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出版者:

作者:Laughlin, Robert M.

出品人:

页数:352

译者:

出版时间:2008-7

价格:$ 45.20

装帧:

isbn号码:9780292717596

丛书系列:

图书标签:

• 喜剧
• 戏剧
• 猴子
• 动物
• 舞台剧
• 幽默
• 娱乐
• 表演
• 讽刺
• 荒诞

帷幕之后：剧场艺术的沉思与实践 一卷关于舞台灯光、布景设计、演员形体与导演理念的深度探索，聚焦于二十世纪后半叶至当代戏剧创作的演变轨迹，而非特定剧目或团体。 这部著作并非聚焦于某一特定的剧团、某一部著名的剧作，更不涉及任何以“猴子”或“商业”为主题的戏剧作品。它是一部纯粹献给剧场艺术本身的思考集，旨在剖析构成“戏剧体验”的各个核心要素，并梳理它们在现代语境下的演变与冲突。 全书结构严谨，分为五个主要部分，层层递进，从最基础的物理空间探讨到最复杂的观众心理研究。 --- 第一部分：空间的解构与重塑——舞台的物理学 本部分深入研究了戏剧发生场域——舞台——的本质变化。我们抛弃了对传统“框景式”舞台的囿限，转而关注“剧场即空间，空间即意义”的当代理念。 1. 舞台的维度与观众的距离： 探讨了从环绕式舞台（Theatre-in-the-round）到多点透视舞台（Environmental Staging）的转变，分析了不同布局如何影响观众的在场感（Presence）与叙事接受度。特别关注了“去中心化”舞台设计对传统英雄叙事的消解作用。 2. 光的语言： 详细剖析了照明设计如何超越单纯的功能性（照明演员），进化为叙事主体。书中收录了对多位国际著名灯光设计师的访谈记录，讨论了“冷光与热光的情感投射”、“动态光束对时间流逝的暗示”以及“利用阴影创造第二叙事线”等高阶技巧。重点分析了如何通过光线来构建一个非现实或超现实的环境，而非仅仅模仿自然光。 3. 材质的哲学： 这一章关注布景设计中材料的选择与意图。探讨了使用混凝土、回收金属、有机材料（如泥土或水体）在舞台上所承载的象征意义。例如，一个完全由镜面构成的舞台，其功能性远大于其装饰性，它关乎自我审视与身份的破碎化。我们审视了极简主义布景（Minimalist Sets）如何将焦点强行拉回演员的形体与文本的重量上。 --- 第二部分：身体的语法——演员的训练与形体表达 表演艺术是剧场的灵魂。本部分致力于解析演员在当代舞台上所面临的挑战：如何在继承古典技巧的同时，发展出适应非线性叙事和环境剧场的身体语言。 1. 气息与发声的重建： 考察了从梅耶荷德（Meyerhold）的生物机械学到拉班（Laban）动作分析的演变。书中着重探讨了现代导演如何要求演员在不使用传统戏剧腔调的前提下，依然保证声音的穿透力和清晰度。重点分析了使用“低语”或“非语言音效”来传达情绪的有效性。 2. 间隙的艺术（The Art of the Pause）： 沉默在戏剧中往往比语言更有力量。本章深入研究了“停顿”在不同文化背景下的解读差异，以及一个精心设计的“沉默瞬间”如何成为情节的转折点。探讨了演员如何利用呼吸的微小变化来填补沉默，避免其成为“空白”。 3. 跨媒介的身体训练： 随着剧场越来越多地融合影像、声音装置甚至虚拟现实元素，演员的身体不再是唯一的焦点。本章探讨了演员如何与技术设备进行“共舞”，如何回应屏幕上的预录影像，以及如何在开放空间中维持角色的内在一致性。 --- 第三部分：导演的蓝图——权威与协作的张力 导演是剧场观念的架构师。本部分将导演的职能从单纯的“诠释者”提升到“创造者”和“协调者”的高度，分析了当代导演理念的多元化。 1. 文本的解构与重建： 考察了导演如何处理经典文本——是对其进行“考古式”的忠诚复原，还是进行“颠覆性”的时代移植？分析了几种著名的文本处理手法，例如“碎片化叙事结构”、“时间轴的错乱安排”，以及如何通过舞台设计来暗示文本的“未完成性”。 2. 排练室的生态学： 探讨了从“独裁式”排练到“民主式”或“工作坊式”排练的转变。分析了不同排练方法对最终作品气质的影响。重点关注了“即兴创作（Improvisation）”在建构角色动机和舞台调度中的作用，以及如何将即兴的活力固化到最终的演出中。 3. 视觉语言的统合： 导演如何平衡灯光设计师、服装设计师和舞美设计师的创作意图，形成一个统一的“视觉宣言”？本章通过案例分析，展示了如何通过导演的坚持，确保所有设计元素都服务于核心的哲学观点，避免出现“元素各自为政”的现象。 --- 第四部分：观众的参与——体验的社会学 剧场艺术的完成依赖于观众的“在场”。本部分从社会学和心理学的角度，审视了观众在现代剧场中的角色变化。 1. 临场感与疏离效果的博弈： 探讨了布莱希特（Brechtian Alienation Effect）的持续影响，以及当代剧场如何巧妙地在“让你完全沉浸”和“提醒你正在观看一场演出”之间游走。分析了打破“第四面墙”的策略及其对观众智识参与度的影响。 2. 剧场作为公共议题的发生地： 研究了当代剧场如何不再回避敏感的政治、社会或伦理议题。重点分析了“对话式戏剧”（Verbatim Theatre）如何利用真实证词来挑战既有的权力叙事，以及观众在观看这类作品时所经历的道德困境。 3. 沉浸式剧场的心理阈限： 随着沉浸式戏剧的兴起，观众不再是被动的接受者，而是行动的参与者。本章探讨了这种“过度参与”可能带来的正面效果（更深的共情）与负面风险（审美疲劳或边界感的模糊）。 --- 第五部分：剧场与时间的流逝——档案、传承与未来 本部分将目光投向剧场艺术的生命周期和其在数字时代的定位。 1. 演出档案的困境： 戏剧艺术的本质是“不可重复的发生”。本章探讨了影像记录（录像）对现场体验的“误导性保护”。分析了如何通过文本、设计图纸和排练笔记来尽可能地“重建”一次演出的精髓，而不是仅仅复制其表面动作。 2. 剧场的数字边界： 考察了网络直播、虚拟现实排练和增强现实技术对剧场本体的冲击。探讨了剧场艺术如何利用这些技术来拓展其观众群，同时坚守其核心价值——面对面的、共同呼吸的体验。 3. 剧场精神的永恒主题： 总结了跨越时代的核心主题，例如身份的追寻、人性的局限、对超越性的渴望。这些主题是任何特定剧目或商业考量都无法磨灭的剧场存在的理由。 总结： 《帷幕之后》是一本献给所有热爱、研究和实践舞台艺术的人士的工具书与思想指南，它致力于解析“戏剧是如何发生的”，而非“某一个戏剧讲了什么”。它关注的是技艺的精进、哲思的碰撞，以及空间、身体与光影交织下所产生的瞬间魔力。

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