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出版者:

作者:Wolz, Birgit, Ph.D.

出品人:

页数:0

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价格:23.95

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isbn号码:9780944435557

丛书系列:

图书标签:

• 电影制作
• 情感
• 视觉叙事
• 电影技巧
• 创意
• 电影语言
• 电影艺术
• 电影理论
• 电影美学
• 电影创作

《光影迷踪：探秘好莱坞幕后的故事》 本书简介 《光影迷踪：探秘好莱坞幕后的故事》并非一本关于电子媒介、情绪化叙事或电影制作技术革新的著作。它是一部深入挖掘黄金时代好莱坞——自二十世纪二十年代至六十年代——权力结构、艺术野心与残酷商业运作的纪实作品。本书旨在剥离光鲜亮丽的银幕表象，揭示那些塑造了全球娱乐产业面貌的真实人物、密室交易以及鲜为人知的剧本修改过程。 第一部分：制片厂的铁腕统治 本书的第一部分聚焦于“制片厂体系”（The Studio System）的鼎盛时期。我们不会探讨数字特效或流媒体生态，而是详细剖析米高梅（MGM）、派拉蒙（Paramount）、华纳兄弟（Warner Bros.）等“五大”和“八小”制片厂如何通过垂直整合，控制了从电影制作、发行到影院放映的每一个环节。 造星工厂的流水线： 详细描述了制片厂如何像管理工厂一样管理旗下艺人。合同的严苛性、对演员私人生活的严格干预，以及“类型化”角色分配的商业逻辑将被细致梳理。例如，探讨大卫·奥·塞尔兹尼克（David O. Selznick）如何精确计算明星的市场价值，以及福克斯（20th Century Fox）对某些特定“面孔”的系统性培养。 “制片人至上”的权力中心： 本章将重点分析像厄文·戈登（Irving G. Thalberg）和塞缪尔·高德温（Samuel Goldwyn）这样的幕后巨头。他们如何平衡艺术家的坚持与市场的需求？书中收录了大量未曾公开的内部备忘录，揭示了制片人对剧本拥有绝对的生杀大权，剧本的最终版本往往是多方利益博弈的结果，而非单纯的创作者意图。 “海斯法典”的阴影： 我们将深入研究电影制作守则（The Hays Code）如何像一把无形的剑悬在所有创作者的头上。这不是对电影审查制度的空泛讨论，而是具体分析了哪些场景被要求删减、哪些台词必须修改，以及制片厂如何通过“自我审查”来规避政府干预，从而维护其商业利益。 第二部分：银幕之外的幕后博弈 这一部分将视角转向了那些鲜少出现在镁光灯下的技术人员、编剧和关键的幕后推手。 被遗忘的剧作家： 好莱坞的“B级片工厂”和二流剧本部门往往是实验性创意的温床，但其贡献却常常被A级制作的辉煌所掩盖。本书采访了多位在三十年代至五十年代为小公司撰写剧本的自由职业者，他们讲述了如何在有限的预算和时间压力下，完成对经典类型（如黑色电影、西部片）的奠基性工作。重点分析了剧本的“流转”机制——同一部作品如何被不同的编剧在不同的制片厂间反复修改、重写，直至面目全非。 技术革新与商业策略： 探讨了如三色特艺彩色（Technicolor）和宽银幕（Cinemascope）等技术的引入，并非仅仅是艺术追求，而是制片厂应对电视崛起的商业防御手段。书中详细对比了派拉蒙和华纳兄弟在采用新技术时各自的战略考量，以及这些技术如何反过来影响了剧本的结构和叙事节奏。 黑色电影：风格的诞生与流亡： 黑色电影的兴起与二战后的社会焦虑息息相关。我们不讨论其风格美学，而是探讨其背后的政治隐喻和制片厂如何巧妙地将其包装成仅仅是关于“阴郁的侦探故事”。书中收录了数位被好莱坞“冷藏”的欧洲移民导演的案例，他们将欧洲的表现主义和现实主义手法带入好莱坞，却不得不适应制片厂的叙事规范。 第三部分：黄金时代的黄昏与转型 本书的最后部分聚焦于一个时代的终结——二十世纪五十年代初期的“派拉蒙案”和麦卡锡主义对电影工业的冲击。 最高法院的判决与体系的解体： 详细分析了美国最高法院关于反垄断的裁决如何强制制片厂剥离其连锁影院，这直接瓦解了他们控制发行的能力。本书着重探讨了从“垄断”到“分权”的过程中，独立制片人的兴起，以及传统制片厂内部的权力结构如何开始松动。 冷战下的“忠诚宣誓”： 针对好莱坞十君子事件和黑色名单，本书侧重于描述制片厂高层在政治压力下的集体选择——是屈服于压力以保护其资产，还是坚持捍卫创作者的自由？书中对比了不同制片厂在处理被指控者时的截然不同的官方立场和私下行动。 新一代的挑战者： 介绍了一些在五十年代末期崭露头角的年轻导演和制片人，他们开始挑战制片厂为所有观众设定的保守叙事框架。他们如何利用新获得的发行自由，引入更成人化、更复杂的题材？这标志着好莱坞从“童话工厂”向更复杂、更接近现实的电影制作的艰难过渡。 《光影迷踪》的价值 本书旨在为那些对电影工业历史，特别是其商业和政治基础感兴趣的读者提供一份详尽的、去浪漫化的解读。它不是一部关于如何拍摄精彩镜头的指南，也不是对某种特定电影流派的情感颂扬。它是一份对一个特定历史时期好莱坞——那个通过铁腕统治和精妙的商业布局创造了全球娱乐神话的时代——的冷静解剖。通过梳理权力、金钱和艺术在制片厂制度下的复杂纠葛，我们得以更清晰地理解现代电影工业的基因是如何被锻造出来的。本书的重点是制度、合约、市场策略以及幕后博弈的真实面貌，而非聚焦于技术革新或情感表达的演变。

