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出版者:

作者:Hal Leonard Publishing Corporation (CRT)

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:

价格:116.00 元

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isbn号码:9780634056314

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• 吉他
• 伴奏
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音乐理论的坚实基石：深入解析《和声学原理与实践》 书名： 和声学原理与实践 作者： [此处可填入一位资深音乐教育家或理论家的姓名，例如：阿尔伯特·施特劳斯 (Albert Strauss)] 出版年份： [例如：2023年] --- 内容概要：超越演奏技巧，直抵音乐的灵魂 《和声学原理与实践》并非一本关于如何弹奏特定乐器的指南，而是一部系统、严谨、面向所有音乐学习者、作曲家、编曲家以及音乐理论研究者的权威教科书。本书的核心目标是为读者构建起坚不可摧的西方音乐和声体系知识框架，深入剖析从巴洛克时期到浪漫主义晚期乃至二十世纪初和声语言的演变规律、结构逻辑与情感表达潜力。 本书摒弃了速成技巧的浮躁，专注于理解音乐的“语法”和“语义”。它将和声学视为一门科学与艺术的结合体，引导读者不仅要知道“什么音符组合在一起听起来好”，更要理解“为什么它们会这样组合”，以及在特定的历史与风格背景下，这种组合所承载的音乐意义。 --- 第一部分：基础的再构建——调性系统的基石 本部分致力于为读者打下无可动摇的调性音乐基础。我们首先超越了基础的音程和音阶概念，深入探讨了音高集合（Pitch Sets）的内在关系，以及调性系统（Tonal System）是如何在数个世纪中被建构起来的。 1. 音高与调式的精确界定： 十二平均律的物理与听觉基础： 对比纯律与平均律在实际应用中的差异与优势。详细解析八度、五度、三度的听觉心理学。 传统大小调的结构性分析： 不仅列举音阶，更深入探讨调式（Modes）的起源与功能，特别是自然音阶与和声小调、旋律小调的相互转化机制。 功能和声学的引入： 提出Tonic（主和弦）、Dominant（属和弦）、Subdominant（下属和弦）的清晰定义，并探讨它们在驱动音乐进行中的核心作用。 2. 三和弦的形态学与功能解析： 基础三和弦的构造与转位： 对大小三和弦、增三和弦、减三和弦进行详尽的图表分析，并细致讲解根音位置、第一转位、第二转位在旋律进行中的声部进行（Voice Leading）规则。 和声的连接与进行（Chord Progression）： 重点剖析最基础的I-IV-V-I进行背后的声学原理。引入帕克-福克斯（Pachelbel's Canon）等范例，解析如何通过恰当的声部进行实现和弦间的平滑过渡，避免平行五度、八度等古典禁忌。 --- 第二部分：和声的深化与扩展——七和弦的色彩魔力 进入第二部分，本书将视野扩展至功能和声的支柱——七和弦，以及如何利用和声的色彩变化来增强音乐的表现力。 3. 七和弦的结构与情绪张力： 属七和弦（Dominant Seventh）的不可替代性： 深入解析属七和弦中三音（导音）与七音（不协和音）如何共同产生强烈的解决（Resolution）倾向。 九和弦、十一和弦与十三和弦的引入： 探讨这些“延伸和弦”（Extended Chords）如何为和声增添密度和模糊感，特别是在浪漫主义音乐中的应用。 副属和弦（Secondary Dominants）： 这是理解调性复杂化的关键。本书通过大量的实例展示如何使用属和弦导向非主和弦，从而暂时性地转移调性中心，增加音乐的戏剧性。 4. 离调与转调的艺术： 功能性转调： 详细讲解如何通过共同和弦（Pivot Chords）实现流畅的调性转换，这是从一个A大调部分平稳过渡到其关系小调（如F小调）的核心技术。 半音性转调与不协和离调： 引入如“那不勒斯六和弦”（Neapolitan Sixth Chord）和增六和弦（Augmented Sixth Chords, 德、意、法式）的复杂结构，分析它们如何在音乐中制造强烈的色彩对比和预示性的张力。 --- 第三部分：超越调性的边缘——和声的拓展与风格分析 第三部分是本书最具挑战性也最富启发性的章节，它引导读者跨越古典主义的界限，探索和声在不同风格中的极限运用。 5. 调性模糊与非功能性和声： 和声的“停滞”： 分析如李斯特（Liszt）和瓦格纳（Wagner）作品中，和声进行如何服务于氛围营造而非传统的驱动力。探讨“三全音和弦”（Tritone Chord）和模糊的属和弦的构造。 增色与色彩和弦： 详细分类和分析各种“异域”和弦，例如减七和弦（Diminished Seventh Chord）的多重功能解析，以及它在不同声部进行中的应用技巧。 6. 风格分析案例研究： 本书摒弃纯粹的理论堆砌，而是通过对巴赫（Bach）、莫扎特（Mozart）、贝多芬（Beethoven）以及德彪西（Debussy）等大师的精选乐段进行深度和声剖析。 巴赫赋格的结构： 重点解析对位法与和声的相互作用。 浪漫主义的极端和声： 剖析肖邦夜曲或勃拉姆斯间奏曲中，和声如何被用作旋律的支撑和情感的放大器。 印象派的和声“漂浮感”： 介绍九和弦、十一和弦的频繁使用如何打破传统调性解决的束缚，实现音乐的“色彩化”。 --- 结语：理论与实践的统一 《和声学原理与实践》要求读者投入时间进行系统的听觉训练（Ear Training）与键盘实践。本书的每一个章节都配备了大量的分析练习和创作提示，旨在促使读者将抽象的理论转化为实际的音乐语言。掌握了本书的内容，读者将能够不仅仅是阅读乐谱，而是能够“听见”乐谱背后的逻辑结构，从而能够更深刻地理解、分析，并最终创造出具有内在逻辑和丰富情感表达的音乐作品。这是一部为严肃音乐学习者准备的、关于西方音乐结构智慧的百科全书式指南。

