利（Elvis Presley）如何以一种融合了禁忌与魅力的形象，将“黑人音乐”的能量推向白人主流。这不是简单的模仿，而是一次文化融合的爆炸。 第二章：英国入侵与新一代反叛者 利物浦的冲击波： 详细解析披头士乐队（The Beatles）的早期转型——从模仿美国R&B到发展出真正属于英伦的流行美学。讨论他们如何利用媒体和流行符号，成为战后第一批全球偶像。 更脏、更响、更愤怒： 与披头士的精致形成鲜明对比的是滚石乐队（The Rolling Stones）对蓝调原教旨主义的坚守，以及他们所代表的“坏小子”形象，如何确立了摇滚乐中“反体制”的核心价值观。 第三章：迷幻与艺术的升华 西海岸的迷雾： 深入探讨加州“旧金山之声”如何与LSD文化交织，催生出迷幻摇滚（Psychedelic Rock）。我们分析了杰斐逊飞机（Jefferson Airplane）和感恩至死（Grateful Dead）如何将音乐视为一种集体体验和精神探索的载体。 吉他之神的诞生： 聚焦吉米·亨德里克斯（Jimi Hendrix）对音色、效果器和舞台表演的革命性贡献，他将电吉他从伴奏乐器彻底提升为表达个体意识的终极武器。 --- 【第二部：分裂与重构——复杂性、戏剧性与硬核的崛起（1970s）】 70年代是摇滚乐自我膨胀、分道扬镳的十年。音乐变得更复杂、更宏大，同时也催生了对这种“过度”的反动力量。 第四章：前卫与史诗的巨浪 概念的胜利： 深入剖析前卫摇滚（Progressive Rock）如何吸纳古典音乐的结构和爵士乐的即兴，催生出如平克·弗洛伊德（Pink Floyd）的《月之暗面》这类需要数十分钟才能完整消化的宏大叙事作品。探讨他们的歌词主题如何转向哲学、科幻与社会批判。 重金属的铸造： 详细描述齐柏林飞艇（Led Zeppelin）如何将布鲁斯的力量与凯尔特神话、民谣的神秘感融合，奠定硬摇滚（Hard Rock）的基石。随后分析黑色安息日（Black Sabbath）如何通过更黑暗的音色和更沉重的律动，开创了重金属（Heavy Metal）的先河。 第五章：华丽外表下的危机 剧场化的极致： 探讨华丽摇滚（Glam Rock）——如大卫·鲍伊（David Bowie）和T. Rex——如何利用性别流动性、戏剧服装和舞台表演，将个人身份和商业符号推向极致，模糊了艺术与商业的界限。 第六章：对“精英主义”的复仇——朋克的闪电战 DIY精神的觉醒： 朋克（Punk Rock）运动的爆发是必然的。本章对比分析了美国（如雷蒙斯乐队 The Ramones）和英国（如性手枪 Sex Pistols）朋克的不同侧重点。这不是关于技术，而是关于态度——“任何人都可以做到”。分析其对音乐工业的解构作用。 --- 【第三部：后朋克、新浪潮与主流的拉扯（1980s）】 在朋克“熄火”之后，音乐并未消亡，而是以更具智慧、更具技术性的面貌重生，同时MTV的崛起彻底改变了音乐的传播方式。 第七章：后朋克与新浪潮的冷峻美学 智慧与疏离： 探讨后朋克（Post-Punk）如何保留朋克的能量，但注入了更内省、更晦涩的歌词和更复杂的节奏结构（如快乐小狗狗 Joy Division/New Order）。 合成器的革命： 分析新浪潮（New Wave）如何拥抱电子乐器，用更加流行和易于接受的方式（如U2、痴乐队 The Cure）将摇滚乐带入MTV时代，探讨视觉形象如何与音乐同等重要。 第八章：金属乐的扩张与细分 速度与炫技： 描述80年代金属乐的“黄金细分”。发掘激流金属（Thrash Metal，如Metallica）如何继承朋克的直接性，同时将演奏速度推向极限，使其成为更具攻击性的亚流派。分析发型金属（Hair Metal）的商业成功与局限性。 --- 【第四部：另类的胜利与摇滚的百家争鸣（1990s - 至今）】 90年代，一股强大的地下力量冲破主流壁垒，摇滚乐的定义再次被拓宽。 第九章：西雅图的泥泞——垃圾摇滚的冲击 反商业的成功： 详细分析垃圾摇滚（Grunge）的兴起。这不是一场精心策划的运动，而是太平洋西北地区对80年代过度商业化摇滚的本能反抗。探讨涅槃乐队（Nirvana）如何无意中成为“X一代”的代言人，以及他们对内省、焦虑主题的强调。 多元的地下出口： 追溯独立摇滚（Indie Rock）和车库复兴（Garage Rock Revival，如The Strokes）如何利用网络和小型唱片公司的力量，保持了对主流的批判性和新鲜感。 第十章：二十一世纪的持续回响 后摇滚的沉思： 探讨如何使用器乐和动态变化（Crescendos）来讲述无歌词的故事（如Mogwai, Sigur Rós），摇滚乐的实验精神并未消亡，而是转向了氛围的构建。 遗产与未来： 最终章将总结摇滚乐作为一种文化现象的持久影响力，以及它如何与其他流派（如嘻哈、电子乐）持续进行对话和融合，确保其“反抗”的基因在不断变化的音乐景观中得以延续。 --- 【结语：失真之外的永恒旋律】 本书的最终目的，是让读者理解：摇滚乐不仅仅是吉他失真或强劲的鼓点，它是一种反映时代精神、挑战既有规范的态度和哲学。它关于青年对现状的不满，关于对真实情感的追求，以及对社会虚伪的质疑。通过详尽的案例分析、丰富的历史背景和对关键人物的深度访谈摘录（非原创，而是基于权威文献的整合），我们希望为渴望深入了解摇滚乐核心精神的读者，提供一个既全面又充满激情的指南。 本书适合所有对音乐史、流行文化、社会反思感兴趣的读者。

