Aristophanes and the Carnival of Genres

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出版者:
作者:Platter, Charles
出品人:
页数:272
译者:
出版时间:2007-1
价格:$ 66.67
装帧:
isbn号码:9780801885273
丛书系列:
图书标签:
  • 古典文学
  • 喜剧
  • 古希腊文学
  • 阿里斯托芬
  • 文学批评
  • 类型研究
  • 文化研究
  • 戏剧
  • 讽刺
  • 古典悲剧
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具体描述

The comedies of Aristophanes are known not only for their boldly imaginative plots but for the ways in which they incorporate and orchestrate a wide variety of literary genres and speech styles. Unlike the writers of tragedy, who prefer a uniformly elevated tone, Aristophanes articulates his dramatic dialogue with striking literary and linguistic juxtapositions, producing a carnivalesque medley of genres that continually forces both audience and reader to readjust their perspectives. In this energetic and original study, Charles Platter interprets the complexities of Aristophanes' work through the lens of Mikhail Bakhtin's critical writing. This book charts a new course for Aristophanic comedy, taking its lead from the work of Bakhtin. Bakhtin describes the way multiple voices-vocabularies, tones, and styles of language originating in different social classes and contexts-appear and interact within literary texts. He argues that the dynamic quality of literature arises from the dialogic relations that exist among these voices. Although Bakhtin applied his theory primarily to the epic and the novel, Platter finds in his work profound implications for Aristophanic comedy, where stylistic heterogeneity is the genre's lifeblood.

好的,以下是为您创作的一份关于一本与“阿里斯托芬尼斯与流派狂欢”无关的图书简介。 --- 《光影迷踪:二十世纪电影的叙事革新与文化回响》 内容概要 本书深入剖析了二十世纪电影艺术的演变历程,着重探讨了电影叙事结构如何在新技术、新思潮的冲击下,经历了从古典好莱坞的线性叙事向现代主义、后现代主义实验性表达的深刻转型。这不是一部简单的电影史编年录,而是一部聚焦于“如何讲述故事”的理论与实践的深度考察。 二十世纪初,电影作为一种新兴的娱乐形式,迅速吸收了文学和戏剧的既有范式,确立了以清晰因果关系和完整人物弧光为核心的叙事标准。然而,随着社会结构日益复杂化,以及两次世界大战带来的精神创伤,这种古典的确定性受到了严峻的挑战。本书首先回溯了法国印象派电影的视觉实验,以及德国表现主义如何通过扭曲的布景和光影来反映人物的内在恐惧,为后来的叙事解构埋下了伏笔。 第一部分:古典的黄昏与现代的黎明 (1920s–1940s) 这一部分聚焦于好莱坞黄金时代的成熟,但同时探讨了其内部的张力。我们详细分析了塞西尔·B·德米尔(Cecil B. DeMille)式的宏大叙事如何与格里菲斯(D.W. Griffith)奠定的剪辑原则相互作用。然而,真正的革新发生在对“时间”的处理上。我们研究了奥逊·威尔斯(Orson Welles)的《公民凯恩》如何通过非线性闪回、深焦镜头以及多视角的并置,彻底颠覆了传统的主观叙事视角。这不仅仅是技巧上的炫耀,而是对真相的破碎性、记忆的不可靠性这一哲学命题的视觉回应。此外,黑色电影(Film Noir)的兴起,标志着道德模糊性的确立,其叙事结构充满了循环往复的宿命论和不可知的未来,为现代的怀疑主义奠定了基调。 第二部分:战后欧洲的疏离与反叛 (1950s–1960s) 二战后的欧洲,尤其是在意大利和法国,电影界经历了一场彻底的“去中心化”运动。意大利新现实主义放弃了棚拍的虚假,转而将镜头对准了真实生活的粗粝与即兴,这种对“非虚构美学”的追求,本身就是对传统情节驱动叙事的否定。 本书花费大量篇幅探讨了法国新浪潮(Nouvelle Vague)的革命性贡献。戈达尔(Jean-Luc Godard)和特吕弗(François Truffaut)等人,通过大量使用“跳切”(Jump Cuts)、即兴对话以及直接对观众的“注视”(Breaking the Fourth Wall),暴露了电影制作的“人工性”。叙事不再是封闭的闭环,而是向观众提出了开放式的哲学拷问。这些导演们不再关心“发生了什么”,而更关心“如何记录发生”。我们还将目光投向了英格玛·伯格曼(Ingmar Bergman)的瑞典作品,分析其如何将内省的、近乎戏剧化的对话,与极简的场景设计相结合,探讨信仰、死亡和沟通的障碍,构筑了一种高度心理化的、反情节的叙事空间。 第三部分:后现代的迷宫与类型学的解构 (1970s 至今) 随着电影工业的成熟和消费主义的扩张,七十年代的美国电影开始反思其自身的历史和神话。本书关注了电影制作者如何利用对历史类型的挪用、戏仿和颠覆,来探讨身份的流动性与文化符号的空心化。 我们将深入分析彼得·格林纳威(Peter Greenaway)等人的作品,他们将电影媒介推向了纯粹的视觉拼贴和符号学迷宫,叙事逻辑被视觉上的复杂性、百科全书式的引用所取代,观影体验更多地成为了一种智力上的“解码”过程,而非情感上的代入。 此外,本书探讨了跨媒介叙事的兴起——例如,当代电视剧集如何通过长篇幅的篇幅,发展出比传统电影更宏大、更碎片化、更依赖于观众记忆累积的“连续叙事”,这种形式对电影的传统“完整性”构成了直接的挑战。 核心论点 本书的核心论点在于:二十世纪电影的叙事革新,是电影艺术面对现代世界复杂性、异化感和对既定权威反思的必然结果。从对线性因果的依赖,到对时间、空间的解构,再到对媒介自身局限的不断质询,电影的“故事”最终演变成了一种关于“观察方式”的辩论。它揭示了电影如何从一种简单的“讲述故事的机器”,蜕变成一面反射我们自身思维结构和文化焦虑的棱镜。 ---

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