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出版者:

作者:Gelling, Peter

出品人:

页数:0

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出版时间:

价格:154.00 元

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isbn号码:9781875690862

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• 布鲁斯吉他
• 吉他独奏
• 吉他谱
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蓝调吉他即兴演奏：理论、技巧与实战指南 内容提要： 本书深入剖析了蓝调吉他即兴演奏的核心要素，旨在为所有级别的吉他手提供一套系统、全面且实用的学习路径。它不仅仅是一本技巧手册，更是一扇通往蓝调音乐灵魂深处的窗口，引导学习者理解蓝调的根源、情感表达方式以及如何在即兴中创造出属于自己的音乐语言。全书内容涵盖了从基础乐理到高级和声分析，从经典音阶运用到现代演奏技巧的方方面面，配以大量的乐谱示例、音符图表和可供实践的伴奏轨道（Backing Tracks）。 --- 第一部分：蓝调的基石——理解与听力训练 第一章：蓝调的起源与精神 1.1 蓝调的文化根源： 追溯三角洲蓝调（Delta Blues）到芝加哥电声蓝调（Chicago Electric Blues）的发展脉络，理解其与非裔美国人历史、劳动生活和精神信仰的紧密联系。 1.2 核心元素解析： 深入探讨蓝调音乐的标志性元素，如“摇摆”（Swing）律动、推弦（Bending）的力度与情感、揉弦（Vibrato）的个性化处理，以及如何用吉他模仿人声的表达方式。 1.3 关键蓝调音乐家档案： 介绍如罗伯特·约翰逊（Robert Johnson）、B.B.金（B.B. King）、阿尔伯特·金（Albert King）等大师的作品风格分析，重点剖析他们的标志性Solo片段是如何构建的。 第二章：必需的乐理与指板认知 2.1 调式与音阶的蓝调化： 系统学习大调音阶、小调音阶在蓝调中的变体应用。重点解析“蓝调音阶”（Blues Scale）的结构、音符选择（如减五度/Blue Note）及其在不同把位上的指板布局。 2.2 基础和声框架： 详细解析标准的12小节蓝调进行（12-Bar Blues Progression）的I-IV-V和弦关系，包括其常见变化形式（如快慢交替、转调等）。 2.3 七和弦的运用与色彩： 介绍属七和弦（Dominant 7th）在蓝调中的核心地位，并逐步引入九和弦（9th）、十一和弦（11th）和十三和弦（13th）如何为即兴增加色彩和张力。 --- 第二部分：即兴的工具箱——音阶、推弦与节奏感 第三章：掌控蓝调音阶的七种方式 3.1 五个位置的音阶系统： 详细讲解CAGED系统在蓝调音阶应用中的五个基本把位，确保学习者在整个指板上都能自如切换。 3.2 混合音阶策略： 探索如何将蓝调音阶与五声音阶（Pentatonic Scale）无缝结合，实现从“安全区”到“色彩区”的平滑过渡。 3.3 调式即兴的入门： 初步介绍混合利迪亚调式（Mixolydian Mode）在强调I级和弦时的作用，为未来更复杂的和声即兴打下基础。 第四章：推弦与揉弦的艺术——蓝调的“人声”表达 4.1 精准的音高控制： 推弦不仅仅是把音弹高，而是对目标音的精确到达。本书提供针对不同琴弦、不同品位的推弦练习方案，强调听觉反馈。 4.2 揉弦的个性化签名： 分析不同大师（如B.B. King的窄速揉弦与Stevie Ray Vaughan的宽幅揉弦）的揉弦差异。提供渐进式的练习，帮助学习者发展出自己独特的“指纹”。 4.3 装饰音与滑音技巧： 学习如何运用前倚音（Grace Notes）、滑音（Slides）和击弦/勾弦（Hammer-ons/Pull-offs）来填充空间，使Solo更具连贯性和叙事性。 第五章：节奏的深度与律动的构建 5.1 “慢半拍”的魔力： 探讨蓝调乐手中常用的节奏错位技巧，即如何故意“落后于”节拍器演奏，以增强慵懒、沉醉的蓝调感觉。 5.2 切分音与休止符的运用： 强调休止符在蓝调即兴中的重要性。学习如何利用短暂的停顿来增强后续乐句的冲击力。 5.3 伴奏轨道实战练习： 针对12小节的慢速、中速和快速蓝调进行，要求学习者不仅关注音符，更要关注节奏的“放置点”。 --- 第三部分：进阶与实战——和声的探索与风格迁移 第六章：超越基础——和声驱动的即兴 6.1 替代音阶的应用： 深入讲解如何在使用I-IV-V进行时，通过引入“属七降九和弦”（b9）或“属七升九和弦”（9）来创造强烈的“紧张-释放”效果。 6.2 节奏布鲁斯（Jump Blues）与和弦替代： 学习在快速的12小节进行中，如何使用更复杂的和弦替代（如Tritone Substitution）来扩展Solo的音乐可能性。 6.3 调式切换的进阶应用： 针对II-V-I结构（在一些更现代的蓝调或融合乐中常见）进行练习，讲解如何从Dorian切换到Mixolydian来适应和弦变化。 第七章：风格化与标志性乐句的拆解 7.1 芝加哥电声蓝调的音色与攻击性： 如何通过拨片的选择、音量的控制以及音箱的过载（Overdrive）来模仿Buddy Guy或Albert King的尖锐、有力的音色。 7.2 慢速布鲁斯的深度情感： 专注于慢速布鲁斯（Slow Blues）中的“叙事性”Solo，学习如何用更少的音符表达更深的情感张力。 7.3 融合蓝调的探索： 简要介绍蓝调如何与爵士（Jazz Blues）和摇滚（Blues Rock）融合，展示如何在传统框架外进行创造性表达。 第八章：构建一个完整的Solo 8.1 蓝调Solo的“结构图”： 教授如何规划一个完整的Solo，包括“引子”（Opening Statement）、“发展”（Development/Tension Building）、“高潮”（Climax）和“收尾”（Resolution）。 8.2 填充与呼吸空间： 如何在关键乐句之间插入听众可以消化的“填空”（Fills）或有意义的停顿。 8.3 模仿与内化： 最后的练习部分引导学习者不再是“弹奏音阶”，而是“说出蓝调语言”。通过对特定大师乐句的精确模仿和再创作，最终形成自己的Solo风格。 --- 附录： 实用资源清单、常用节奏型图表、以及针对不同速度（60BPM, 90BPM, 130BPM）的12小节蓝调进行练习轨道索引。 本书特色： 本书注重实践性，所有理论讲解均直接与吉他指板上的实际应用挂钩。它鼓励学习者“听”着弹奏，而非仅仅“看着”指法图弹奏，最终目标是让学习者能够自信地站上舞台，用吉他讲述自己的蓝调故事。