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说实话，这本《金属之魂》的厚度简直可以当做枕头了，我足足花了快一个月才啃完，但每一页的投入都值回票价，特别是对于我这种长期痴迷于重金属音乐的乐迷来说。它最精彩的地方在于，作者对“重型”这个概念的定义进行了极其细致的划分和演变过程的追踪。从早期的布鲁斯驱动的黑色安息日（Black Sabbath），到七十年代末北欧地区诞生的极端死亡金属（Death Metal）和黑金属（Black Metal）的哲学基础，这本书的跨度大得惊人。让我印象深刻的是，书中对不同地区金属文化的社会学分析——比如，为什么在经济衰退的地区，激进的金属乐更容易生根发芽？作者将音乐的爆发力与社会结构性的不满紧密地联系起来，提供了非常深刻的见解。而且，本书的插图质量堪称博物馆级别，那些泛黄的早期巡演传单、乐队成员手绘的Logo草图，都充满了历史的沧桑感。这本书不仅是关于音乐的，更是关于次文化（Subculture）如何抵抗主流、自我构建认同的史诗。

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这本《叛逆者的颂歌：摇滚与政治觉醒》与其说是一本书，不如说是一部严肃的政治学著作披上了音乐的外衣。我最初期待的是一些关于抗议歌曲的简单盘点，但这本书的分析深度远远超出了我的预期。它非常细致地梳理了摇滚乐如何从最初对社会规范的边缘性反抗，一步步演变为影响特定历史事件的关键力量。书中对越战期间民谣摇滚（Folk Rock）运动的分析尤为精辟——它不仅仅记录了鲍勃·迪伦的歌词，更是剖析了这些歌词如何被电台和集会转化为具体的政治动员口号。书中对七十年代意大利和南美洲的“抗争摇滚”的篇幅虽然不长，却极具启发性，展示了在严酷的威权体制下，音乐是如何成为地下抵抗的秘密语言。作者的论证逻辑严密，引用了大量的历史档案和未曾公开的采访记录，使得整本书充满了无可辩驳的权威感。它成功地证明了，摇滚乐从来就不是“靡靡之音”，而是一股深刻参与塑造现代政治景观的强大意识形态载体。

