Allan Holdsworth pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Holdsworth, Allan

出品人:

页数:80

译者:

出版时间:1993-12

价格:$ 28.24

装帧:

isbn号码:9780769220154

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 社会
• 文化
• 摇滚
• 爵士吉他
• 指弹吉他
• 音乐理论
• 现代音乐
• 即兴演奏
• 吉他大师
• 左手技巧
• 音阶运用
• 融合风格
• 创新演奏

《音画之间：当代吉他艺术的探索与传承》 这是一本深入剖析当代吉他演奏技法与音乐理念的专著。本书并非拘泥于某一特定风格或演奏家的传记，而是以开放的视野，广泛涉猎了从爵士融合到前卫摇滚，再到实验音乐等多个音乐领域中，吉他作为核心乐器所展现出的无限可能。 本书的核心在于对“音乐性”的深度挖掘。我们试图超越单纯的技术展示，去理解那些能够打动人心的旋律、和声以及节奏是如何被创造出来的。作者们在书中抛出了许多发人深省的问题：是什么让一位乐手能够在众多声音的洪流中独树一帜？乐句的呼吸感从何而来？如何在即兴创作中找到真正的自由与表达？这些问题的探讨，将引导读者重新审视吉他演奏的本质，从“弹奏”转向“倾听”与“感受”。 在技法层面，本书并非罗列枯燥的练习，而是着重于理解各种演奏技巧背后的音乐逻辑。例如，书中会对一些在当代吉他音乐中普遍出现的复杂和声进行解析，探讨它们如何为旋律提供更丰富的色彩和张力；会分析一些在节奏处理上更具挑战性的律动，以及乐手如何在这些律动中保持清晰的脉络与流动性。此外，对于一些非传统的演奏方式，如运用效果器制造的独特音色，以及对乐器本身潜能的挖掘，本书也会提供一些深入的观察与思考。 本书的另一大亮点是对“风格融合”的深入讨论。在信息爆炸的时代，音乐的边界日益模糊，不同风格之间的碰撞与融合成为了常态。本书将探讨吉他手如何在吸收不同音乐元素的同时，保持自身独特性，并创造出具有辨识度的个人声音。这种融合并非简单的拼贴，而是一种深度的理解与转化，是基于对音乐语言的深刻把握。 在音乐理论的探讨上，本书力求浅显易懂，同时又不失深度。它会涉及一些基础的和声学、乐理知识，但更侧重于将这些理论知识与实际演奏相结合，帮助读者理解这些理论在音乐创作中的实际应用。例如，在讨论某个复杂的和弦进行时，会将其与一些经典的爵士或摇滚乐句联系起来，让读者能够直观地感受到理论的魅力。 本书的结构设计也颇具匠心。在每一章节的开篇，都会设定一个核心的音乐概念或演奏主题，随后通过对相关音乐作品的分析，以及对一些重要音乐家创作理念的阐述，来层层深入地展开讨论。书中穿插了大量对音乐片段的剖析，这些剖析旨在展示音乐的细节是如何构建整体的，以及每一个细微的音符、每一个微妙的停顿所能带来的情感涟漪。 对于吉他爱好者而言，本书不仅是一本学习技法的宝典，更是一次关于音乐思考的旅程。它鼓励读者去聆听，去模仿，去理解，最终去创造。它不提供现成的答案，而是引导读者去寻找属于自己的答案。通过对这本书的学习，读者将能够更深刻地理解吉他这件乐器的潜能，更清晰地认识到自身在音乐道路上的方向，并能够以一种更成熟、更具创造力的方式去演奏和创作。 本书同样适用于对现代音乐发展史感兴趣的读者。通过对吉他这一重要乐器在不同音乐潮流中的演变轨迹的梳理，可以窥见当代音乐整体的发展脉络。那些在爵士、摇滚、融合音乐等领域留下了深刻印记的吉他手们，他们的演奏方式、创作理念，以及他们所处的时代背景，共同构成了丰富多彩的音乐画卷。 总而言之，《音画之间：当代吉他艺术的探索与传承》是一本集理论、实践、历史与哲学思考于一体的吉他艺术专著。它旨在为每一位热爱吉他、追求音乐真谛的读者，开启一扇通往更广阔音乐世界的大门。无论您是初学者还是资深乐手，都能从中获得启发，提升音乐认知，并最终在自己的音乐旅程中，找到属于您的独特声音。