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这家伙，拿到这本《布鲁斯吉他独奏》的时候，我简直是欣喜若狂。封面设计得很有味道，那种略带复古的深蓝色调，让人立刻联想到午夜时分烟雾缭绕的酒吧，一把老旧的Gibson ES-335在昏暗的灯光下闪烁着光芒。我一直对布鲁斯音乐情有独钟，尤其是那些让人听了就想跟着摇摆，又带着一丝忧郁的吉他独奏部分。我早就厌倦了那些只教你“按住这个音符，然后推弦”的枯燥教材。我期待的是能深入剖析那些传奇吉他大师们的“灵魂”——他们是如何构建一个独奏段落的，他们的音色是如何打动人心的。这本书，至少从我翻阅目录和前几页来看，似乎真的能带我进入那个殿堂。我尤其关注其中关于B.B. King的颤音技巧和Albert King的音阶运用分析，希望能找到一些我以前从未察觉的细微差别。这不仅仅是一本技术手册，更像是一份对布鲁斯精髓的田野调查报告，让我对接下来的学习充满了期待。我几乎可以闻到书页上油墨的味道，想象着周末泡一杯咖啡，戴上耳机，沉浸在这些传奇乐章中的场景了。它承诺的不仅仅是“学会弹奏”，更是“学会感受”。