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坦白说，我对那些过于学术化的电影理论总是敬而远之，总觉得它们离普通观众太远了。然而，这本书的理论探讨部分却让我感到意外的亲切。作者似乎有一套独特的“翻译系统”，能将晦涩难懂的符号学或结构主义概念，转化成我们日常生活中就能理解的例子。比如，他分析一个特定场景中色彩运用的心理暗示时，竟然拿我们平时穿衣打扮的选择来类比，一下子就让人茅塞顿开。我记得有一章专门讨论了“留白”在叙事中的力量，作者引用了中国山水画的意境来阐述，指出有时候，不把话说死，反而能激发观众更深层次的想象。这种跨界的融合，显示了作者深厚的文化底蕴。阅读过程中，我多次停下来，不是因为看不懂，而是因为被那种洞察力所震撼，忍不住想拿起手机查阅书中提到的那些经典片段，去亲自验证作者的论点。这本书的价值就在于，它让你从一个被动的接受者，变成一个主动的思考者，极大地丰富了我的观影体验。

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这本书的编辑排版绝对是一绝。虽然篇幅不薄，但阅读起来却一点也不累。装帧上选择了那种略带磨砂质感的纸张，拿在手里很有分量感，不是那种轻飘飘的廉价感。最让我惊喜的是，穿插其中的那些老照片和手稿扫描件。那些泛黄的剧照、导演在片场潦草的笔记，甚至是早期电影公司的合同副本，都未经美化地呈现出来，充满了历史的沧桑感。这些视觉材料不是简单的插图，它们本身就是叙事的一部分，提供了文本无法替代的佐证和氛围。特别是那些关于早期电影胶片冲洗过程的图解，复杂到让人头皮发麻，却又如此迷人。我感觉自己仿佛真的穿越回了那个技术尚不成熟，全凭想象力支撑的黄金时代。这种对细节的极致追求，体现了出版方对这部作品的尊重，也让这本书的收藏价值大大提升。它不仅仅是知识的载体，更像是一件精美的艺术品。

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最让我印象深刻的是，作者在全书的最后部分，笔锋一转，开始探讨未来。他没有去预测那些光怪陆离的虚拟现实技术，反而将目光投向了我们日常生活中那些最微小的感知层面。他提出，无论技术如何进步，最终连接观众的，永远是那个最原始、最难以量化的“共情”机制。他用非常感性的语言描述了，一个优秀的镜头如何能精准地击中我们内心深处的柔软。这种对人性本质的回归和强调，让我感到无比温暖。全书读完后，我没有那种知识被填满的疲惫感，反而有一种心灵被洗涤过的轻松和开阔。它不是教你如何成为一个技术大师，而是教你如何成为一个更敏锐、更有同理心的内容创作者，或者说，一个更懂得欣赏光影艺术的观众。这本书真正做到了“授人以渔”，它提供的是一套观察世界的全新滤镜。

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这本书的“深度”是我很少在同类书籍中遇到的。它没有满足于对“如何制作”的浅层描述，而是深入挖掘了“为什么制作”背后的文化和社会动因。作者花了大量篇幅去探讨，在特定的历史时期，电影这种新兴艺术形式是如何挑战传统观念、推动社会变革的。比如，书中对某些特定题材在不同国家审查制度下的改编过程的分析，就非常尖锐和深刻。它揭示了艺术创作与政治力量之间那种微妙而复杂的博弈关系。读到这里，我开始反思，我们今天习以为常的某些叙事规范，究竟是艺术的自然演进，还是历史洪流下被筛选和固化的结果。这种宏大的历史视角，让这本书的格局一下子打开了，它超越了电影制作本身，上升到了对人类媒介传播和文化建构的哲学探讨。这迫使我不得不放慢速度，反复咀嚼那些关于“媒介即信息”的论断。

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这本书的封面设计简直是视觉盛宴，那种深邃的靛蓝和跃动的金色光芒交织在一起，立刻就抓住了我的眼球。我原本以为这会是一本关于传统电影制作流程的厚重教材，毕竟名字听起来有点学院派。但翻开第一页我就发现自己完全想错了方向。作者的叙事方式极其流畅自然，仿佛在跟你娓娓道来一个老朋友的私密故事。他没有直接展示那些枯燥的技术参数，而是将重点放在了“情感如何被捕捉和重塑”这个核心命题上。我特别喜欢他对早期特效师的描绘，那些在暗房里点亮灯光，用最原始的手段欺骗观众眼睛的匠人们，他们的执着和创造力被刻画得入木三分。读到他们为了一个镜头反复试验，甚至不惜将工作室弄得一团糟的段落时，我简直能感受到那种混合着汗水和胶片气味的兴奋感。这种对幕后英雄的致敬，让这本书立刻提升了一个档次，不再是冷冰冰的技术手册，而是一部充满人情味的编年史。它让我重新审视了那些陪伴我成长的经典影片，原来每一个光影的跳跃背后，都隐藏着如此多的心血和哲学思考。

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