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天呐，这本新发现的《摇滚圣经》简直是为我这种老乐迷量身定做的！我得说，光是翻开它的封面，那种带着岁月的厚重感和皮革的微弱气味，就让我瞬间回到了八十年代的地下排练室。这本书的深度简直令人发指，它不仅仅是简单罗列了哪些乐队火了，哪些专辑卖疯了，而是深入挖掘了猫王如何在那个保守的年代撕开了一道口子，爵士乐的根如何悄无声息地渗透进了早期布鲁斯音乐的骨髓，最终催生了我们今天所热爱的“摇滚”这个庞大的概念。作者在描述滚石乐队与披头士早期竞争的章节时，那种细节描绘简直像是现场纪录片一样生动——他们如何互相学习、互相超越，那种音乐上的“剑拔弩张”被刻画得淋漓尽致。特别是关于七十年代前卫摇滚（Prog Rock）的那几章，我原以为自己对Yes或者Pink Floyd的理解已经够深了，但这本书居然能从作曲家对古典乐结构的应用，到舞台灯光和视觉艺术的结合，进行如此精妙的解构分析，让人不禁拍案叫绝。它不只是本历史书，更像是一本音乐哲学的导论，让我重新审视了音乐产业背后的文化推手和时代精神的碰撞。

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我本来以为《吉他英雄谱系》可能又是一本只关注那些技术超群的独奏者的流水账，结果大错特错。这本书的叙事方式非常巧妙，它采用了一种“血缘树”的结构，清晰地展示了吉他演奏技法的传承脉络。作者并没有简单地赞美吉米·亨德里克斯的狂放不羁，而是耐心地追溯了他的颤音技巧是如何从B.B.金那优雅的“蝴蝶翅膀”式揉弦中汲取灵感的。更令人耳目一新的是，它对“非主流”技巧的挖掘，比如滑棒（Slide Guitar）如何在乡村音乐和早期摇滚之间架起桥梁，以及芬兰乐派如何将小提琴的拉奏技巧嫁接到电吉他上，创造出一种全新的音色质感。这本书的文字风格非常具有画面感和动感，读起来就像是跟着吉他大师们一起在舞台上即兴演奏一样。它让我意识到，所有的“创新”都不是凭空产生的，而是对前人技巧的重新组合和极端化表达。读完它，我立刻拿起自己的吉他，尝试用一种全新的视角去理解那些熟悉的音符。

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我必须承认，我本来对这种“XX精选集”类型的书籍是抱着相当的怀疑态度的，总觉得它们卖的都是情怀和二手信息。然而，《蓝调回响》这本书彻底颠覆了我的看法。这本书的视角极其独特，它没有将目光聚焦在那些舞台上闪耀的主角身上，而是将聚光灯打向了那些默默无闻、却对音乐发展至关重要的幕后人物。我尤其被关于录音工程师和制作人的那几章深深吸引。你知道吗？书中详细描述了如何通过调整麦克风的位置、选择特定的混响室，甚至是仅仅更换一条电缆，就能彻底改变一支摇滚乐队的声音面貌！例如，它对七十年代末期英国朋克（Punk）运动录音策略的分析就极为犀利——那种故意追求的粗粝感和低保真（Lo-Fi）美学，实际上是技术限制与反建制思想完美结合的产物。这本书的语言风格极其流畅、富有节奏感，读起来毫不费力，但其信息密度却高得吓人。它更像是一部充满洞察力的“声音解剖学”教材，让我明白了为什么某些经典老歌听起来就是比现代数字录音更有“灵魂”。

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