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坦白说，我对吉他教材的期望值一直不高，因为很多所谓的“教程”要么就是故作高深，要么就是内容浅薄到令人发指。但这本书却成功地找到了一个绝佳的平衡点。它对基础乐理的穿插非常自然，不会让人感到突兀或枯燥。比如，当它引入一个新的调式或和弦进行时，它会用一句精炼的话语点出这个变化是如何影响整体音乐氛围的，而不是长篇大论地去解释复杂的数学关系。这对于我这种更偏向实践操作的学习者来说，简直是福音。我最头疼的就是读谱速度慢，尤其是涉及到一些复杂的节奏型时，总是会跟不上节拍器。这本书的编排似乎考虑到了这一点，它将难点部分的节奏型单独拎出来进行强化训练，这种“化整为零”的教学方式极大地提升了我的节奏感和准确性。我已经能感觉到自己对乐曲的把握更加稳定了，不再是那种“弹得快但听起来乱糟糟”的状态，而是开始有“章法”和“律动”了。

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初次拿到这本乐谱时，我首先被它的装帧和纸张质量所吸引。市面上很多教材用纸很薄，翻阅几次就容易磨损，或者油墨容易蹭到手上，但这一本拿在手里沉甸甸的，印刷的清晰度极高，即便是那些复杂的速弹段落，每一个音符的排列也看得一清二楚，不用眯着眼睛去分辨是不是空弦。更让我觉得贴心的是，它似乎对不同风格的曲目有不同的侧重讲解。比如在布鲁斯的部分，它不仅提供了标准的六线谱，还附带了一些关于即兴发挥的小贴士，虽然我还没有完全掌握，但光是阅读那些关于“蓝调音阶的运用”的文字描述，就让我对这种音乐风格有了更深层次的理解。我发现自己不再是机械地模仿琴谱上的符号，而是开始理解这些音符背后蕴含的情感和结构。这本书真正做到的，是将“演奏”与“理解”结合起来。我尤其喜欢其中收录的一些相对冷门但极富表现力的曲目，它们拓宽了我的曲库，也让我接触到了更多元化的吉他演奏技法，而不是仅仅停留在主流流行歌曲的层面。

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我必须承认，我是一个非常注重“实用性”的学习者，我买书的唯一目的就是能尽快上手弹奏出能让朋友们叫好的曲子。这本书在“实用性”这一点上，表现得无可挑剔。它收录的曲目跨度很大，从经典摇滚到一些技巧性较强的爵士片段都有涉猎。最让我惊喜的是，它对每一个曲目的难度分级非常清晰，我能清楚地知道哪些是我的“热身曲”，哪些是我的“挑战目标”。这意味着我可以有计划地安排自己的练习进度，不会因为盲目挑战过难的曲目而产生挫败感。更重要的是，它所教授的技巧都是可以直接应用到实际演奏中的，没有太多纯粹的理论空谈。我用这本书里学到的和弦指法，已经成功地为好几个朋友的原创歌曲伴奏了，那种被认可的感觉，是任何评分系统都无法替代的。这本书的价值，在于它能真正地将“知识”转化为“技能”，并让你在享受音乐的过程中，自然而然地实现这一转化。

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这本书带来的最大改变是我的演奏自信心。过去我总觉得自己弹琴的“态度”不对，好像总是缺少那么一丝潇洒和自信。这本教材里选取的曲目本身就带着一股自由不羁的味道，而且讲解中充满了鼓励和正面引导。它让我明白，吉他演奏的魅力不仅仅在于完美无瑕的技术，更在于你如何通过你的演奏来“讲述”故事。书中对于某些段落的处理，提供了A、B两种不同的演奏思路，比如“更柔和的处理”或“更具攻击性的表达”，这种开放式的引导，激发了我尝试用自己的理解去诠释音乐的欲望。我不再仅仅是一个“演奏员”，而开始尝试成为一个“诠释者”。我甚至开始尝试在练习过程中，根据自己的心情微调一些音符的强弱和时值，这完全是这本书激发出来的创造力。它提供了一个坚实的框架，但在框架之上，它鼓励你自由地呼吸和成长。

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这本乐谱集简直是为我这种“半吊子”吉他手量身定做的救星！我一直梦想着能像那些大师一样，随心所欲地弹奏出那些充满灵魂的旋律，但现实是我常常被复杂的指法和晦涩的五线谱搞得焦头烂额。然而，这本书的编排方式彻底改变了我的困境。它没有那种高高在上的学院派做派，而是非常接地气地将经典曲目拆解开来。我特别欣赏它在音符标注上的细心，每一个和弦转换、每一个推弦的力度，都有清晰的图示或文字提示，这比我以前翻阅的那些只有简化和弦标记的资料实用多了。记得有一次，我对着一首老歌的吉他Solo卡住了整整一周，感觉自己快要放弃了，翻开这本书的对应章节后，发现它竟然用非常直观的方式展示了那个标志性的滑音技巧，我茅塞顿开，当天晚上就成功攻克了难关。这本书给我的感觉更像是一位耐心的私人教练，而不是冷冰冰的教材。它让我对音乐的热情重新燃烧起来，不再畏惧那些看起来高不可攀的曲子，而是充满信心地去“玩”音乐，而不是“学”音乐。那种把一首歌完整流畅地弹下来的成就感，是任何语言都难以形容的。

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