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出版者:

作者:Orta, Michael

出品人:

页数:56

译者:

出版时间:2004-1

价格:$ 22.59

装帧:

isbn号码:9780757911446

丛书系列:

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好的，这是一本名为《The Harmonic Language of 20th Century Impressionism: Debussy, Ravel, and Beyond》的图书简介。 --- 《二十世纪印象主义的和声语言：德彪西、拉威尔及其他》 深入探索现代音乐的色彩与氛围，解构印象派大师的创新和声体系。 内容简介 《二十世纪印象主义的和声语言：德彪西、拉威尔及其他》是一部对十九世纪末至二十世纪初欧洲音乐——特别是法国印象主义音乐——和声语言进行系统性、深入剖析的专著。本书旨在为音乐学者、理论家、演奏家以及对音乐色彩和声有浓厚兴趣的听众提供一套清晰、详尽的分析框架，用以理解德彪西（Claude Debussy）、拉威尔（Maurice Ravel）等核心作曲家如何颠覆了传统功能和声的束缚，开创了全新的音乐表达领域。 本书结构严谨，从基础概念的梳理入手，逐步过渡到复杂和声现象的细致解读，最终探讨这些技术如何塑造了印象主义音乐标志性的“氛围”和“色彩”。 --- 第一部分：从传统向自由的过渡——和声语境的重塑 本部分追溯了印象主义和声的源头，探讨了浪漫主义晚期（如瓦格纳和弗兰克）的和声实验如何为印象主义的解放铺平了道路。 第一章：浪漫主义的边界与功能和声的衰退 本章首先回顾了古典-浪漫主义和声体系的核心——功能性调性（Tonic-Dominant-Subdominant 关系）的严格性。随后，分析了诸如增三和弦、半音进行和离调在李斯特和早期理查·施特劳斯作品中的边缘使用，展示了作曲家们如何开始探索和声的“色彩价值”而非仅仅是“驱动力”。 第二章：音高材料的扩展与调性的模糊化 重点分析了印象主义作曲家对传统音阶体系的突破。这包括： 1. 五声音阶（Pentatonic Scale）的广泛应用：考察其如何被用来创造一种“异域的”或“空灵的”音响效果，并分析了德彪西在钢琴作品（如《亚麻色头发的少女》）中对五声音阶的精妙运用，如何规避了强烈的导音倾向。 2. 全音阶（Whole-Tone Scale）的结构分析：深入探讨全音阶的独特对称性，以及它如何彻底消除了传统调性中的紧张与解决，代之以一种悬浮、无方向性的音响体验。书中将详细展示如何构建和解析全音阶和弦，并将其在管弦乐配器中的听觉效果进行对比。 3. 模态调性（Modal Tonality）的复兴：对比早期教会调式（如多利安、弗里吉安）在印象主义作品中的回归。重点分析了如何使用调式音阶来建立一个稳定但非传统的中心音，从而实现一种既清晰又含蓄的调性感。 --- 第二部分：印象主义和声的核心技术剖析 本部分是本书的核心，细致入微地拆解了德彪西和拉威尔在和声构造上最常使用的、最具革命性的技巧。 第三章：和弦的“独立性”：九和弦、十一和弦与十三和弦的解放 传统和声仅将九和弦视为属和弦的装饰；而印象主义将其提升为独立的色彩单元。 和弦的非功能性使用：探讨了这些高叠和弦（Extended Chords）如何在没有明确解决路径的情况下被并置（juxtaposition）。分析了它们如何作为“和声块”（Harmonic Blocks）存在，每一个和弦本身就是一种色彩状态。 和弦的内部结构分析：区分了德彪西偏好的“三度叠加”与拉威尔对“四度叠加”的和弦偏爱，并解析了这种结构差异如何影响了音乐的质感（texture）。 第四章：平行和声与音响的并置 这是对传统和声连接规则的直接挑战。 平行五度与八度的再定义：尽管平行八度在古典对位法中被禁止，但平行和弦的运动（平行三度、四度、五度、甚至复杂和弦组的平行移动）在印象主义音乐中成为常态。本书探讨了这种手法如何创造出一种“天花板效应”，即所有声部以相同的速度和方向移动，保持了内部的和谐，但放弃了旋律线的独立驱动力。 “音块”的并行运动：特别关注德彪西《前奏曲》中著名的“云雾缭绕”的和声进行，分析了其如何利用固定的音程关系进行横向移动。 第五章：非传统的调性中心与半音的色彩潜能 深入分析了作曲家如何运用半音进行来模糊调性，而不是强化它。 莱特莫蒂夫（Leitmotif）式的和弦：研究了某些特定的、高度个人化的和弦（如著名的“德彪西和弦”——由一个大三和弦、一个增四度和弦或降五度音构成的组合），分析了这些和弦如何在不同作品中反复出现，并承载特定的心理或自然意象。 中音区的“沉思”：考察了和声如何在极窄的音域内（特别是钢琴的中音区）进行微小的半音移动，这种细微的“漂移”如何营造出拉威尔作品中那种精致而略带忧郁的氛围。 --- 第三部分：风格的差异化与影响 本部分将德彪西和拉威尔的风格进行对比分析，并展望印象主义和声对后世音乐的影响。 第六章：德彪西与拉威尔：和声语言的两位大师 虽然同属印象主义，但两位作曲家的和声处理存在显著差异。 德彪西的“溶解”：分析德彪西如何倾向于“溶解”结构，使和声更注重瞬时感和模糊性，追求水波、光影的意境。 拉威尔的“清晰”：探讨拉威尔如何运用印象主义的和声材料，但始终保持着更清晰的结构轮廓和更精细的对位处理，其和声听起来更具金属光泽和精确的布局。 第七章：印象主义与二十世纪音乐的未来 本书最后一部分探讨了印象主义和声对爵士乐、新古典主义以及后来的极简主义音乐所产生的深远影响。通过研究他们如何解放了和弦的结构，为二十世纪下半叶的音乐探索（如德彪西对法国“六人组”的影响，以及其和声思想在早期爵士乐即兴中的体现）提供了理论基础。 --- 读者对象 本书适合音乐学院学生、研究生、作曲与理论教师，以及所有希望超越传统和声分析框架，理解二十世纪早期音乐革命的演奏家和音乐爱好者。本书的分析部分配有大量的乐谱示例（不含爵士乐谱例），并辅以清晰的理论图表，使复杂的和声现象得以直观展现。通过阅读本书，读者将能够不再仅仅“听见”印象主义音乐的色彩，而是真正理解这些色彩是如何被精心调配和构建出来的。