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我花了很长时间才消化完这本关于现代爵士乐和前卫音乐领域中节奏复杂性的著作。作者的论证结构极为严谨，仿佛在解构一座精密的机械钟表，将那些看似混乱无序的复节奏和多重拍号组合，还原成了清晰可辨的数学逻辑与听觉美学。特别是关于“感知失衡”的章节，非常具有启发性。他没有简单地罗列出那些令人眼花缭乱的拍号变化，而是深入分析了听众的预期是如何被反复操纵和最终被满足（或被打破）的过程。对于那些痴迷于复杂节奏编排的乐手来说，这本书提供了从理论框架到实际应用的全景视图。其中穿插的许多案例分析，都引用了当代大师们那些标志性的、挑战传统听觉习惯的片段，并配有极其详细的节奏图解，这极大地帮助我理解了那些在听觉上需要多次“重置”才能跟上的乐句是如何被构建出来的。这不只是一本技术手册，更是一部关于时间感和听觉认知心理学的深度研究。

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这本书以一种近乎散文诗的、非常个人的方式，记录了一位作曲家对音色设计和环境声场构建的痴迷。它完全不同于教科书那种冰冷的、标准化的乐器音域描述。作者似乎带着我们进入了他的工作室，近距离观察他是如何通过微调拾音器、调整房间混响时间、甚至是选择特定材质的线材，来“雕刻”出他脑海中那个独一无二的声音。我特别欣赏他对“空间化”概念的阐述，他认为声音不应该仅仅是平面的，而应该拥有三维甚至四维的深度。他描述如何利用相位和早期反射声来模拟出仿佛置身于巨大教堂或空旷旷野中的听觉体验，这种对物理声学与主观听觉体验交叉点的探索，令人着迷。虽然有些段落对于纯粹的古典乐学习者可能略显晦涩，但对于任何从事声音设计或电子音乐制作的人来说，这简直是打开了一扇通往无限可能性的窗户，让人明白“如何听”比“弹什么”更为重要。

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这份阅读体验，与其说是学习，不如说是一次对“即兴”这一概念的哲学重塑。作者非常侧重于即兴背后的思维模式，而非和声进行图表。他挑战了“即兴就是选择正确音符”的传统观念，转而强调即兴的“意图性”和“叙事性”。书中反复提及“沉默的张力”和“动机的展开”，引导我思考，好的即兴段落是如何像一个微型故事，有开端、有冲突、有高潮和收尾的。对于那些在即兴时感到思维枯竭，总是在熟悉的旋律和音阶中打转的演奏者，这本书提供了一种强大的思维解放工具。它鼓励你去拥抱不确定性，将每一次演奏失误视为一次新的探索机会，而不是需要被修正的错误。读完后，我拿起乐器时，感觉自己不再是被动的“执行者”，而更像是一个主动的“提问者”，在音乐的对话中不断提出富有建设性的疑问。

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我对这本书中关于乐器“可塑性”的论述印象最为深刻。作者没有将吉他或钢琴视为固定音高、音色的工具，而是将其视为一种可以被无限形变的“物质”。他用非常形象化的语言描述了如何通过极端的演奏技巧（例如对琴弦施加的压力、拨弦的角度、甚至身体的重量转移），来暂时性地“扭曲”乐器固有的发声模式，从而制造出那些介于音高与噪音之间的过渡性声音。这使得音乐创作不再局限于十二平均律的框架之内。书中详细描述了一些非常规的演奏技巧，比如如何利用共振、如何通过摩擦制造出接近人声的颤音效果，以及如何处理那些快速衰减的泛音。对于那些致力于拓宽现有乐器表现力边界的实验音乐家而言，这本书无疑是一份宝贵的、充满灵感的前沿实践指南，它鼓励我们去挑战乐器的“底线”，去探索那些传统教学中被视为禁区的声音领域。

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这本关于吉他演奏哲学的书，简直是为那些渴望突破技术瓶颈、寻求音乐灵魂深处的演奏者量身定制的。作者并未将重点放在炫技的音阶跑动或复杂的指法解析上，而是深入探讨了“声音”本身的含义。他用非常细腻的笔触描绘了如何倾听乐器与自身的对话，如何让每一个音符都承载着情感的重量，而非仅仅是时间的标记。阅读过程中，我多次停下来，不是因为我没听懂，而是因为某些段落的描述，如同高清晰度的录音，让我猛然意识到自己过去演奏中忽略了多少细微的动态变化和音色的微妙差别。书中对和声色彩的运用，尤其是对扩展和弦与非传统调式色彩的探讨，提供了一种全新的听觉地图，引导读者探索听觉上那些未被充分开发的领域。它更像是一本关于如何成为一个更具洞察力的音乐家的指南，技术只是工具，而最终的目的是触及听众的心灵。那种对“呼吸感”的强调，对休止符力量的挖掘，让我对即兴演奏的理解上升到了一个全新的高度——那不再是填补空白，而是有目的性的留白，是构建张力的艺术。

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