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对于一个有着十几年布鲁斯底子的老乐手来说，能让我感到眼前一亮的教材真的不多了。这本书的深度让我印象深刻。它没有浪费篇幅在初学者都知道的基础和弦上，而是直接跳入了“高级语汇”的构建。其中关于“混合调式”（Mixolydian与Dorian的灵活切换）在独奏中的应用部分，简直是教科书级别的分析。作者详尽地拆解了几个著名吉他手在处理II-V-I进行时的“非正统”走位，指出他们是如何利用蓝调音阶的半音进行来制造悬念，然后在解决时给出令人满足的回归。更妙的是，它还附带了一张详细的伴奏音轨列表，而且伴奏的制作质量非常高，听起来就像是一个真正的爵士布鲁斯乐队在给你伴奏一样，而不是那种廉价的MIDI合成音效。我试着在其中一个“慢速12小节A小调布鲁斯”伴奏上，按照书中的提示尝试了几个“四度音程推进”的技巧，效果立竿见影，整个独奏的厚度瞬间提升了一个档次。这才是真正为中高级玩家量身定做的宝典。

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坦白说，我一开始对这种“大师精选”类的教材是持保留态度的，毕竟市面上太多镀金的“秘籍”了。但是，这本书的编排方式出乎意料地严谨。它没有一上来就抛出复杂的乐理概念，而是从布鲁斯独奏中最核心的“感觉”——节奏的切分和律动的微妙变化——入手。我发现作者在讲解如何使用休止符来增强独奏的张力时，用了很多生动的比喻，比如“让音符喘口气，就像跟听众进行眼神交流一样”。这对我这个经常把音符塞得太满的人来说，简直是醍醐灌顶。我尤其欣赏它对不同年代布鲁斯风格的区分，比如德尔塔布鲁斯的原始粗粝感和芝加哥布鲁斯的电力增强效果是如何体现在指板上的。它并没有简单地提供乐谱，而是将乐谱、指板图、以及最重要的——对该段落“情感意图”的描述——三者完美结合。当我跟着书上的指导，尝试模仿Muddy Waters在某个特定小节的处理方式时，那种指尖与琴弦碰撞出的共鸣感，是任何视频教程都无法完全传达的。这本书真正做到了将“理论”熔铸在“实践”的火焰之中。

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我得承认，我买这本书的目的性很强，就是为了攻克那些让人听起来“酷到不行”的快速连奏和推弦技巧。这本书在“速度与控制”那一章的处理，简直是我的救星。它没有简单粗暴地告诉你要“多练习”，而是系统地讲解了如何通过手腕的“鞭打”动作来替代手指的过度发力，从而在不牺牲音色清晰度的情况下提高速度。它甚至细致到讲解了拨片在不同角度触弦时对音色和反应速度的影响。我发现，很多我一直认为需要靠“天赋”才能掌握的快速跑动，其实背后有着一套非常科学的肌肉记忆训练方法。这本书提供了一系列渐进式的练习序列，从单音连击到双音符连击，环环相扣，步步为营。最让我感到惊喜的是，它还涉及了如何使用哇音踏板（Wah Pedal）来“调制”你的独奏，而不是仅仅把它当作一个开关。这种对音色塑造的深入探讨，让我意识到我的独奏不仅仅是音符的堆砌，更是声音的雕塑过程。

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说实话，我买过很多关于吉他独奏的书，但很多都停留在“模仿”的层面，缺乏将技巧转化为“自我表达”的指导。这本书的最后一部分，关于“构建叙事结构”的探讨，让我深感敬佩。作者不再谈论具体的音符或和弦，而是聚焦于“故事性”。如何开始一个独奏，如何在中段引入情绪的起伏，以及如何用一个令人难忘的乐句作为收尾——它用音乐案例的形式，清晰地展示了布鲁斯独奏的“戏剧性张力”。例如，书中分析了如何通过“重复”一个短小的动机，然后逐渐改变其节奏或音高，来营造一种“执着”或“挣扎”的感觉。这对我理解如何从一个“熟练的演奏者”转变为一个“会说话的音乐家”至关重要。这本书让我明白，最伟大的独奏不是最复杂的独奏，而是最能打动人心的独奏。它不仅仅是关于弹什么，更是关于你为什么要这么弹。这无疑是一次极具启发性的阅读体验。

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