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**资深钢琴技师E：** 我主要负责乐器的维护和调音，对接触到的各类乐谱和演奏习惯非常有心得。这本书给我的直观感受是，它似乎是为那些真正爱护自己乐器的演奏者准备的。从纸张的厚度到墨水的渗透性，都显示出对乐器保护的间接关怀。更重要的是，这本书所引导的演奏技术，会让钢琴的机械磨损降到最低。许多不正确的演奏习惯，比如过度用力击键或者不均匀的触感，都会在短期内对琴槌造成损害。这本书的练习，尤其是那些强调“轻盈感”和“均匀性”的片段，实际上是在潜移默化中训练演奏者使用更有效、更放松的力度去触键。我发现最近使用这本书的学生，他们的音色普遍更加圆润、均匀，这对于钢琴的长期健康状态是有益的。这本书的价值，已经超越了音乐本身，它延伸到了对乐器艺术的尊重。

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**乐评人A：** 这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种复古又现代的撞色处理，加上磨砂质感的纸张，拿在手里就感觉沉甸甸的，充满了对音乐的敬意。我记得我是在一家老旧的独立书店里发现它的，当时被它独特的排版吸引住了。内页的字体选择非常考究，那种衬线字体读起来特别舒服，即使是长时间盯着复杂的乐谱，眼睛也不会感到疲劳。而且，这本书的装订方式非常平整，无论是放在钢琴架上还是铺在桌面上，都能完美地平铺开来，这对于演奏者来说简直是福音，省去了频繁翻页和按压书脊的烦恼。更值得一提的是，书后附带的那个小小的访谈录，虽然篇幅不长，但作者对音乐哲学和即兴创作的理解，真的给我带来了很多启发。这本书不仅仅是一本乐谱集，它更像是一件精心打磨的艺术品，从视觉到触觉，都体现出对细节的极致追求。我甚至会偶尔只是翻阅它，欣赏一下那些精心设计的留白和字体比例，那种感觉非常放松和愉悦。

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**爵士乐评论家C：** 我花了整整一个下午的时间，沉浸在这本乐谱的氛围之中。我必须承认，最初我对它抱有一丝怀疑，毕竟“练习曲”这个词听起来总是有些枯燥。然而，这本书彻底颠覆了我的印象。这些练习曲的音乐性强到让人几乎忘记了它们是用来“练习”的。它们具有极强的叙事性和情绪张力，即便是最基础的指法练习，也被赋予了一种独特的“蓝调味道”。我注意到作者非常巧妙地运用了“空间感”——某些音符之间的停顿、呼吸，比弹奏的音符本身更重要。这对于培养演奏者对节奏和律动的敏感度至关重要。它引导你思考的不是“我该怎么弹”，而是“我想表达什么”。这种由内而外的驱动力，才是真正区分业余和专业演奏者的关键。我个人尤其钟爱其中那些关于“琶音的变形”的练习，它们不仅锻炼了手指的独立性，更拓宽了对旋律线条的理解。

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**琴行老板B：** 从我们店里的销售情况来看，这本书的反馈简直是爆炸性的。很多已经摸索了好几年的中级爵士钢琴爱好者，在试弹了其中的几个片段后，都毫不犹豫地买下了。这本书的难度设置非常合理，它不像市面上有些教材那样要么过于基础，要么直接跳跃到只有专业人士才能驾驭的超高难度。它的每一个练习曲似乎都像是量身定制的阶梯，层层递进，让你在不知不觉中掌握了和弦的色彩变化以及更复杂的节奏型。我有一个学生，他以前对“进行时态”的和弦连接总是感到很困惑，自从他开始练习这本书里的第三部分后，他自己都说，那种“流动感”一下子就找到了。这本书的编写者显然对钢琴演奏的实际困难有着非常深刻的体会。它没有空泛的理论说教，所有的知识点都是嵌入在具体的、可演奏的音乐片段中，这才是真正高效的学习方式。销量说明了一切，它填补了市场上一个非常重要的空白。

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**音乐学院教授D：** 作为一名常年教授和声学的教师，我对教材的选择一直非常谨慎。这本书最大的优点在于它对传统爵士和声语汇的解构和重组，处理得既精准又富有创造力。它没有固守陈旧的教条，而是以一种更具实验性的角度去探讨和弦的张力和释放。例如，书中对“增六和弦”在爵士背景下的应用，提供了一种完全不同于古典乐派的视角，极大地拓宽了学生的和声想象空间。此外，它的技术要求并非盲目堆砌，而是紧密围绕着音乐表达服务的。比如，在涉及到快速音阶转换时，作者提供的指法建议清晰明了，并且强调了触键的力度控制，这对于学生建立正确的演奏肌肉记忆至关重要。我已经在我的研究生课程中开始推荐使用这本书作为补充材料，因为它能有效弥补传统教材中对现代爵士和声学探索的不足。

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